lunes, 21 de octubre de 2013

TRANSMEDIA: NARRATIVAS MULTIPLATAFORMA



En días anteriores Bogotá acogió una serie de conferencias y charlas auspiciadas por el ministerio de las telecomunicaciones en relación al transmedia y las nuevas narrativas. Dicho evento estuvo presente durante tres jornadas en algunos puntos de la ciudad a fin de contribuir a la cualificación del sector audiovisual de en la creación de este tipo de proyectos.
Aunque no pude asistir a todas las charlas me di la oportunidad de presenciar dos de ellas; la inaugural, y una de las de cierre, en la que me permití una idea vaga no solo del evento sino también de la movida de este tipo de campañas a nivel mundial.

¿QUE ES TRANSMEDIA?

Aunque aquí bien podría copiar lo que dice wikipedia porque seguramente lo dice mejor, voy a ahondar el tema con palabras propias para hacerlo más personal:

Básicamente la narración transmedia o los proyectos transmedia, son historias que abarcan diferentes plataformas a fin de hacerse con un mayor número de consumidores, prolongar la vida útil de un relato, y generar una industria a partir de sí misma. A este caso responden películas de las que se derivan series de televisión, episodios web, musicales, comics, contendido exclusivo de redes o aplicaciones móviles por citar tan solo unos ejemplos, lo ideal acá es que una historia haga presencia en diferentes formatos.

Siendo más concretos, hay que decir que quizá hemos sido parte de estrategias transmedia sin saberlo. Algunos casos conocidos por ejemplo son el de la película “This is England” que después se extendió a una serie de televisión y que se hizo un hueco con un elaborado soundtrack de canciones de la época, o también es el caso de la estrategia de publicidad de la cinta Batman:The Dark Knight en las que se usaron pequeños clips en páginas web, incluyendo además imágenes que rezaban “ Yo creo en Harvey Dent” las cuales se vieron no solo en websites sino en pancartas de algunas ciudades en EE.UU.

¿QUE TAL ESTUVIERON LAS CONFERENCIAS?




No es justo el balance que hare en este apartado por obvias razones (no participar de todas las charlas) pero en las que estuve si me pude dar una idea bastante amplia de la gestión que se le dio a este encuentro el cual dejo bastante que desear en mi humilde opinión.

Si los entes distritales y gubernamentales quieren que comencemos a hablar el mismo lenguaje tecnológico e innovador que el resto del mundo, tienen que dejar de ser tan parroquianos a la hora de llevar a cabo este tipo de actividades.

La primera, en la cinemateca por ejemplo, estuvo bastante floja, no solo en su organización (entrada a la hora que no era, comienzo tardío de los ponentes, improvisación sobre la metodología a seguir) sino que además se pudo sentir una leve “mano negra” de parte de la administración distrital, un “tufillo a izquierda” podríamos llamarle, el cual parecía premeditado, y que termia restándole solidez a una iniciativa que no acepta posturas políticas de ningún tipo.

Por mas decir que los primeros invitados, encargados de la inauguración no estuvieron a la altura de lo requerido, comenzando por Fran Ilich, de origen mexicano, y que a pesar de dejar ver su vasta experiencia en el asunto a través de un recorrido a toda marcha sobre sus vivencias en el área, edulcoro con demasiado pragmatismo antis-sistema su discurso, que no tenia porque ser discurso, sino más bien una ponencia de carácter lúdico. Además de ello, por alguna extraña razón, solo estuvo algo más de media hora cuando en la programación inicial colgada en el sitio web aparecía con un bloque de tres horas a su disposición.

La ausencia de tiempo (por razones desconocidas) no solo hizo notoriamente apresurada su exposición sino que además le privo de contextualizar el tema, y lo termino volcando todo a un “abajo el sistema” que si bien es interesante, creo que no era el espacio ni el lugar para hablar de ello.

Minutos después, cuando media audiencia abandono el recinto, se hizo presentación de una improvisada maniobra para llenar tiempo, como cuando en la universidad metían materias de relleno para completar el pensum; y así fue como llego la inclusión “in extremis” de un grupo de personas que trabajan en proyectos con la fundación Gilberto Álzate Avendaño (entidad del distrito) y que lo primero que dicen en micrófonos es: “de lo que vamos a hablar a continuación no es precisamente de transmedia”(¿?)

Acto seguido se han metido en terrenos bastante locales a mi modo de ver, con anécdotas de emisoras culturales de carácter comunitario y cosas similares, que repito, se aprecian pero nada tenían que ver con el evento. Y ojo que eso no solo lo note yo sino varios de los espectadores distraídos en sus Smartphones o en conversaciones con el de al lado, inmersos en todo menos en lo que se estaba diciendo desde la tarima.

La guinda del pastel de ese día la complementaron un mal manejo en los equipos tecnológicos de la sala (computadoras, micrófono, videobeam) que serian admisibles en una conferencia de Herbalife o en una reunión del trabajo, pero no en un evento tecnológico auspiciado por el gobierno. No solo eso sino que se planeo una ronda de preguntas y respuestas que no fue fructífera sencillamente porque nadie sabía que preguntar debido a lo poco que se toco el tema general al que asistían la mayoría de personas.

El segunda día, he de decir la cosa mejoro bastante. El recinto en esta ocasión fue una de las instalaciones de la Universidad de los Andes, que si bien están muy capacitadas para esta clase de eventos ya de entrada contaba con dos problemas. El primero; que nadie tenía idea en que lugar exacto de la universidad se llevaría a cabo, y segundo, que creo se les quedo pequeño el sitio seleccionado puesto que a varios nos toco de pie o acurrucados en el piso en vista de que no había más sillas.

Después de sortear esto, incluyendo una chica con olores corporales no muy agradables, debo decir que el conocimiento impartido por parte de Manuel Tobar y Yolanda Barrasa, no solo fue muy acorde a los esperado sino que se hizo dinámico, con buenas ayudas audiovisuales y con un lenguaje muy claro para que todos pudiesen entender.

Discreparía un poco en ciertos momentos de la charla sobre algunas ideas de la narrativa tradicional que los ponentes tenían pero por lo demás fue muy satisfactorio abordar toda esta información, aun cuando varios tuvimos que hacerlo de pie.
Con poco más que agregar, después de una vez terminada esta charla de 3 horas, debo decir que el día jueves se sintió una mayor preparación en los temas, aun cuando quedan varias cosas por corregir.

¿QUE DIJERON?


Si obviamos lo sucedido el primer día, en donde lo único que se me quedo en la cabeza fue la frase “no odien a los bancos, sean los bancos” hay que aclarar que en la charla impartida en la U de los Andes se abordaron algunas cosas interesantes.

Lo principal es que los proyectos multiplataforma son una manera interesante no solo de interactividad con la audiencia sino de hacer más redondo el negocio. Algunos ejemplos como el de Jay Z o el de Axe (que coloco al final) dejaron ver que el futro de las películas, comics, discos u otros tantos productos audiovisuales ya no puede estar sujetos a una sola plataforma. Es decir, esa imagen de que quienes hacen están allá, y quienes consumismos estamos acá es cosa del pasado, y será mejor que lo entendamos antes de que industrias de otros países tomen la delantera en estas experiencias.

Lo clave es sacar partido de las nuevas tecnologías a favor de nuestro producto. Tenemos que aprender a viralizar nuestro contenido, a hacer una estrategia de redes sociales que hoy en día es igual de fuerte a la de la publicidad convencional, debemos también encontrar maneras de que los consumidores se sientan parte de la historia a través de aplicaciones para celulares, material adicional de pago, uso de la banda sonora como expansión a otro mercado, ofrecimiento de finales alternativos, sacar historias a partir de uno de los personajes secundarios… en fin, la lista es amplia pero la premisa es muy clara; narrar historias de la manera clásica sigue siendo una opción, pero una opción cada día con menor potencial en un mercado tan amplio y tan industrializado como el que vivimos.

Fue bueno ver por ejemplo, que la combinación de dos o más tipos de narrativas puede dar resultados interesantes. Aquel dia se presento un comic interactivo, en el que el espectador tenía a su disposición una historieta con animaciones y con sonido para ambientar lo sucedido, eso por ejemplo lleva un paso mas allá el clásico comic de papel, que si bien seguirá siendo material de culto para los más fanáticos, deja de ser potencialmente rentable y duradero si no se amolda a una nueva forma de consumo que tenemos en la actualidad.

“La ficción aspira a ser real para generar más espectadores” creo que fue una de las frases dichas ese día que mejor sintetiza esta transformación de las narrativas y de las capacidades que tiene una historia al hacerla multidireccional.

Ya sea visto como negocio, o como posibilidad de hacer más conocido un relato, lo ideal es llevar al consumidor a ser parte activa de todo el proceso porque allí está el punto de inflexión al que debemos adherirnos, no solo como individuos sino como industria, sino, el día que por fin hayamos alcanzado un terreno idóneo en producción de películas, series, cortos y quien sabe que mas, nos daremos cuenta de que ese ya no es el negocio y que una vez más estamos atrasados porque las narrativas transmedia son ahora le futuro de las artes.

EJEMPLOS OTORGADOS DE NARRACIONES TRANSMEDIA

Axe Anarchy : La compañía famosa por sus comerciales y sus lemas en pro de sex appeal masculino, impacto con un comercial sobre su ultima fragancia, que dio pie a la realización de una novela grafica en tiempo real la cual permitía la interacción con todo su público a través de las redes sociales, en las cuales los consumidores decidían el argumento del comic protagonizado por 3 chicas llamadas las Anarchy Girls.





Jay Z Decoded : El poderoso rapero, amo y señor de los negocios en la industria musical, se asocio con el buscador Bing para la campaña de lanzamiento de su autobiografía, la cual estuvo acompañada de una viralización nunca antes vista en un libro. Gracias a la estrategia transmedia planteada las páginas de la publicación abandonaron el papel tradicional y se trasladaron a las calles de diferentes sitios de EE.UU en los que párrafoS o textos del libro se ubicaron en lugares poco convencionales como piscinas, canchas de básquet, paredes o utensilios de restaurantes. Todo esto a fin de generar una recordación en el público más amplia y duradera y permitir que el producto alcanzara a potenciales consumidores en otros lugares diferentes a los acostumbrados.

Es tal el impacto de esta campaña que Gucci (firma de ropa) saco una colección de prendas con páginas del libro en cuestión que ampliaron aun más el espectro y permitieron generar una dinámica con los usuarios que poco a poco se apropiaron del tema, subiendo fotos de los lugares alcanzados por las letras de la obra y jugando a esta reunión de postales en diversos sitios que concluía con el hallazgo mas grande. El propio Jay Z haciendo entrega de un ejemplar de su libro.
















aquí una presentación en Prezi sobre Decoded: http://prezi.com/zj89by39etzm/narrativa-transmedia-decoded-by-jay-z/

jueves, 10 de octubre de 2013

MIS DIEZ PEORES PELÍCULAS DE CINE COLOMBIANO


Criticar ya no ayuda mucho, básicamente porque ahora todos critican, antes solo lo hacíamos unos pocos y era muy cómodo, ahora todos despotrican y nos quitan trabajo a los que nacimos con las ganas de pelear por todo desde niños, además criticar no sirve de nada en este país sencillamente porque todo se queda en eso, en palabras, o en escritos como es mi caso y el de Daniel Samper Ospina (el crítico light por antonomasia)

De cualquier manera, y aunque no tenga la mas mínima funcionalidad, voy a expulsar de mí una opinión destructiva que tengo entre pecho y espalda hace mucho tiempo. Dicho alegato corresponde a las 10 peores películas colombianas que he visto en mi vida.

Lo sé, es impopular hablar de mal cine nacional cuando estamos en la era de abundancia y evolución cinematográfica, pero de cualquier manera es una necesidad casi que vital dar mi punto de vista sobre estos 10 descalabros que he visto. Y aquí hago una aclaración , hay películas de carácter perverso que nunca he visto y que fácilmente podrían entrar a hacer parte de este ranking pueril (mi gente linda mi gente bella, el carro, el cartel de los sapos, de rolling por chibchombia) pero afortunadamente las circunstancias se han juntado para impedir que les eche un vistazo.

Por otra parte, para no quedarme en la quejadera constante a la que nos hemos acostumbrado, mi escrito a seguir va a hacer contrapeso a este cochino top ten, y allí ahondare en las 10 películas que mas me han gustado de nuestra industria para demostrarles que aunque nos hemos especializados en fabricar lodazales de mal gusto, por allí afuera hay unos cuantos que están haciendo las cosas bien.

Mientras El Man anda metido en un trancón de la séptima,
confiamos en que le roben el espejo del carro y lo pare
la policía por falta de documentos. Es lo mínimo que
se merece
1- EL MAN: El cine de superhéroes es una vaina compleja basicamente porque por un lado hay muchos detractores y por el otro una horda fanática de defensores. En los últimos años han desfilado producciones sobre Batman, Superman, Linterna Verde, los cuatro fantásticos, Iron Man y un largo, larguísimo etcétera, pero hay uno, uno en particular que nunca nadie defenderá.

Eso es “El Man”, probablemente la peor cinta Colombiana de la historia, y no podía venir de otro lado que de un genocida del arte como Harold Trompetero; papanatas, pelafustán y vividor del séptimo arte que se ha encargado de dejarnos por el piso cinéfilo a nivel mundial.

¿Qué pensaran de nosotros los extranjeros que se acercan a nuestro cine cuando ven una película como El Man? Pena ajena, ira, cólera, depresión… hay que aceptarlo, la cinta produce muchas emociones, pero solo por su pésimo trabajo auspiciado en Bernardo García de protagónico, en el flaco Solórzano dándoselas de malote y en esa mensa que hacia el papel de la tal "Paty fastidio" en una innombrable novela de Nuestra Tele que hizo las delicias de grandes y chicos

Desastre monumental, grosero diría yo. No sé como habrán hecho los actores para prestarse a este despropósito (hay que estar muy necesitado ola!) y luego de los años aceptar que estuvieron allí, diciendo bobaliconadas, haciendo chistes tontos y ridiculizando a toda una sociedad que si bien es mala no se merecía tanta infamia encarnada en esta película

No pues, tan contestatario este remedo de Scorsese
mal habido colando escenas dignas de Esperanza
Gomez y compañia en sus "revolucionarias" cintas
2- SIN TETAS NO HAY PARAISO: Gustavo Bolívar si es un demagogo de lo mas jocoso, enaltecido hasta la cúspide criolla por atinarle al rating con la serie de la niña que se quería “poner las téticas” no solo se anoto un punto en el mercado audiovisual sino que además parece haberse convencido de que su papel en la industria es jugar al “enfaint terrible” del cine nacional, supuestamente vendiéndose como un realizador provocador al que no le pueden cerrar la boca.

Provoca es mandarle a “los de la moto” a este señor después de haber hecho la película de su golpe de suerte porque evidencia una carencia de recursos tan grande que apenas y se puede decir que hizo un capitulo de una novela con hora y media de duración.
No tuvo que escribir mucho, solo condensar su creación a 90 minutos y meterle a un par de amiguetes de Telemundo para que la financiaran, imagino yo. Entonces sale Miguel Varoni (empoderado del irresistible encanto que cree tener) como un doctor. Sale también Ramiro Meneses diciendo las mismas dos frases que le hemos oído a todos los “traquetos” de la televisión, y por ahí se asoma el actor ese que hizo de Ricardo Castro en “Pandillas guerra y paz”, hablando igual que en esa otra cochinada de serie.

Pero el elenco no para ahí, pues cuenta con aquel viejito inmamable que siempre ponen a hacer de narco guache y atarban, y que (esto lo sé de primera mano) le recomienda a los nuevos actores del país que no estudien esa vaina, que eso pa que, que mejor se pongan a manejar un taxi así como hizo el.
Por si fuera poco parece que Gustavito tiene como principal inspiración de su lenguaje audiovisual a los telefilmes eróticos que pasaba The Film Zone hace unos años y con los que más de un niño aprendió que el nombre de Emanuelle no es muy adecuado para un hombre, porque de no ser así es inexplicable el trato “softporn” que le da a las escenas de sexo y los planos de “tetas y cucas” (en lenguaje de él) con los que parece tener una obsesión durante el soporífero metraje.

Aun así, esta película podría tener ciertos usos pedagógicos si se considera como un documental que refleja la tendencia en las producciones Colombianas de los últimos tiempos


Un sicario adorador del Sagrado Corazón.
 ¿Eso es nuevo cierto?. Fijo tiene un escapulario en
el tobillo como buen cliche que se respete
3- EN COMA: Jamás, óigase bien, jamás había tenido tanta expectativa con una película tan puerca como esta, en donde resalta el delirio de gangster de su director, cosa que comparte con los cantantes de reggaetón como Wisin y Yandel.
Sobre la cinta se venían haciendo, de manera inexplicable, una serie de comentarios positivos acerca del trato que le daba al tema del sicariato y demás lugares comunes, pero mayor mentira no ha existido desde que dijeron que Andres Felipe Arias era inocente.

Tuve la desgracia de irla a ver en su estreno, disque para apoyar al cine nacional, pero creo que es uno de los apoyos de los que más me arrepentiré en la vida pues la historia inspiradas en las calles de “Medallo” es mas de la misma vaina horrible que nos sabemos de memoria; Traquetos, putas, matones, traiciones, mas putas, mas traquetos, la mamá que sufre y otros elementos mas de la clásica tragicomedia paisa, que personalmente ya me causa un escozor tenaz.
No solo eso, En Coma tiene unas actuaciones que se van directo al caño, comenzando por su protagonista y director quien en su afán de figurar imagino yo, hace el mismo papel que por ese entonces realizaba en la novela Rosario Tijeras y que me hace pensar que más que un rol, el tipo se está interpretando a sí mismo.
Ni hablar de los guiños de Natalia Paris, Juan Pablo Raba o y todo ese jet set chimbo que vive convencido de que porquerías como esta es hacer cine de alta factura y que de aquí van directo a Hollywood.
Historia de mierda, actuaciones de mierda y a la salida de la proyección tuve que decir apenas que era mala porque la palabra mierda no está como opción en las encuestas que hace Cinecolombia. Deberían considerarla de aquí en adelante.

Piscilago y Melgar agradecen a todos los
Colombianos el haber ido a ver  esta película, ya que
desde allí las arcas de este "paraíso de la recreación" se
han visto incrementadas

4- LAS CARTAS DEL GORDO: Tener 17 años no es sinónimo de ser idiota, porque aunque con esa edad fui a presenciar semejante despropósito de película yo ya sabía quién era Dago, cuál era el daño que le había hecho al país y la cara que iba a tener después de ver esta mamarrachada.


Horrible, tonta, predecible, infantil, llena de chistes bobos, sensiblera y tremendamente autóctona. Estas palabras no solo le caen bien a la historia de un gordo (no tengo nada en contra de la gente con sobrepeso) que se hace odiar toda la hora y media de esta cochinada sino a toda la filmografía de Dago García, personaje miserable que cree que la única manera de hacer industria es filmando estas sandeces y que encima tenemos que agradecerle por ello.

La formula Dago y todo lo que esto conlleva es telenovelesca a morir, y en las carta del Gordo se hace sentir como nunca, sinceramente a esa cinta solo le hacía falta el logo de caracol en la esquina todo el rato para sentirse viendo tv en pantalla gigante.

Y los temas típicos de esa malsana “idiosincrasia colombiana” de la que se supone debemos estar contentos, deberían ser vetados de próximas producciones; Futbol criollo, el parche del barrio, la vecina buenona y toda referencia a comida típica; todo eso ya no lo queremos más, al igual que a Dago.

Lo más triste es que cada 25 de diciembre cientos de enguayabados de todo el país se levantan con el sabor a vomito del día anterior, no se bañan, se ponen cualquier jean con cachucha, y se enfilan en los centros comerciales a pagarle 10 mil pesos a este criminal que se hace llamar director, y no contentos con todo ello se llevan a los niños, a hacerlos participes de tanta desfachatez grabada ahora en formato digital, haciendo más evidente a nuestro decadente publico


Toda una iluminación la decente interpretación de Novoa
en comparación a la perversidad a la que nos tiene
acostumbrados
5- POKER: Hay una premisa en el mundo del cine, que dice que para comenzar en la industria se debe buscar hacer una película barata, en una sola locación, de 90 minutos, con una trama principal y tres subtramas. Pues bien, Juan Sebastián Valencia, director de Póker, creyó que solo bastaba eso y el resto venia por rebote, pero alguien debió explicarle que también había que meterle buenos diálogos, coherencia, un buen casting, dinamismo a las escenas, y un final que cerrara toda la trama. Aun así el no lo creyó necesario y pario esta película, que debo reconocer, en el tráiler me llamaba bastante la atención, pero si algo nos ha enseñado Hollywood es que un buen tráiler pude contener una pésima cinta, nada mas aplicable a este producto con ínfulas muy altas que se quedo en nada.


La historia, de entrada, permite sacarle mayor jugo, pero esta pésimamente ejecutada. Tanto en dirección (planos muy oscuros, una ambientación inadecuada, un ritmo lento por muchos ratos y un explicable aura futurista en muchos pasajes de la cinta) como en actuación (Juan Sebastián Aragón haciendo de cura rumbero, Luis Fernando Hoyos del típico buen papá y esposo y Angélica Prieto encarnando a una talladora plana y sin gracia) y en guion sobretodo (diálogos robóticos, escenas descabelladas, la entrada y salidas de personajes innecesarios en muchas partes)

Yo resumiría Póker como la típica película que todo estudiante de primer y segundo semestre de cine quiere hacer, en esa época en la que uno solo conoce a Guy Ritchie y a Ridley Scott, en la que cree saber todo de Tarantino por apenas haber visto Pulp Fiction, esa época en la que la película favorita de uno es “El Efecto Mariposa”.
Si bien se ve un intento por hacer algo un poco distinto, la jugada les salió fatal y no solo los sepulto como realizadores, sino que llevo a la productora MadLove a la quiebra y al confinamiento total en el olvido.

Algo mas, aunque el film es un muy mal intento de hacer cine negro, debo decir que contiene un punto a favor que nadie ha logrado, y es hacer que Rafael Novoa actué bien. Pues sí, el señor “Suntea” no lo hace mal acá a mi modo de ver, aunque creyó que eso no era congruente con su naturaleza y siguió haciendo malos papeles en malas novelas, cagandola por allá a donde iba, demostrando que el es ante todo un fiasco de actor, casi al nivel de Jorge Enrique Abello.


¿Como termina una pelicula asi?
Ahh claro... Caracol tv
6- IN FRAGANTI: Juan Camilo Pinzón se saco de la boca un escupitajo a la jeta de los espectadores de nuestro país al poner en pantallas algo tan desdeñable, algo tan despreciable y lo peor de todo algo tan folclórico.

No sé qué es lo peor de este sancocho, si la trama absurda de unas parejas que se van a motelear y no los dejan, la presencia del irritable Martin Karpan (aquel argentino que en la tierra de Maradona seguro era un fiasco y aquí es ídolo) o que hiciera parte de la tradición de ser estrenada un 25 de diciembre

De entrada este adefesio se porta mal con uno, porque sugiere un motín en una residencia. Díganme a quien carajos le va a parecer chistoso que no lo dejen hacer en un motel lo que uno va a hacer a un sitio de estos, eso de por sí ya es irritante y cero cómico.


Lo cómico de esta cinta por supuesto recae en el chiste fácil, en lo tonto, lo absurdamente repetitivo, como diría Martin de Francisco “esto es humor como para
cigotos” como para personas que no están bien en sus vidas, que tienen muchos problemas y ni un instante para alimentar el intelecto.

Ni decir que aquí, que tanto nos la damos de la Atenas Sudamericana, necesitamos a un par de tetonas (Natalia Paris y Carla Giraldo) para adornar el chiste y para picarle el morbo al viejo o al púber que va a ver la película. Creo sinceramente que “cine pícaro”, ese sketch mexicano en el que salía un enano llamado Tun Tun, tiene más merito artístico que esto.
Finalmente la guinda al pastel la pone Bernardo García, el protagonista de El Man. Con ese referente uno ya se imagina la calidad del producto final.


Este man tiene un problema. No puede hacer una expresión
seria porque se le sale el  payaso interno.
Ahí por ejemplo parece que estuviera echando un
chiste en vez de un discurso 
7- ROA: Aun hoy en día reviso las fichas de IMDB o la Wikipedia para corroborar si realmente Andy Baiz fue quien hizo esto tan malo. Y si, definitivamente fue el,pero aun me cuesta creer que un director que aparentemente la tenía tan clara con sus dos anteriores cintas saliera con este chorro de babas.
Me senté en la sala, masque el chicle un rato, y casi me lo trago al ver quien interpretaba a Jorge Eliecer Gaitán, que no era otro que Santiago Rodriguez (un bobazo mas). Pero bueno, aun así le di la oportunidad y me dije “si Paul Thomas Andersson saco algo decente de Adam Sandler de pronto Andy Baiz hace lo mismo con este señor”.
Pero eso no paso, y la película se fue convirtiendo de una historia interesante a una mezcolanza entre lo cómico y lo trágico, sin terminar por cuajar en ningún lado y transmitiendo una lástima exagerada por el personaje de Roa.
El final se hacía previsible con los segundos, pero jamás imagine que alguien pusiera en la gran pantalla al Bogotazo como una recocha de un lotero y cuatro gatos mas en lo que puedo considerar una de las peores representaciones históricas que he visto en mi vida.

Opino, que si bien estamos en una era en donde ya nos podemos dar lujos de producción, aun debemos ser cautos porque tampoco somos Hollywood, y eso se noto al momento de realizar todas las tomas relacionadas con el Bogotazo, el hecho que partió en dos la historia de la capital de este país, el momento cumbre de la sublevación de las masas, y que quedo retratado como un linchamiento mas de un puñado de parroquianos y que hasta parece que tuvo exageradas pretensiones artísticas porque Roa al final, desnudo, posando en las aceras capitalinas cual Sirena de catalogo no es precisamente la imagen más adecuada para un acontecimiento sin precedentes en el registro Colombiano.

Roa es una mezcla muy confusa de drama, acción, aires de suspenso, un apartado de comedia y un documento histórico, pero que no se decanta por ninguno de estos y ese termina siendo su mayor pecado.


Confiamos en que esa cara sea porque lo que tienes en
la jeta sea pura, física y fresca mierda
8- EL PASEO 1 Y 2: Nunca he visto ninguna de las dos completa, no me hace falta verla, no necesito verla para saber lo nocivo de su metraje y lo nefasto de su impacto, no necesito comprarla y ponerla en el DVD para sentarme a llorar y decir “¿Cómo puede ser esta la película más taquillera de la historia del cine Colombiano?”

¿Por donde comienzo a desgarrar este dueto? ¿Por pretender ser una versión criolla de la magnífica “Miss Little Sunshine”?, ¿Por Antonio Sanin haciendo Stand up comedy en carretera? ¿Por la samba patirrajada esa que hace el despreciable papel de la hija de la familia? ¿Por el tarado ese que lleva rastas? ¿Por John Leguizamo de vuelta a Colombia? ¿Por la mensa de Karen Martínez (esposa de Juanes)? ¿Por el cameo del Pibe Valderrama? ¿Por Harold Trompetero?


Es muy difícil de digerir tanta mala referencia en estas dos películas. Reitero, nunca me he visto ninguna completa y no me ha hecho falta, no tengo ni idea en que acaban y aun así he podido seguir viviendo y sinceramente no me apetece hacer parte de ese público que acudió como zombie a reírse y a decir “ Ay si igualitos, es que así somos los colombianos cuando salimos a pasear”

“La prostitución de la clase media” debería llamarse este movimiento cinematográfico, que tiene raíces en el chistosísimo Andrés López (quien ya protagoniza películas y todo) y sus pelotas picadas de fruta y no sé que mas maricadas, y que se ha extendido hasta Sabados Infelices, a más de la mitad de las películas y a un sinfín de novelas ahora llamadas “series”

Entonces ¿queda duda del potencial daño que le hace una película como estas a la sociedad en la que vivimos?


Situaciones extrañas a la hora del dia.
Esto parece mas un fotograma de Jigsaw o La masacre en Texas
9- EL JEFE: Tuve la oportunidad de estar en una charla de Jaime Escallon, director de “El Jefe”, y en apariencia es un buen tipo, algo lucido también, pero Jaime me tendrá que disculpar por decir que esta película es tremendamente mala, es perversa, es desastrosa, es una cosa autóctona que trata de no serlo.

Es un juego desgastante de un tipo mala leche al que nadie le cae bien, y que se hace tortuoso gracias a situaciones algo forzadas y a veces inexplicables en relación a una empresa cuyo dueño ha muerto y a la amiga de su mujer que lo encuentro atractivo vaya saber dios porque.


Pero creo que lo pesado de esta película es el personaje principal que esta presentado como un odioso al que nada le sale bien y que termina por asfixiarlo y fastidiarlo a uno por lo incomprensible de sus acciones y por una combinación desagradable entre fantasía, alucinación, realidad, comedia y un aura de aleccionamiento, como diciéndonos toda la película “mira que no tienes que ser malo porque te pasa esto”

A mí no me pareció algo que valiera la pena recordar, por el contrario, con el tiempo se me han olvidado cada vez más cosas, tanto en los personajes tan mal efectuados de Katherine Porto, Waldo Urrego y Marcela Benjumea como por todo lo relacionado a su guión amparado en un aire de empresa familiar pueril y de ambiente cansino en un puesto de trabajo. Es que ver “El jefe” es como ir todos los días a ese trabajo monótono que uno odiaba y en el que le pagaban muy mal.



No se que es mas triste, la escenografia, la utileria o
las medias blancas del ñerito de gorra
10- LA GORRA: Desde los más oscuros y recónditos huecos del cinema underground pereirano aparece este pedazo de boñiga que haría los deleites de los coleccionistas de cine negro de baja circulación.
La gorra es una producción de no sé quien, filmada no sé dónde ni cuándo y que protagonizan un montón de hampones que en vez de actuar deben estar haciendo de sí mismos. Es una pieza de una calidad nula de la que para redondear no me acuerdo casi nada, solo las risas que me genero lo mal hecha que estaba. Eso si, hay que reconocer que con unos pesos encima de mas, los responsables de esta película te dirigen una nueva temporada del Capo, y sin cobrar tanto.


Una trama de matones, de barrios, de pandillas, y sobretodo de una gorra (la causante de tanta violencia mal grabada en esta película) son los jocosos ingredientes de esto. Esto a lo que no sé como referirme porque queda en evidencia lo amateur de su fabricación pero también nos deja ver que de lo que estamos acostumbrados a hablar es de los mismos cánones, nos cuesta ver la violencia desde otra perspectiva que no sea la que ya está grabada a fuego en nuestras mentes gracias a horas de noticieros y costalados de periódicos
Como siento que no tengo mucho por decir de esto, dejo el link para el que quiera la vea, eso sí bajo su propio riesgo.


jueves, 3 de octubre de 2013

CUANDO LAS BANDAS SONORAS SE VUELVEN UNA PELICULA APARTE


El otro día reparaba en la fiebre que causo hace poco el lanzamiento del videojuego GTA V para Play Station 3 y Xbox 360, y me encontraba con que el fanatismo despertado por ese universo de bits va mas allá de la jugabilidad, las posibilidades online o el banal hecho de robar carros y matar prostitutas (en el juego por supuesto). Resulta ser que hay una parte de la afición que se engancha profundamente con la música que dispone el juego a través de sus emisoras de carácter ficticio.

Lo comparto. Cuando llegue a jugar el San Andreas, hace ya muchos años, descubrí piezas musicales de gran valor como Young Turks de Rod Stewart o Mother de Glen Danzig. Solo existe una experiencia similar de descubrimiento musical y no puede ser otro que el asistir al cine.

Muchas veces, y esto es algo que celebro, las películas vienen acompañadas de soberbias bandas sonoras, a veces creadas exclusivamente para el film, otras como recopilación de canciones conocidas. De cualquier manera, muchas veces no reparamos poco en el poder de un soundtrack potente, que maximice las emociones y que se instale en nuestro recordatorio por mucho tiempo haciéndose un ancla de alguna escena o de un dialogo.
A fuerza de memoria y selección, he tratado de rescatar algunas de mis recopilaciones sonoras favoritas de las películas que no solo me encantaron por sus canciones, sino por ese paralelismo audiovisual, que consiguieron sus directores al incorporarlos.

1- DRIVE (2011): el film por moda y antonomasia de ese año. Queda claro que aquel verano de 2011 fue todo del Windign Refn y su tropa encabezada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Pero para mí también se anotaron otro punto de supremacía en los círculos cinéfilos gracias a ese potente soundtrack lleno de auras ochenteras y reminiscencias al synthpop. Fue un descubrimiento total que inicio con “Nightcall” de Kavinsky, una balada lenta y con olor a calle y peligro, digna representante de la película. Pero resulta ser que el OST, compuesto en su mayoría por Cliff Martinez, tiene también a su disposición colaboraciones de Electric Youth o de Desire , quienes dominan la escena retro-futurista que se ha instalado en Francia por estos tiempos.



El hallazgo no solo se quedo en una seguidilla de temas que te transportan a las aceras color neón de los años 80, sino a un género que viene en auge y que destaca por el virtuosismo de los teclados y los beats alusivos a los primeros videojuegos de hace 3 décadas, remasterizados con gran ímpetu por la ola electrónica de este nuevo siglo. La revelación de Kavisnky me permitió encontrarme con otros magos del synth de similar genio como Lazerhawk o MN1984




2- PULP FICTION (1994): Cuenta Wensley Clarkson en su biografía sobre Tarantino, que el genio detrás de Reservoir Dogs divagaba por las calles del Soho en Londres antes de la creación de su obra suprema, y en una discotienda, algo clandestina, se encontró con una canción que lo encandilo desde e l primer momento, esa no fue otra que “girl you`ll be a woman soon” de Urge Overkill, versionando al maestro de antaño Neil Young. Una vez sus oídos quedaron prendados con tal pieza, se propuso incluirla en un proyecto en el que trabajaba por esos días y cuyo nombre tentativo era Pulp Fiction. El resto de la concepción de esta obra audiovisual, símbolo de la cultura pop, es historia, pero a tal esfuerzo habrá que añadirle un capítulo especial, dedicado a la banda sonora, ya de por si clásica, de esta hilarante historia coral.


Agarrado de su infancia setentera, Tarantino resucita a Dick Dale y el mas desencarnado surf en la clásica escena de la cafetería, y continua apegado al género en los momentos en que Travolta se dopa y Jules desarma a los asaltantes esa mañana después de al fin obtener el maletín. Pero por si no fuera suficiente, se saca de la manga el enmarcable baile de Umma Thurman y el protagonista de “Grace” con otra rola para el recuerdo y ni hablar de las contribuciones de Kool & Gang y Chuck Berry que también añade a su obra maestra. El OST completo también incluye fragmentos de dialogo como el ya archireconocido Ezequiel 25-17 y otros tantos, lo que demuestra una multitarea del buen Quentin a la hora de componer con retazos de otros, su propia banda sonora, que lleva ese sello digno de el, de su vida, de sus experiencias, de su infancia y por sus puesto de su forma de ver el cine.



3- THIS IS ENGLAND (2006): A veces creo que Anarchy in the U.K fue la única canción que le falto a Shane Meadows en el repertorio musical de esta película, plagada de tonadillas punk que nos transportan a ese Reino Unido inmerso en Tatcher, las Malvinas y le movimiento Skin. En parte es obvio debido a la temática de la cinta, que se mese en dichos acontecimientos, pero por otro lado no es gratuito que a base de canticos setenteros nos impregnen con ese aire revolucionario que caracterizó al movimiento skinhead en la tierra de Lady Di.


U.K subs dice en una escena de magnifico montaje “ Warhead, warhead, warhead,” . No hace falta corear más, esa palabra es la esencia pura de la película, es el estribillo de fondo de la vida de los personajes.
Pero ojo que no se queda acá, él reconoce que el movimiento Mod, al que se hace alusión en la película, tiene ascendencias jamaiquinas, y lo deja ver con piezas de Toots and the Maytals y también es consecuente con la época en la que se desarrolla la historia incluyendo temas clásicos de principios de los ochenta como “Come on Eileen” y “Tainted Love”



4- 500 DAYS OF SUMMER (2009): Si ya decía que Drive había sido la reina de los entornos fílmicos en 2011, unos dos años atrás ese lugar le perteneció a esta película, la comedia romántica por excelencia de la nueva generación. Un relato del desamor y las ilusiones que engendró un soundtrack que por sí solo define al film, y no solo eso sino que el apartado sonoro bien podría ser el abanderado de una subcultura hipster en acenso.


Tiene todo lo que pueda hacer alusión a la atmosfera alternativa. Desde Morrisey y sus eternos Smiths, pasando por los clásicos Hall&Oates, hasta los pianos indie de Regina Spektor y las guitarras rítmicas de Temple Trap
Marc Webb consiguió, consciente o inconscientemente, reinventar el género a base de canciones reclamadas por una audiencia joven, amante de lo retro, pero también urgida de nuevos talentos. La fusión de ambas vertientes desencadeno en que el lanzamiento de este OST estuviera presente en el puesto 42 de los Billboard 200 de Estados Unidos.



5- MATRIX (1999): La declaración de los hermanos Wachowski a la hora de componer su banda sonora es clara, “Esta es la nueva era de la tecnología” y queda claro que con semejante aseveración no cualquiera podía encargarse de hacerla musical. Por eso aparecen los jefes del metal industrial, su santidad Marylin Manson, el rey Rob Zombie y sendos exponentes como son The Prodigy y Rammstein. Las guitarras adornadas de la distorsión electrónica, las voces alteradas por los sintetizadores y toda el aura andrógina se hacen presentes en la meticulosa selección de pistas que acompañaron a Neo en su salvación de la humanidad.



Sabe a peligro, a oscuridad, a final de los tiempos, el OST de la primera entrega de la saga tiene aroma a revolución tecnológica, a microchips, a cables conectados a tu cabeza, a todo lo que el argumento de la película se ha encargado de exponer. Pero incluso va más allá, te pone en estado de alerta, te hace creer que realmente existe una esfera apartada de tanto avance digital y masificación de datos, te hace pensar que somos más que ceros y unos en los sistemas de registro. Debo decir que escuchar todo el copilado de canciones de lleno es vivir la película nuevamente sin la necesidad de estarla viendo
El doble crédito es que han sido unos genios a la hora de poner a sonar en su metraje, composiciones bastante comerciales que podrían insinuar un deseo por vender compact disc por parte de sus directores, pero que realmente nacen para hacer parte de esta obra maestra de la ciencia ficción. La jugada es sencillamente acertada.



6- TRAINSPOTTING (1996): Ante una más de esas obras cargadas de referencias ochenteras no puedo hacer mucho. Debo admitir que la música de la mejor década de la historia es una de mis debilidades. Sin embargo esta se haya justificada, en gran medida gracias a la diversidad de situaciones que le acompañan.
¿Quién no ha soñado con huir de la policía al ritmo de un irreverente como Iggy Pop? o de encontrar a una pareja perfecta para esa fiesta mientras Temptation de New Order suena de fondo, y ¿que tal llevarla a tu departamento mientras Atomic de Sleepers les acompaña en el auto?. Bajo esos códigos puedo desglosar miles de situaciones de la película de Danny Boyle y me extendería en demasía, cosa que no necesito hacer para transmitir todo el potencial tan insolente que significa ver este filme de adictos, situaciones jocosas y brit-pop de antaño.




7- GOODFELLAS (1989): No podía dejar de lado a uno de los realizadores que más esmero siente a la hora de componer sus magnas bandas sonoras que se entremezclan vertiginosamente con la edición. Hablo del maestro Scorsese, que de la mano de su montajista de toda la vida, Thelma Schoonmaker , han conseguido una vasta cantidad de metraje perfecto en el que sonido e imagen hacen una danza esplendorosa al ojo y al oído de quien se preste.


Es bien conocido que Martin tiene una devoción hacia la buena música, sus documentales acerca de Bob Dylan o los Rolling Stones dan fe de ello, pero en 1989 pone en marcha toda la influencia italoamericana para hacerle cortinilla a los buenos muchachos que son personificados por De Niro, Joe Pesci y Ray Liotta en su carrera por el poder de las calles neoyorquinas. En la pandilla de intérpretes también se lleva a otros buenos muchachos; Tony Bennet, The Chantels, The Harptones o Aretha Franklin que con ese Blues, Góspel y clima citadino decoran honrosamente las fechorías de los gangsters del East NY.



8-BATMAN, THE DARK KNIHGT RISES (2012): Solo existe uno, un solo aspecto en que la última entrega de la trilogía le hace sombra a su predecesora. Por supuesto es la banda sonora, que nuevamente, al igual que las dos anteriores películas, corrió por cuenta de Hans Zimmer, uno de los compositores más respetados de Hollywood. Gracias a dichos acordes, la música consigue transmitir toda esa tensión y caos que se avecinan de la mano de Bane hacia Gotham City.
Si bien dichas canciones no distan mucho de lo que hemos escuchado de fondo en Batman Beggins y The Dark Knight, al igual que en películas de soundtrack similares (Piratas del Caribe, Ellysium) siento que en esta se respira un ambiente mas sombrío y tenebroso que las otras dos, que la conjunción de imágenes y esos sonidos sinfónicos se alinean con perfección en esta última entrega del caballero oscuro.



9- AMERICAN PSYCHO (2000): Seguro que a muchos no les va muy de la mano el hecho de escuchar a Huey Lewis & The News en una escena de homicidio, o de que New Order haga de cortinilla a una línea bastante sádica de un asesino en serie. Seguro que no, sin embargo Marry Harron lo imagino así, y creo que le dio resultado para retratar no solo a un hombre sino a una época en el violento thriller American Psycho de comienzos de la década pasada.


La obra está basada en un libro que se ubica a finales de los 80 (lo sé, perdón) en plena ebullición tecnológica y monetaria, con los chicos queriendo ser remedos de Gordon Gekko en Wall Strettet y sintiéndose amos del universo gracias a su habilidad con las cifras y los números. En ese contexto aparece este hombre, capaz de quitar vidas a ritmo de Robert Palmer, De cercenar cabezas con Genesis o de simplemente recrear dibujos grotescos de la mano de Chris de Burgh. Todo ello sin remordimiento alguno, con una frialdad pasmosa que contrasta con estos hits del pop y el disco de dicha época. No contento con ello, las alusiones de sapiencia musical, a las que recurre el protagonista para iluminarnos con su inmersión en la cultura pop son dignas de enmarcar y enlazan ese círculo que hacen los hits de radio, la sangre y la mirada fría de Patrick Bateman.



10- SCARFACE (1983): Cuando pienso en Scarface lo primero que se me viene a la mente es Push it to the Limits de Giorgio Moroder, en primera instancia porque la escuche hasta la
saciedad, en segundo grado porque su letra y su ritmo es el himno de toda la maldita película. Es estar dispuesto a todo por un sueño (aun cuando ese sueño sea volverse el traficante más despiadado de Miami Beach)


Sin embargo este retrato del hampa, remake de la cinta de Howard Hawks, no solo está con su onda italo-disco presente en esa canción. También lo hace con la incursión de Debbie Harry, de Elizabeth Dailly y de la misma María Conchita Alonso en una oda al crimen con vista al mar (nada que ver con la película colombiana) en la que las damitas en patines y los tipos en plan de galanes latinos eran pan de todo el día y la motosierra como método de castigo apenas se ponía de moda



Pacino se pone el papel de desmesurado “drugdealer” en esta adaptación, que poco tiene que ver, tanto sonora como narrativamente con su predecesora, pero a la que se le agradecerá toda esa banda de canciones perfectas para bailar en las discotecas ochenteras repletas de latinos en busca de oportunidades. Aquí, al igual que en otras, las pistas hablan por sí solas, haciendo un hueco en el imaginario colectivo, mas sin embargo consigue, como suele ser habitual en el director, llevar a cabo una práctica que se repetirá con los años en la industria, y que no es otra que dotar de vanguardismo a las más viscerales escenas de violencia.