viernes, 27 de diciembre de 2013

UN AÑO EN NÚMEROS. LO MEJOR Y LO PEOR DE MI 2013


Es una practica habitual esta de hacer rankings, tops, listas y demás cada vez que se acaba un año. Lo hacen los medios televisivos, la radio, los periódicos, el Internet, los programas de chisme y hasta las personas del común cada vez que presupuestan lo conseguido en estos 365 días.

Partiendo de que esta es una bitácora con un toque bastante personal y que ranking basados en los estrenos de 2013 existen miles mejor redactados, mas completos y con mayor información, este listado de lo mejor en diversos aspectos esta desligado de fechas y cifras. Simplemente es un compendio de lo que mas me ha gustado en este lustro, independientemente de el año de la película o la canción en cuestión. Fiel a mi filosofía, esto es un top atemporal.

miércoles, 4 de diciembre de 2013

10 PELICULAS COLOMBIANAS QUE VALE LA PENA VER

Hace un tiempo deje plasmado en esta bitácora un escrito acera de las 10 peores películas del cine nacional según mi criterio. Tal vez fue drástico con tremendo titulo a manera de periódico amarillista y a su vez debí ser un poco mas sensato al decir que eran 10 cintas que me parecían desdeñables sin que eso las convirtiera en las mas nauseabundas de la industria nacional.

En aquellos párrafos prometí, no sé si para mi mismo o para los lectores fantasmas de este espacio, destacar 10 filmes colombianos que me parecían bien hechos y que en contraparte demostraban no solo que aquí hay gente capaz de hacer buenos productos audiovisuales sino que además uno puede criticar y proponer en la misma medida.

Esta vez he querido ser un poco mas aterrizado y no catalogar las siguiente selección como las 10 mejores películas del cine colombiano o calificativos similares, simplemente busco rescatar esta decena de ejemplos que me parecen no solo bien logrados sino que vale la pena ver por alguna razón en particular. Quiero dejar claro igualmente que me faltan infinidad de películas de nuestra historia cinéfila por ver. Debo ser sincero al decir que ignoro lo hecho por Luis Ospina, Ricardo Gabrielli o Alejandro Landes por citar algunos y que tengo en deuda producciones como la Playa D.C, la sociedad del semáforo o 180 segundos entre muchas otras. Una vez dicho esto…


1- Satanás (Andi Baiz): Las narraciones de tipo coral se han vuelto una constante en la cinematografía actual. Se popularizaron sobretodo con ejemplos tan contundentes como Magnolia de P.T Anderson o Amores Perros de Gonzales Iñarritu. De esta clase de historias se han visto ejemplos a raudal, desde buenos (21 gramos) hasta flojos (Crash).


Satanás se apropia de dicho estilo para adentrarnos en los trágicos sucesos de restaurante Pozzeto ocurridos en 1986, y creo que logra no solo darle forma al hecho sino redimensionarlo al empaparnos de la vida de tres de sus participes, tres vidas totalmente distintas que se unen en un solo instante por caprichos del destino y que evocan toda una serie de sucesos que están pasando en una ciudad en el día a dia. Tres personas corrientes que se vuelven parte de un hecho trágico en el que queda claro que este tipo de sucesos nos puede alcanzar a cualquiera en algún momento.


Me encanta su ritmo, sus personajes bien construidos, sus tramas internas, su universalidad sin dejar de lado el localismo que necesitamos para identificarnos con ella (cuenta tu aldea y contaras el mundo) Rescato además su buena fotografía, su casting acertadísimo en mi opinión (Blas Jaramillo hace un papelazo en esta peli) y por supuesto su dirección, muy bien lograda, nada efectista ni maniquea, sencillamente un complemento ideal a un guion bien trabajado.

Hace poco la volví a ver y me percate de que hay diálogos en algunas partes que suenan forzados, creo que sería el único apartado a mejorar, pero por lo demás es una de las cintas nacionales que mas me gustan y que siempre estoy dispuesto a repetir.


2- La pena máxima (Jorge Echeverry) Aunque sobre el papel parezca otro burdo intento de la triada Trompetero-Dago Garcia-Caracol lo cierto es que a mi modo de ver esta cinta, escrita por Dago y ambientada en la prostituida y denigrada clase media colombiana, es de los pocos intentos de verdadero humor que se han hecho sobre un espectro que hoy más que nunca está presente en nuestras vidas. El futbol.

La película no tiene pretensiones artísticas ni menos, y de hecho tampoco parece perseguir la formula netamente comercial. Creo que divaga en un bache entre las dos corrientes sin ser parte de ninguna y tal vez ahí está su peculiar encanto, en que como pocas veces ha sucedido en el cine nacional, propone un humor critico, inteligente y de fácil digestión a las masas, porque ¿qué nos es más cercano hoy en día que el deporte número uno del mundo?

La pena máxima no me permite análisis sobrecargados de lógica, no permite una disección profunda. Nada de eso, más bien es un producto que entretiene, y que lo hace muy bien, que está adornado con un humor muy sutil y bien hecho, con unas actuaciones destacables y con un aura de ironía que la hace una comedia inteligente, un tipo de comedia que nos hace enorme falta en la actualidad.
La pena máxima es un agradable proyecto que divierte, nada más, y eso por más básico que parezca es bastante loable.


3- La Sangre y la lluvia (Jorge Navas) Hace poco tuve la oportunidad de ver esta notable cinta de género que rompe con algunos esquemas a los que estamos acostumbrados.
Un taxista y una mujer nocturna hacen de guías en este recorrido sórdido por la Bogotá no plástica, la cara menos bonita, la que no sale en los videos de Colombia es Pasión, y nos presenta así una serie de personajes oscuros y variopintos que son la verdadera fauna de la noche capitalina.

Visualmente está muy bien realizada. Todas esas sensaciones densas del peligro de las calles se perciben en cada plano y en la ambientación, siempre pensada en transmitir el estado de alerta que requiere habitar dichas calles. Pero además, los personajes principales son creaciones más humanas, mas sensatas, mas aterrizadas; son seres con vidas poco satisfactorias, que encuentran en la penumbra su hábitat natural, y que cargan con si distintas penas de lo que ha sido su vida hasta ahora.

Muy importante lo que esta película logra no solo con la desmitificación del héroe y la princesa, siempre pulcros en otro tipo de relatos, sino además con el tiempo, pues se atreve a condensarlo todo en una sola noche lo que le da una dimensión más realista a los sucesos que allí se dan.

Además de ello el personaje de Ángela es una delicia al ojo, en el buen sentido, pues no solo está muy bien actuado sino que es tan rico, tan abundante de matices que genera intriga, ganas por saber más de sus vivencias, de su propósito, de su que hacer en este mundo. Por otro lado, esa serie de secundarios que le rodean hacen más sugestivo ese ambiente que el director y guionista nos presentan.

Aun así, creo que le mayor pecado esta precisamente en su guion, uno que se hace nudos y líos que nadie ha pedido y que complica las cosas innecesariamente arruinando un final que podría ser mejor. Por lo demás es un producto de cine negro muy bien pensado, bien ejecutado y lleno de muchas posibilidades al atreverse a contar esa cara a la que no nos gusta ver de esta ciudad.


4- La Estrategia del Caracol (Sergio Cabrera) que puedo decir acerca de este gran trabajo que ya no haya sido reseñado. Todo ya ha sido dicho, y aun mas, pero es que esta película la considero el verdadero parteaguas de la cinematografía nacional.

Nos solo es una historia vigente que no sucumbe al tiempo y que cae como anillo al dedo a esta actualidad, sino que además se viste de denuncia, lleva consigo una magnifica premisa en sus entrañas, y pone al descubierto una constante que ha tenido nuestra cinematografía a través de los años. La desigualdad social.


Me encanta el lenguaje anárquico con el que está construida, no solo desde su concepción técnica, sino desde sus personajes, la forma en que avanza la historia y el siempre épico “hay tienen su hijueputa casa pintada” que quedara grabado en la memoria de los cinéfilos por mucho tiempo gracias a la fuerza con la que se escupe esa frase a un antagonista, pero más que ello a los verdaderos villanos de la vida real, esos que se enriquecen con nuestro dinero, que nos explotan y que se vanaglorian de sus despreciables métodos para mantenernos a raya.

Esta es una de esas cintas que vale la pena ver cada nada, por la universalidad de su argumento, y por lo fastuosamente hecha y por un elenco que sin tantos faros y alfombras alrededor supo darle vida a semejante grito de protesta. Me quedo corto en halagos hacia esta película.


5- El Paramo( Jaime Osorio) Tuve que esperar bastante para ver esta película de terror que prometía bastante mediante su tráiler, y aunque no puedo decir que sea un eco ni una producción avasalladora si me quedas claro que ante todo emana una profesionalidad y un trabajo muy bien realizado.
Si bien hay aspectos destacables dentro de su todo, creo que son dos puntos en específico los que me generan enorme respeto hacia sus implicados. Uno es referente a la historia, desde el punto que se tomo, es decir, el abordar el conflicto (algo tan latente en nuestra sociedad que ya hastía) desde una perspectiva de suspenso y no desde el clásico canon de lucha contra la guerrilla, es plausible, no solo por lo bien ambientado, lo cercano y creíble que nos resulta sino por lo arriesgado e innovador dentro de nuestra cinematografía al tomar un tema cliché y abordarlo con otro prisma.

Lo segundo es su muy buena realización, su ritmo sofocante, su luminosidad tenue hecha a propósito, todo ese vertiginoso andar que permite sentir lo que los protagonistas expresan, en pocas palabras una dirección estupenda. En fotografía y arte también hay que concederle elogios al llevarle al espectador imágenes rusticas, pesadas, cargadas de un horror y un suspense que hela la sangre con los minutos.

Adicionalmente, el paramo s una excelente muestra de que el buen cine también se puede hacer con pocas locaciones y un milimétrico sentido del incremento de las emociones. Con una historia clara y unos objetivos bien definidos. También hay que resaltar que el final no es el mejor, y que de alguna manera las justificaciones de lo sucedido en la trama no son precisamente las mas verosímiles, pero de todas maneras esta cinta representa un buen equilibrio entre cine de género aterrizado a nuestra realidad, y dentro de todo con interese comerciales sin ser por ello un mal producto.


6- Perro come perro (Carlos Moreno) Es para mí el mejor proyecto de cine negro que se ha hecho en el país. Principalmente porque tiene la virtud de contarnos algo tantas veces dicho pero con una clara firma del autor en cada plano, diálogo y giro dramático que me parece un proyecto sumamente bien logrado y siguiendo la línea de El Paramo, comercial e interesante.
Afortunadamente esta ha sido una de las películas colombianas que he ido a ver a cine y no me he arrepentido pues logro ver en ella un trabajo muy profesional, unas bases claras sobre lo que se pretende con ella y una detallada planeación en cada uno de sus aspectos.

Puntos fuertes siento que tiene varios. Las actuaciones por ejemplo se encuentran dentro de lo más alto, sino basta con ver a Blas Jaramillo en su papel de mafioso, a Marlon Moreno y Oscar Borda como matones y al entrañable, y gran actor Álvaro Rodríguez, una vez más en sus habituales roles jocosos y sádicos en un conjunto de “performance” magnificas, que le permiten a uno sentirse viendo cine y no televisión en pantalla gigante.

Como un plus, y notaran que soy muy repetitivo en esto, el relato es genialmente ambiguo, al mezclar los cánones del genero con la localia de una historia ambientada en una peligrosa ciudad y en un contexto muy rico gracias a esos pincelazos de magia negra, santería y premoniciones, tan nuestros, tan Colombianos.
Y bueno, démosle un par de meritos más al director, que supo ambientar a las mil maravillas esta ficción gracias a su fotografía amarillenta, sobreexpuesta, soleada, que se funde perfectamente con las sensaciones que se quiere transmitir al espectador. Por ello insisto en que la opera prima de este director es de lejos una de las películas más interesantes hechas recientemente y que demuestra que no es necesario romper y maniobrar excesivamente con los códigos de género para dar a luz a una idea bien fabricada.


7- Paraíso Travel (Simon Brand): Aunque al igual que en otros ejemplos, esta película se nutre de un tema cansino, desgastado y de por más molesto para la mayoría de personas que pedimos se haga un cine fuera de las habituales temáticos narco-sexuales. Lo cierto es que Paraíso Travel va en contra de ello, o mejor dicho va a favor de todo lo que conocemos como nuestro cine y nuestra realidad. Entonces sobre el papel no es más que otra historia de colombianos en búsqueda del sueño americano, ese sueño que nos han vendido como el gran cambio a nuestras tristes vidas tercermundistas.

Pero entonces ¿Qué hace a Paraíso Travel una película interesante o siquiera buena? Me atrevería a decir que es el reflejo fidedigno de la situación de cientos de compatriotas, y no solo nuestros sino de miles de personas de este lado del charco que huyen de sus hogares en búsqueda de una tierra que le brinde mejores oportunidades. Entonces me remito a que su fortaleza reside en el grado de veracidad que se imprime en esta ficción de amor que afortunadamente no camina con el color rosa y la meloseria barata sino que por el contrario se hace mas real porque como en la vida misma, las parejas cambian, las relaciones se acaban, las situaciones alteran a las personas.

No se exactamente a que se le puede llamar un cine muy humano pero si existiese dicha categoría creo que haría uso de tal apelativo para referirme a esta filme, porque personalmente me impacto mucho por lo visceral con lo que es contado, por supuesto que dentro de todo esta pensado en que genere esas emociones que a la final se transformen en taquilla, pero entonces me parece un objetivo bien logrado. Es decir, la propuesta esta bien efectuada porque el director es fiel a lo que quiere; una película con una narrativa muy colombiana que pueda ser vista en todo el mundo, e indudablemente cumple con ello. Cabe destacar que no estamos ante una historia que quiebre en dos a la cinematografía ni nada por el estilo, pero es innegable su factura perfecta, su excelente trabajo de guion, de interpretaciones (Margarita Rosa de Francisco, Angélica Blandón, Aldemar Correa) y toda su maquinaria en cierta manera hollywodense, pero no por ello mal realizada, todo lo contrario, emana profesionalismo en cada toma, y como sabemos, eso , en nuestra industria, ya es algo muy destacable.


8- Todos tus muertos ( Carlos Moreno): peliculón, de nuevo de Carlos Moreno, esta vez en un incidente aislado del recurrente conflicto armado, que devela una serie de caracteres muy autóctonos, muy del imaginario colectivo nuestro, y que desarrollan una proeza interesante en cuanto a la situación que nos plantea.
Esta película bien puede jactarse de plantearnos una situación extrema en la que se juega con la incertidumbre ¿Qué pasara? ¿Cómo acabará esto? Esas y más interrogantes que no son nada fáciles de crear y mantener en el séptimo arte están condensadas en este genial film en el que fortuitamente nada es predecible.

Y me reitero a mi mismo al decir que Álvaro Rodríguez es uno de los mejores actores de este país, un tipo que no ha necesitado una cara bonita o un padrino particular para mostrarse y deja r claro el grado de respeto que tiene por las artes escénicas.

Un plus que es necesario agregarle a todo esto, es que al igual que la estrategia del caracol todos tus muertos se pone la túnica de la denuncia, de señalamiento, de indicar con el dedo a una problemática que no podemos esconder mas y que carcome lentamente poblaciones y locaciones rurales de nuestro país , y por supuesto que proviene de la maquinaria corrupta que se ha tomado cada puesto público y cada rincón del estado.


9- Buscando a Miguel (Juan Fischer): Leí una crítica alguna vez en la que decía que esta película era algo así como una versión chibcha del cuento del fantasma de la navidad, y hasta antes de leer semejante “halago” no había reparado en que si, tal vez si, es muy probable que tenga algo d se cuento infantil, y de hecho es probable también que Buscando a Miguel no sea ni cerca la mejor historia del cine nacional.

Peor con esta tara tan grande de entrada sigo pensando que es una película muy honesta y muy sencilla también, quizá volviendo al tema del neto entretenimiento al que hacía referencia con “La pena máxima” aquí la cosa pueda aplicarse desde un `punto de vista menos académico y mas vivencial.

La magia de esta película radica en su simplicidad, en sus aires cotidianos, en llevar a la pantalla una historia mínima que podría pasarle a cualquiera en la calle. Es en un alto grado un cuento de la vida misma, que bien puede pertenecer a nuestro padre, mejor amigo o vecino de al lado.
En cierto grado también carga esa moraleja de vida que si bien no me apetece en la mayoría de los filmes, aquí viene bien dosificado, o tal vez no implícitamente estipulado, como alguien que te enseña a través del ejemplo en vez de sermonearte.


Y aunque queda claro que su intención no es la denuncia, termina haciéndolo, de manera colateral quizá, con las desgarradoras imágenes y turbias situaciones de su accionar. Es otro descenso hacia la Bogotá subterránea, la que hemos querido esconder por mucho tiempo pero que incontrolable mete se hace cada día mas grande, la de los marginados de la sociedad.


10- La gente de la Universal (Felipe Aljure): Película casi que histórica y obligada de la cineteca nacional, que muy seguramente todos hemos visto en algún momento de nuestras vidas. Destacada porque es la radiografía exacta de la idiosincrasia Colombiana.

Por mucho que nos duela, y aunque hoy en día existen cada vez más personas tratando de erradicar estos síntomas de la mal llamada malicia indígena, lo cierto es que La gente de la universal es el diagnostico final de lo que somos convertido en metraje.

Un desfile de personajes tramposos, desleales, ambiciosos, manipuladores, poco éticos pero vestidos con el cómodo traje del “echao pa adelante” es el resultado de esta película que sin ser una oda al arte audiovisual permite de una manera descarnada observar el comportamiento de una sociedad que hasta ahora comienza a ser consciente de sus errores.


Su encanto, para los mas nostálgicos, está también en ese banco de imágenes de lo que era la creciente metrópoli Bogotana a comienzos de la década de los 90, es ese un testimonio de la selva en la que se ha edificado esta nueva sociedad globalizada, que por aquel entonces aun se comportaba de manera parroquial y mezquina (no digo que ahora no).


Yo digo que vale la pena verla por el marco humorístico en el que está construida, que es de señalamiento a esas actitudes que han hecho de este país y sociedad lo que es, es entender los porqués del comportamiento de nuestra gente y visibilizar las conductas de este pueblo errante que por mucho tiempo vivió convencido de la burbuja en la que vivía.

sábado, 16 de noviembre de 2013

CHOQUE DE TRENES: 4 PELICULAS EN LAS QUE NO SABES QUIEN GANARA

La vida es conflicto, el diario vivir es una lucha constante, nuestra existencia es una pugna eterna. Todo en nuestro mundo esta regido por el choque de fuerzas, ya sean el bien o mal, ying y yang, dios y el diablo, blanco y negro, arriba o abajo, las posibilidades que el mundo nos ofrece siempre están coligadas a tomar partido.

En el cine la cosa no dista mucho de la realidad, generalmente las historias están narradas desde algún bando representado por uno o varios protagonistas, y de igual manera su nemesis de turno es la encarnación de todo lo contrario del personaje principal y por ende el polo opuesto a su posición. Entonces, mientras la sala se encuentra oscura y la pantalla ilumina nuestros rostros, asistimos a una contienda entre el bien y el mal desde diferentes perspectivas, prácticamente somos testigos silenciosos de la lucha del mundo a través de la historia.

Particularmente encuentro cintas en donde dichas lineas divisoras no son tan marcadas y por lo tanto se hacen tenues, y es allí donde el interés trasciende a otro nivel, donde el villano tiene las mismas posibilidades de ganar del héroe, y el héroe realmente no es tan paladín,a su vez que el villano no es el malo de la historia. creo que es allí donde se humaniza como nunca los relatos. Por tal motivo he querido rescatar 4 cintas en las que la confrontación de buenos y malos trasciende las meras convenciones.



1- Batman, The dark knight (Christopher Nolan): "Esto es lo que pasa cuando una fuerza imparable se encuentra con un objeto inamovible". Que gran frase la del enaltecido Joker de Heath Ledger, quien desde que aparece en la cinta, desafía todo convencionalismo de Bruce Wayne, de ciudad Gótica y del bien en si mismo.

Al finalizar la primera parte de la trilogía de Nolan se nos entrega un héroe maduro, que entiende cual es su propósito, que ha bebido de las mieles del fracaso y que ha vuelto regenerado para cumplir esa promesa hecha a si mismo y a su ciudad, sin embargo la puesta en escena de este villano caótico es el perfecto balance de fuerzas que pide un paladín del tallaje de Batman.

Mientras que Wayne cuenta con todo el dinero del mundo, un gran arsenal a su disposición, y en cierto grado el beneplácito y la colaboración de la ley, el Joker, apenas un mortal sin pasado ni identidad claras, se entromete en este ring con un arma que bien puede hacer contrapartida a todo el mecanismo detrás del hombre murciélago; esa arma no es otra que la falta de moralidad, de ética y de escrúpulos.

El Joker es solo un hombre que quiere ver arder el mundo, y al no tener ataduras sentimentales de ningún tipo, se convierte en un ente, en una fuerza, en un símbolo mas que idóneo para derrumbar el mito salvavidas de Batman. Sin necesidad de armas o dinero, logra ponerse en las mismas condiciones y rebajar a un héroe que ve como flaquea su estructura moral gracias a las cartas que despliega su contraparte en el  campo de batalla.

Es una lucha ciertamente colosal, porque hablamos de dos seres totalmente distintos que se enfrentan por razones totalmente ajenas y que buscan fines muy opuestos, pero no solo eso, sino que sus métodos distan bastante entre si, y a su vez distan de lo que espera que haga el bueno  y el malo de la película.
Y quien la vio estará de acuerdo en que con el correr de los minutos la victoria para el caballero de la noche se hace  aparentemente lejana, y de hecho, me atrevería a pensar que viéndolo bien, Batman jamas vence al Joker, solo le paraliza temporalmente, pero en el orden de ideas de objetivos cumplidos, creo que el antagonista es quien consiguió lo que quería, lo cual es una muestra su irascible poder, algo muy poco visto en el cine.


2- No country for old men( Joel e Ethan Coen): Una contienda a tres bandas, en la que ninguno asume el rol de un ente purificado. Eso es este entorno sombrío de personajes hambrientos de deseos personales y que se ven entrelazados solo por el destino mismo, pues ninguno anda buscando al otro y esto solo consigue ponerlos en igualdad de condiciones.

La trama se detona por la casualidad, y la toma de decisiones de sus involucrados. Por un lado aparece Llewelyn Moss; un cowboy rudo que esta acostumbrado a ser el tío reacio de a zona, de armas tomar y que emana seguridad con su fuerte carácter campero y su escopeta al hombro. A su lado aparece el cazador Anton Chigurh, probablemente uno de los villanos mas recordados de los últimos años. Un tipo oscuro, con la palabra muerte escrita a fuego en su mirada, y que mas que un humano, se presenta como un ente asesino con aire imparable.

Finalmente quien se suma a la pugna es el oficial en retiro Ed Tom Bell, que obedeciendo mas a su labor que a su convicción, se entromete sutilmente al duelo de estos dos pesos pesados, manteniendo una posición casi que neutral y fría como parte de su vasta experiencia.
Lo que sigue es una persecución y un enfrentamiento de tres bravucones del oeste, tan similares y tan distintos a la vez, que deja abierta la posibilidad a cualquiera pueda vencer. De hecho, el conflicto planteado por los Coen aquí permite infinidad de posibilidades en el final pues los tres elementos involucrados abren la brecha a que cualquiera pueda salir victorioso, incluso mas de uno, o que en igual medida, los tres fallen en su cometido.

Algunos catalogan  "No country for old men" como la cinta mas floja de los Coen, y puede que si, no me atrevería a validar o desprestigiar ese comentario teniendo en cuenta el escaso  conocimiento sobre la filmografia de estos realizadores, pero hay que reconocer que la disputa planteada en ese marco sombrío, que es la guerra de los carteles de droga en la frontera, es un suculento plato muy bien adornado con estos tres poderosos caracteres que te mantienen en vilo hasta ultimo instante.


Heat  (Michael Mann): Probablemente la traducción mas acertada que se ha hecho al titulo de una cinta americana, pues el apelativo de Fuego contra Fuego, que se le dio en nuestro mercado, le cae como anillo al dedo a este pedazo de choque entre dos inagotables colosos, de la narrativa y de la actuación.

Cuando se filmo el Padrino II, De Niro y Pacino hicieron parte de la cinta,sin embargo jamas coincidieron por cuestiones lógicas de la historia, y tendrían que pasar 21 años para que dos de los mejores interpretes de la historia se enfrentaran cara a cara en este film de acción donde sus personajes están diseñados a la medida para que el conflicto y el morbo de verles juntos en pantalla sea aun mayor.

De Niro es el ladrón, Pacino el policía, y salvo ese canon clásico el resto de la trama se devela como una colición de dos fuerzas propias que se separan del cliché tradicional. Pacino no puede ser el policía al que nos acostumbro Hollywood, por el contrario, es un agente mala leche que sabe mover sus fichas y contactos en la ciudad para atrapar a quien quiere; si fuera el clásico hombre de la ley, de angelicales maneras, se caería toda la estantería.

Y De Niro tampoco sabe hacer de el ladrón "malo" que quiere robar a como de lugar y que es la personificación de todo lo que la sociedad nos dice que no hagamos. No,el también se salta el manual para interpretar a un delincuente rudo pero con debilidad emocional y con un alto sentido de la amistad entre bandidos, algo así como un código del crimen.

Con sendos prospectos el resultado es una contienda igualada, en la que incluso el espectador titubea a la hora de ponerse de parte de alguno de los dos. Esto genios ofrecen un conflicto que se hace lento pero potente, y en el que el respeto mutuo  es la clave de todo el drama, lo podemos ver cuando se encuentran cara a cara por primera vez.

Lo que sucede acá es que el guion permite el frente a frente de dos fuerzas opuestas, en el que cada uno es la mejor en lo que hace. Algo así como el mejor policía contra el mejor ladrón. Sin embargo la complejidad radica en que hay un latente componente emocional en la vida de cada uno,  pues quienes se enfrentan no son autómatas prefabricados sino humanos expertos en sus campos que deben aceptar a su enemigo natural, es decir el contrario.


No habrá paz para los malvados (Enrique Urbizu): Haciendo a un lado la calidad de la cinta y del guion mas específicamente, lo mostrado por Santos Trinidad, uno de los personajes mejor construidos que recuerde, es digno de desmenuzar teniendo en cuenta que aquí la premisa del héroe caído de alguna manera se hace realidad.

Por supuesto que si de antiheroes se trata este se ubica dentro de lo mas alto, no es para menos, un policía con aires de corrupción, mala clase, alcohólico, y aparentemente poco dado a su labor termina siendo conforme avanza el metraje en el verdugo de un enemigo mas grande, que nunca pidió y al que termina abatiendo mas por las casualidades que por propósito propio.

Analizando mas a fondo se podría dilucidar que lo que acomete el protagonista no es mas que la búsqueda de un beneficio propio (la posibilidad de ser descubierto) que lo termina convirtiendo en una especie de mártir gracias a que se mide en fuerzas a varios hombres que encarnan otro mal para la sociedad, y a los que termina dando de baja casi que sin dimensionar realmente a que se enfrentaba. Puede que de saberlo su vendetta no hubiese sido tan efectiva.

Pero al igual que en la película de los Coen, el elemento sorpresa corre por cuenta de los netamente "buenos" que en este caso son encarnados por el cuerpo de investigación del crimen que Trinidad llevo a cabo. Un consorcio de personajes que buscan esclarecer un asesinato y que en dicho afán se hayan con desvíos constantes que los distancia del culpable, al que llegan casi que por rebote.

El gran condimento de esta historia podría residir en que el detonante de todo el enfrentamiento es el antagonista, y es el quien termina enmendandolo en unas condiciones que aparentemente lo pondrían en desventaja pues mientras nuestro policía alcohólico es uno solo, sus rivales se cuentan por mayoría y sus medios tiene mas alcance que los del simple agente.

Sin embargo, de ser esto así, ¿porque siempre existe la posibilidad, por mas remota que sea, de que el despavorido bebedor gane, aun cuando es el mas débil sobre el papel? yo acuñaría dicha posibilidad a su tremendo carácter, al de un personaje tan bien fabricado que aun estando solo de su lado parece tener las herramientas necesarias para batirse contra estos dos vientos que soplan en su contra. Insisto en que Santos Trinidad es un personaje al que da gusto ver y que pocas veces se olvida.

viernes, 1 de noviembre de 2013

CINE ALTERNATIVAMENTE MOLESTO



Eran varias personas, y se agradece que no fueran las típicas familias que van con cinco niños a bordo, todo ellos molestos, y que no hacen más que llorar en la sala de cine. Tampoco estaban por ahí esas parejas adolescentes que se dedican al cotilleo más que a apreciar la cinta, y por supuesto que ese aire alternativo que se aprecia en los que uno a uno comienzan a comprar las boletas lo hace sentirse a uno medianamente bien, por lo menos seguro en la intención de apoyar películas alejadas del a veces molesto glamour comercial.

Marcaban las 7 de la noche si mal no recuerdo, y las taquillas de una de las salas independientes más importantes de Bogotá estaban a reventar. Como no, eran los últimos días del festival de cine francés y muchos no querían desperdiciar la última oportunidad de ver esa película que les habían recomendado o que les suscitaba interés como era mi caso.
Y es que a la cinta francesa “Holy Motors” se le enalteció el año pasado desde diversos sectores; la prensa especializada, los cineastas, los festivales, y hasta los espectadores del común no dudaron en calificarla como la mejor película del año pasado en Europa.

Con semejante historial de fondo el perdérmela sería casi que sacrílego, hubiese sido un irrespeto a la cinematografía no convencional; esa que desprecia las explosiones ruidosas y el tumulto popero del cine mainstream, cosa con la que no puedo estar más de acuerdo. Entonces queda claro que decidirme a ver la última cinta del francés Leos Carax era una convicción absoluta a la que le tendría que tendría que asistir casi que religiosamente.

Dos horas después de ingresar a la sala y rodearme de yuppies gafa-pasta y encopetados señores de finas maneras tuve que abandonar el recinto con la cabeza baja, pues desde el descalabro que me significo ver la abominable “En Coma” no me había sentido tan defraudado por una proyección en la que tenía muchas esperanzas.

Pero por favor, no comparemos, que la ya citada película de Juan David Restrepo se cae por  sí sola, en cambio, el experimento de Leos Carax responde a una edulcoración casi que inexplicable y a un fenómeno muy recurrente a nuestros días que se cobija bajo una sola palabra: “Snob”.

Con muchos motes rondando en la cabeza para poder definirla me decidí por el de “pajazo mental”, en términos más coloquiales, porque sencillamente no encuentro una palabra más adecuada para calificar al supuesto mejor film de 2012, título que le pesa y dudo de que le haga justicia.

Pero quien soy yo en comparación con esos ilustres personajes de la industria europea, que saben más de arte, de vivencias, de ciencias y obviamente de cine que este triste mortal que escribe desde una calle del tercer  mundo. Queda claro que mi nombre y mi opinión no tienen ningún valor frente a los amos de la vanguardia que saben perfectamente que puede ser llamado revolucionario y que no.

Y a la cinta en cuestión la etiquetaron como “genialmente anárquica”, un adjetivo que suena bastante bien, suena a antisistema, pero sobretodo sabe a pretencioso, porque eso es lo que es esta película, un cumulo de ideas abstractas y de sinsentidos disfrazados de arte contestatario que no cuentan nada, no suscitan nada y no invitan a pensar en nada.
Carros que hablan, un personaje sin rumbo fijo, chimpancés que viven con humanos, un hombre que muere y resucita constantemente o un musical con Kylie Minogue. Seguro que ninguno de estos elementos suenan atrayentes en una película y menos si están todos juntos, pero si les decimos que hacen parte de la nueva consentida de los cinéfilos del viejo continente entonces el panorama cambia y lo que parecía absurdo se vuelve mágicamente contestatario.

No me puedo definir como un tradicionalista en cuestiones del séptimo arte, o alguien que solo aprecia lo clásico, por supuesto que no, pero aun con todas las posibilidades de experimentación que permite el cine hay un par de cosas que se deben respetar y creo firmemente que una de esas es el contarnos algo, que sea bueno o malo, innovador o repetitivo dependerá de muchísimos factores e impresiones pero siempre debe haber una intención por comunicar algo, eso a mi modo de ver es indiscutible en cualquier película.

Y  es precisamente eso lo que no pasa en Holy Motors, una producción que debo decirlo, me ofende profundamente por su posición arribista, su postura de contrariar a los cánones clásicos de una manera absurda, de una manera tonta, como la de esos niños que le llevan la contraria a sus padres solo porque sí. Al no haber una posición clara del porqué de esta película me parece que su valor es nulo, y muy a pesar de lo que digan todos los intelectuales sobre lo grandilocuente de su quimera y de lo visionario del vacío que propone los 120  minutos de metraje me cuesta dejar de verla como un enorme espectáculo sustentado en la nada.

Aun escribiendo estas líneas pensé que tenía mucho que decir al respecto, y me encuentro con que no, no tengo tanto que agregar porque el resultado visto no me lo permite. Es que sencillamente fui cómplice de un orgasmo esnobista que responde mas a la búsqueda de una nueva corriente a la que aferrarse que al verdadero gusto que pueda generar un producto de estas características, que no es más que un lienzo garabateado sin razones de fondo, hecho pura y llanamente porque sí.


Francamente toda esta verborrea mencionada ya fue dicha por el maestro Woody Allen, experto en satirizar a la vanguardia neoyorquina, y lo hizo con con mejores palabras


lunes, 21 de octubre de 2013

TRANSMEDIA: NARRATIVAS MULTIPLATAFORMA



En días anteriores Bogotá acogió una serie de conferencias y charlas auspiciadas por el ministerio de las telecomunicaciones en relación al transmedia y las nuevas narrativas. Dicho evento estuvo presente durante tres jornadas en algunos puntos de la ciudad a fin de contribuir a la cualificación del sector audiovisual de en la creación de este tipo de proyectos.
Aunque no pude asistir a todas las charlas me di la oportunidad de presenciar dos de ellas; la inaugural, y una de las de cierre, en la que me permití una idea vaga no solo del evento sino también de la movida de este tipo de campañas a nivel mundial.

¿QUE ES TRANSMEDIA?

Aunque aquí bien podría copiar lo que dice wikipedia porque seguramente lo dice mejor, voy a ahondar el tema con palabras propias para hacerlo más personal:

Básicamente la narración transmedia o los proyectos transmedia, son historias que abarcan diferentes plataformas a fin de hacerse con un mayor número de consumidores, prolongar la vida útil de un relato, y generar una industria a partir de sí misma. A este caso responden películas de las que se derivan series de televisión, episodios web, musicales, comics, contendido exclusivo de redes o aplicaciones móviles por citar tan solo unos ejemplos, lo ideal acá es que una historia haga presencia en diferentes formatos.

Siendo más concretos, hay que decir que quizá hemos sido parte de estrategias transmedia sin saberlo. Algunos casos conocidos por ejemplo son el de la película “This is England” que después se extendió a una serie de televisión y que se hizo un hueco con un elaborado soundtrack de canciones de la época, o también es el caso de la estrategia de publicidad de la cinta Batman:The Dark Knight en las que se usaron pequeños clips en páginas web, incluyendo además imágenes que rezaban “ Yo creo en Harvey Dent” las cuales se vieron no solo en websites sino en pancartas de algunas ciudades en EE.UU.

¿QUE TAL ESTUVIERON LAS CONFERENCIAS?




No es justo el balance que hare en este apartado por obvias razones (no participar de todas las charlas) pero en las que estuve si me pude dar una idea bastante amplia de la gestión que se le dio a este encuentro el cual dejo bastante que desear en mi humilde opinión.

Si los entes distritales y gubernamentales quieren que comencemos a hablar el mismo lenguaje tecnológico e innovador que el resto del mundo, tienen que dejar de ser tan parroquianos a la hora de llevar a cabo este tipo de actividades.

La primera, en la cinemateca por ejemplo, estuvo bastante floja, no solo en su organización (entrada a la hora que no era, comienzo tardío de los ponentes, improvisación sobre la metodología a seguir) sino que además se pudo sentir una leve “mano negra” de parte de la administración distrital, un “tufillo a izquierda” podríamos llamarle, el cual parecía premeditado, y que termia restándole solidez a una iniciativa que no acepta posturas políticas de ningún tipo.

Por mas decir que los primeros invitados, encargados de la inauguración no estuvieron a la altura de lo requerido, comenzando por Fran Ilich, de origen mexicano, y que a pesar de dejar ver su vasta experiencia en el asunto a través de un recorrido a toda marcha sobre sus vivencias en el área, edulcoro con demasiado pragmatismo antis-sistema su discurso, que no tenia porque ser discurso, sino más bien una ponencia de carácter lúdico. Además de ello, por alguna extraña razón, solo estuvo algo más de media hora cuando en la programación inicial colgada en el sitio web aparecía con un bloque de tres horas a su disposición.

La ausencia de tiempo (por razones desconocidas) no solo hizo notoriamente apresurada su exposición sino que además le privo de contextualizar el tema, y lo termino volcando todo a un “abajo el sistema” que si bien es interesante, creo que no era el espacio ni el lugar para hablar de ello.

Minutos después, cuando media audiencia abandono el recinto, se hizo presentación de una improvisada maniobra para llenar tiempo, como cuando en la universidad metían materias de relleno para completar el pensum; y así fue como llego la inclusión “in extremis” de un grupo de personas que trabajan en proyectos con la fundación Gilberto Álzate Avendaño (entidad del distrito) y que lo primero que dicen en micrófonos es: “de lo que vamos a hablar a continuación no es precisamente de transmedia”(¿?)

Acto seguido se han metido en terrenos bastante locales a mi modo de ver, con anécdotas de emisoras culturales de carácter comunitario y cosas similares, que repito, se aprecian pero nada tenían que ver con el evento. Y ojo que eso no solo lo note yo sino varios de los espectadores distraídos en sus Smartphones o en conversaciones con el de al lado, inmersos en todo menos en lo que se estaba diciendo desde la tarima.

La guinda del pastel de ese día la complementaron un mal manejo en los equipos tecnológicos de la sala (computadoras, micrófono, videobeam) que serian admisibles en una conferencia de Herbalife o en una reunión del trabajo, pero no en un evento tecnológico auspiciado por el gobierno. No solo eso sino que se planeo una ronda de preguntas y respuestas que no fue fructífera sencillamente porque nadie sabía que preguntar debido a lo poco que se toco el tema general al que asistían la mayoría de personas.

El segunda día, he de decir la cosa mejoro bastante. El recinto en esta ocasión fue una de las instalaciones de la Universidad de los Andes, que si bien están muy capacitadas para esta clase de eventos ya de entrada contaba con dos problemas. El primero; que nadie tenía idea en que lugar exacto de la universidad se llevaría a cabo, y segundo, que creo se les quedo pequeño el sitio seleccionado puesto que a varios nos toco de pie o acurrucados en el piso en vista de que no había más sillas.

Después de sortear esto, incluyendo una chica con olores corporales no muy agradables, debo decir que el conocimiento impartido por parte de Manuel Tobar y Yolanda Barrasa, no solo fue muy acorde a los esperado sino que se hizo dinámico, con buenas ayudas audiovisuales y con un lenguaje muy claro para que todos pudiesen entender.

Discreparía un poco en ciertos momentos de la charla sobre algunas ideas de la narrativa tradicional que los ponentes tenían pero por lo demás fue muy satisfactorio abordar toda esta información, aun cuando varios tuvimos que hacerlo de pie.
Con poco más que agregar, después de una vez terminada esta charla de 3 horas, debo decir que el día jueves se sintió una mayor preparación en los temas, aun cuando quedan varias cosas por corregir.

¿QUE DIJERON?


Si obviamos lo sucedido el primer día, en donde lo único que se me quedo en la cabeza fue la frase “no odien a los bancos, sean los bancos” hay que aclarar que en la charla impartida en la U de los Andes se abordaron algunas cosas interesantes.

Lo principal es que los proyectos multiplataforma son una manera interesante no solo de interactividad con la audiencia sino de hacer más redondo el negocio. Algunos ejemplos como el de Jay Z o el de Axe (que coloco al final) dejaron ver que el futro de las películas, comics, discos u otros tantos productos audiovisuales ya no puede estar sujetos a una sola plataforma. Es decir, esa imagen de que quienes hacen están allá, y quienes consumismos estamos acá es cosa del pasado, y será mejor que lo entendamos antes de que industrias de otros países tomen la delantera en estas experiencias.

Lo clave es sacar partido de las nuevas tecnologías a favor de nuestro producto. Tenemos que aprender a viralizar nuestro contenido, a hacer una estrategia de redes sociales que hoy en día es igual de fuerte a la de la publicidad convencional, debemos también encontrar maneras de que los consumidores se sientan parte de la historia a través de aplicaciones para celulares, material adicional de pago, uso de la banda sonora como expansión a otro mercado, ofrecimiento de finales alternativos, sacar historias a partir de uno de los personajes secundarios… en fin, la lista es amplia pero la premisa es muy clara; narrar historias de la manera clásica sigue siendo una opción, pero una opción cada día con menor potencial en un mercado tan amplio y tan industrializado como el que vivimos.

Fue bueno ver por ejemplo, que la combinación de dos o más tipos de narrativas puede dar resultados interesantes. Aquel dia se presento un comic interactivo, en el que el espectador tenía a su disposición una historieta con animaciones y con sonido para ambientar lo sucedido, eso por ejemplo lleva un paso mas allá el clásico comic de papel, que si bien seguirá siendo material de culto para los más fanáticos, deja de ser potencialmente rentable y duradero si no se amolda a una nueva forma de consumo que tenemos en la actualidad.

“La ficción aspira a ser real para generar más espectadores” creo que fue una de las frases dichas ese día que mejor sintetiza esta transformación de las narrativas y de las capacidades que tiene una historia al hacerla multidireccional.

Ya sea visto como negocio, o como posibilidad de hacer más conocido un relato, lo ideal es llevar al consumidor a ser parte activa de todo el proceso porque allí está el punto de inflexión al que debemos adherirnos, no solo como individuos sino como industria, sino, el día que por fin hayamos alcanzado un terreno idóneo en producción de películas, series, cortos y quien sabe que mas, nos daremos cuenta de que ese ya no es el negocio y que una vez más estamos atrasados porque las narrativas transmedia son ahora le futuro de las artes.

EJEMPLOS OTORGADOS DE NARRACIONES TRANSMEDIA

Axe Anarchy : La compañía famosa por sus comerciales y sus lemas en pro de sex appeal masculino, impacto con un comercial sobre su ultima fragancia, que dio pie a la realización de una novela grafica en tiempo real la cual permitía la interacción con todo su público a través de las redes sociales, en las cuales los consumidores decidían el argumento del comic protagonizado por 3 chicas llamadas las Anarchy Girls.





Jay Z Decoded : El poderoso rapero, amo y señor de los negocios en la industria musical, se asocio con el buscador Bing para la campaña de lanzamiento de su autobiografía, la cual estuvo acompañada de una viralización nunca antes vista en un libro. Gracias a la estrategia transmedia planteada las páginas de la publicación abandonaron el papel tradicional y se trasladaron a las calles de diferentes sitios de EE.UU en los que párrafoS o textos del libro se ubicaron en lugares poco convencionales como piscinas, canchas de básquet, paredes o utensilios de restaurantes. Todo esto a fin de generar una recordación en el público más amplia y duradera y permitir que el producto alcanzara a potenciales consumidores en otros lugares diferentes a los acostumbrados.

Es tal el impacto de esta campaña que Gucci (firma de ropa) saco una colección de prendas con páginas del libro en cuestión que ampliaron aun más el espectro y permitieron generar una dinámica con los usuarios que poco a poco se apropiaron del tema, subiendo fotos de los lugares alcanzados por las letras de la obra y jugando a esta reunión de postales en diversos sitios que concluía con el hallazgo mas grande. El propio Jay Z haciendo entrega de un ejemplar de su libro.
















aquí una presentación en Prezi sobre Decoded: http://prezi.com/zj89by39etzm/narrativa-transmedia-decoded-by-jay-z/

jueves, 10 de octubre de 2013

MIS DIEZ PEORES PELÍCULAS DE CINE COLOMBIANO


Criticar ya no ayuda mucho, básicamente porque ahora todos critican, antes solo lo hacíamos unos pocos y era muy cómodo, ahora todos despotrican y nos quitan trabajo a los que nacimos con las ganas de pelear por todo desde niños, además criticar no sirve de nada en este país sencillamente porque todo se queda en eso, en palabras, o en escritos como es mi caso y el de Daniel Samper Ospina (el crítico light por antonomasia)

De cualquier manera, y aunque no tenga la mas mínima funcionalidad, voy a expulsar de mí una opinión destructiva que tengo entre pecho y espalda hace mucho tiempo. Dicho alegato corresponde a las 10 peores películas colombianas que he visto en mi vida.

Lo sé, es impopular hablar de mal cine nacional cuando estamos en la era de abundancia y evolución cinematográfica, pero de cualquier manera es una necesidad casi que vital dar mi punto de vista sobre estos 10 descalabros que he visto. Y aquí hago una aclaración , hay películas de carácter perverso que nunca he visto y que fácilmente podrían entrar a hacer parte de este ranking pueril (mi gente linda mi gente bella, el carro, el cartel de los sapos, de rolling por chibchombia) pero afortunadamente las circunstancias se han juntado para impedir que les eche un vistazo.

Por otra parte, para no quedarme en la quejadera constante a la que nos hemos acostumbrado, mi escrito a seguir va a hacer contrapeso a este cochino top ten, y allí ahondare en las 10 películas que mas me han gustado de nuestra industria para demostrarles que aunque nos hemos especializados en fabricar lodazales de mal gusto, por allí afuera hay unos cuantos que están haciendo las cosas bien.

Mientras El Man anda metido en un trancón de la séptima,
confiamos en que le roben el espejo del carro y lo pare
la policía por falta de documentos. Es lo mínimo que
se merece
1- EL MAN: El cine de superhéroes es una vaina compleja basicamente porque por un lado hay muchos detractores y por el otro una horda fanática de defensores. En los últimos años han desfilado producciones sobre Batman, Superman, Linterna Verde, los cuatro fantásticos, Iron Man y un largo, larguísimo etcétera, pero hay uno, uno en particular que nunca nadie defenderá.

Eso es “El Man”, probablemente la peor cinta Colombiana de la historia, y no podía venir de otro lado que de un genocida del arte como Harold Trompetero; papanatas, pelafustán y vividor del séptimo arte que se ha encargado de dejarnos por el piso cinéfilo a nivel mundial.

¿Qué pensaran de nosotros los extranjeros que se acercan a nuestro cine cuando ven una película como El Man? Pena ajena, ira, cólera, depresión… hay que aceptarlo, la cinta produce muchas emociones, pero solo por su pésimo trabajo auspiciado en Bernardo García de protagónico, en el flaco Solórzano dándoselas de malote y en esa mensa que hacia el papel de la tal "Paty fastidio" en una innombrable novela de Nuestra Tele que hizo las delicias de grandes y chicos

Desastre monumental, grosero diría yo. No sé como habrán hecho los actores para prestarse a este despropósito (hay que estar muy necesitado ola!) y luego de los años aceptar que estuvieron allí, diciendo bobaliconadas, haciendo chistes tontos y ridiculizando a toda una sociedad que si bien es mala no se merecía tanta infamia encarnada en esta película

No pues, tan contestatario este remedo de Scorsese
mal habido colando escenas dignas de Esperanza
Gomez y compañia en sus "revolucionarias" cintas
2- SIN TETAS NO HAY PARAISO: Gustavo Bolívar si es un demagogo de lo mas jocoso, enaltecido hasta la cúspide criolla por atinarle al rating con la serie de la niña que se quería “poner las téticas” no solo se anoto un punto en el mercado audiovisual sino que además parece haberse convencido de que su papel en la industria es jugar al “enfaint terrible” del cine nacional, supuestamente vendiéndose como un realizador provocador al que no le pueden cerrar la boca.

Provoca es mandarle a “los de la moto” a este señor después de haber hecho la película de su golpe de suerte porque evidencia una carencia de recursos tan grande que apenas y se puede decir que hizo un capitulo de una novela con hora y media de duración.
No tuvo que escribir mucho, solo condensar su creación a 90 minutos y meterle a un par de amiguetes de Telemundo para que la financiaran, imagino yo. Entonces sale Miguel Varoni (empoderado del irresistible encanto que cree tener) como un doctor. Sale también Ramiro Meneses diciendo las mismas dos frases que le hemos oído a todos los “traquetos” de la televisión, y por ahí se asoma el actor ese que hizo de Ricardo Castro en “Pandillas guerra y paz”, hablando igual que en esa otra cochinada de serie.

Pero el elenco no para ahí, pues cuenta con aquel viejito inmamable que siempre ponen a hacer de narco guache y atarban, y que (esto lo sé de primera mano) le recomienda a los nuevos actores del país que no estudien esa vaina, que eso pa que, que mejor se pongan a manejar un taxi así como hizo el.
Por si fuera poco parece que Gustavito tiene como principal inspiración de su lenguaje audiovisual a los telefilmes eróticos que pasaba The Film Zone hace unos años y con los que más de un niño aprendió que el nombre de Emanuelle no es muy adecuado para un hombre, porque de no ser así es inexplicable el trato “softporn” que le da a las escenas de sexo y los planos de “tetas y cucas” (en lenguaje de él) con los que parece tener una obsesión durante el soporífero metraje.

Aun así, esta película podría tener ciertos usos pedagógicos si se considera como un documental que refleja la tendencia en las producciones Colombianas de los últimos tiempos


Un sicario adorador del Sagrado Corazón.
 ¿Eso es nuevo cierto?. Fijo tiene un escapulario en
el tobillo como buen cliche que se respete
3- EN COMA: Jamás, óigase bien, jamás había tenido tanta expectativa con una película tan puerca como esta, en donde resalta el delirio de gangster de su director, cosa que comparte con los cantantes de reggaetón como Wisin y Yandel.
Sobre la cinta se venían haciendo, de manera inexplicable, una serie de comentarios positivos acerca del trato que le daba al tema del sicariato y demás lugares comunes, pero mayor mentira no ha existido desde que dijeron que Andres Felipe Arias era inocente.

Tuve la desgracia de irla a ver en su estreno, disque para apoyar al cine nacional, pero creo que es uno de los apoyos de los que más me arrepentiré en la vida pues la historia inspiradas en las calles de “Medallo” es mas de la misma vaina horrible que nos sabemos de memoria; Traquetos, putas, matones, traiciones, mas putas, mas traquetos, la mamá que sufre y otros elementos mas de la clásica tragicomedia paisa, que personalmente ya me causa un escozor tenaz.
No solo eso, En Coma tiene unas actuaciones que se van directo al caño, comenzando por su protagonista y director quien en su afán de figurar imagino yo, hace el mismo papel que por ese entonces realizaba en la novela Rosario Tijeras y que me hace pensar que más que un rol, el tipo se está interpretando a sí mismo.
Ni hablar de los guiños de Natalia Paris, Juan Pablo Raba o y todo ese jet set chimbo que vive convencido de que porquerías como esta es hacer cine de alta factura y que de aquí van directo a Hollywood.
Historia de mierda, actuaciones de mierda y a la salida de la proyección tuve que decir apenas que era mala porque la palabra mierda no está como opción en las encuestas que hace Cinecolombia. Deberían considerarla de aquí en adelante.

Piscilago y Melgar agradecen a todos los
Colombianos el haber ido a ver  esta película, ya que
desde allí las arcas de este "paraíso de la recreación" se
han visto incrementadas

4- LAS CARTAS DEL GORDO: Tener 17 años no es sinónimo de ser idiota, porque aunque con esa edad fui a presenciar semejante despropósito de película yo ya sabía quién era Dago, cuál era el daño que le había hecho al país y la cara que iba a tener después de ver esta mamarrachada.


Horrible, tonta, predecible, infantil, llena de chistes bobos, sensiblera y tremendamente autóctona. Estas palabras no solo le caen bien a la historia de un gordo (no tengo nada en contra de la gente con sobrepeso) que se hace odiar toda la hora y media de esta cochinada sino a toda la filmografía de Dago García, personaje miserable que cree que la única manera de hacer industria es filmando estas sandeces y que encima tenemos que agradecerle por ello.

La formula Dago y todo lo que esto conlleva es telenovelesca a morir, y en las carta del Gordo se hace sentir como nunca, sinceramente a esa cinta solo le hacía falta el logo de caracol en la esquina todo el rato para sentirse viendo tv en pantalla gigante.

Y los temas típicos de esa malsana “idiosincrasia colombiana” de la que se supone debemos estar contentos, deberían ser vetados de próximas producciones; Futbol criollo, el parche del barrio, la vecina buenona y toda referencia a comida típica; todo eso ya no lo queremos más, al igual que a Dago.

Lo más triste es que cada 25 de diciembre cientos de enguayabados de todo el país se levantan con el sabor a vomito del día anterior, no se bañan, se ponen cualquier jean con cachucha, y se enfilan en los centros comerciales a pagarle 10 mil pesos a este criminal que se hace llamar director, y no contentos con todo ello se llevan a los niños, a hacerlos participes de tanta desfachatez grabada ahora en formato digital, haciendo más evidente a nuestro decadente publico


Toda una iluminación la decente interpretación de Novoa
en comparación a la perversidad a la que nos tiene
acostumbrados
5- POKER: Hay una premisa en el mundo del cine, que dice que para comenzar en la industria se debe buscar hacer una película barata, en una sola locación, de 90 minutos, con una trama principal y tres subtramas. Pues bien, Juan Sebastián Valencia, director de Póker, creyó que solo bastaba eso y el resto venia por rebote, pero alguien debió explicarle que también había que meterle buenos diálogos, coherencia, un buen casting, dinamismo a las escenas, y un final que cerrara toda la trama. Aun así el no lo creyó necesario y pario esta película, que debo reconocer, en el tráiler me llamaba bastante la atención, pero si algo nos ha enseñado Hollywood es que un buen tráiler pude contener una pésima cinta, nada mas aplicable a este producto con ínfulas muy altas que se quedo en nada.


La historia, de entrada, permite sacarle mayor jugo, pero esta pésimamente ejecutada. Tanto en dirección (planos muy oscuros, una ambientación inadecuada, un ritmo lento por muchos ratos y un explicable aura futurista en muchos pasajes de la cinta) como en actuación (Juan Sebastián Aragón haciendo de cura rumbero, Luis Fernando Hoyos del típico buen papá y esposo y Angélica Prieto encarnando a una talladora plana y sin gracia) y en guion sobretodo (diálogos robóticos, escenas descabelladas, la entrada y salidas de personajes innecesarios en muchas partes)

Yo resumiría Póker como la típica película que todo estudiante de primer y segundo semestre de cine quiere hacer, en esa época en la que uno solo conoce a Guy Ritchie y a Ridley Scott, en la que cree saber todo de Tarantino por apenas haber visto Pulp Fiction, esa época en la que la película favorita de uno es “El Efecto Mariposa”.
Si bien se ve un intento por hacer algo un poco distinto, la jugada les salió fatal y no solo los sepulto como realizadores, sino que llevo a la productora MadLove a la quiebra y al confinamiento total en el olvido.

Algo mas, aunque el film es un muy mal intento de hacer cine negro, debo decir que contiene un punto a favor que nadie ha logrado, y es hacer que Rafael Novoa actué bien. Pues sí, el señor “Suntea” no lo hace mal acá a mi modo de ver, aunque creyó que eso no era congruente con su naturaleza y siguió haciendo malos papeles en malas novelas, cagandola por allá a donde iba, demostrando que el es ante todo un fiasco de actor, casi al nivel de Jorge Enrique Abello.


¿Como termina una pelicula asi?
Ahh claro... Caracol tv
6- IN FRAGANTI: Juan Camilo Pinzón se saco de la boca un escupitajo a la jeta de los espectadores de nuestro país al poner en pantallas algo tan desdeñable, algo tan despreciable y lo peor de todo algo tan folclórico.

No sé qué es lo peor de este sancocho, si la trama absurda de unas parejas que se van a motelear y no los dejan, la presencia del irritable Martin Karpan (aquel argentino que en la tierra de Maradona seguro era un fiasco y aquí es ídolo) o que hiciera parte de la tradición de ser estrenada un 25 de diciembre

De entrada este adefesio se porta mal con uno, porque sugiere un motín en una residencia. Díganme a quien carajos le va a parecer chistoso que no lo dejen hacer en un motel lo que uno va a hacer a un sitio de estos, eso de por sí ya es irritante y cero cómico.


Lo cómico de esta cinta por supuesto recae en el chiste fácil, en lo tonto, lo absurdamente repetitivo, como diría Martin de Francisco “esto es humor como para
cigotos” como para personas que no están bien en sus vidas, que tienen muchos problemas y ni un instante para alimentar el intelecto.

Ni decir que aquí, que tanto nos la damos de la Atenas Sudamericana, necesitamos a un par de tetonas (Natalia Paris y Carla Giraldo) para adornar el chiste y para picarle el morbo al viejo o al púber que va a ver la película. Creo sinceramente que “cine pícaro”, ese sketch mexicano en el que salía un enano llamado Tun Tun, tiene más merito artístico que esto.
Finalmente la guinda al pastel la pone Bernardo García, el protagonista de El Man. Con ese referente uno ya se imagina la calidad del producto final.


Este man tiene un problema. No puede hacer una expresión
seria porque se le sale el  payaso interno.
Ahí por ejemplo parece que estuviera echando un
chiste en vez de un discurso 
7- ROA: Aun hoy en día reviso las fichas de IMDB o la Wikipedia para corroborar si realmente Andy Baiz fue quien hizo esto tan malo. Y si, definitivamente fue el,pero aun me cuesta creer que un director que aparentemente la tenía tan clara con sus dos anteriores cintas saliera con este chorro de babas.
Me senté en la sala, masque el chicle un rato, y casi me lo trago al ver quien interpretaba a Jorge Eliecer Gaitán, que no era otro que Santiago Rodriguez (un bobazo mas). Pero bueno, aun así le di la oportunidad y me dije “si Paul Thomas Andersson saco algo decente de Adam Sandler de pronto Andy Baiz hace lo mismo con este señor”.
Pero eso no paso, y la película se fue convirtiendo de una historia interesante a una mezcolanza entre lo cómico y lo trágico, sin terminar por cuajar en ningún lado y transmitiendo una lástima exagerada por el personaje de Roa.
El final se hacía previsible con los segundos, pero jamás imagine que alguien pusiera en la gran pantalla al Bogotazo como una recocha de un lotero y cuatro gatos mas en lo que puedo considerar una de las peores representaciones históricas que he visto en mi vida.

Opino, que si bien estamos en una era en donde ya nos podemos dar lujos de producción, aun debemos ser cautos porque tampoco somos Hollywood, y eso se noto al momento de realizar todas las tomas relacionadas con el Bogotazo, el hecho que partió en dos la historia de la capital de este país, el momento cumbre de la sublevación de las masas, y que quedo retratado como un linchamiento mas de un puñado de parroquianos y que hasta parece que tuvo exageradas pretensiones artísticas porque Roa al final, desnudo, posando en las aceras capitalinas cual Sirena de catalogo no es precisamente la imagen más adecuada para un acontecimiento sin precedentes en el registro Colombiano.

Roa es una mezcla muy confusa de drama, acción, aires de suspenso, un apartado de comedia y un documento histórico, pero que no se decanta por ninguno de estos y ese termina siendo su mayor pecado.


Confiamos en que esa cara sea porque lo que tienes en
la jeta sea pura, física y fresca mierda
8- EL PASEO 1 Y 2: Nunca he visto ninguna de las dos completa, no me hace falta verla, no necesito verla para saber lo nocivo de su metraje y lo nefasto de su impacto, no necesito comprarla y ponerla en el DVD para sentarme a llorar y decir “¿Cómo puede ser esta la película más taquillera de la historia del cine Colombiano?”

¿Por donde comienzo a desgarrar este dueto? ¿Por pretender ser una versión criolla de la magnífica “Miss Little Sunshine”?, ¿Por Antonio Sanin haciendo Stand up comedy en carretera? ¿Por la samba patirrajada esa que hace el despreciable papel de la hija de la familia? ¿Por el tarado ese que lleva rastas? ¿Por John Leguizamo de vuelta a Colombia? ¿Por la mensa de Karen Martínez (esposa de Juanes)? ¿Por el cameo del Pibe Valderrama? ¿Por Harold Trompetero?


Es muy difícil de digerir tanta mala referencia en estas dos películas. Reitero, nunca me he visto ninguna completa y no me ha hecho falta, no tengo ni idea en que acaban y aun así he podido seguir viviendo y sinceramente no me apetece hacer parte de ese público que acudió como zombie a reírse y a decir “ Ay si igualitos, es que así somos los colombianos cuando salimos a pasear”

“La prostitución de la clase media” debería llamarse este movimiento cinematográfico, que tiene raíces en el chistosísimo Andrés López (quien ya protagoniza películas y todo) y sus pelotas picadas de fruta y no sé que mas maricadas, y que se ha extendido hasta Sabados Infelices, a más de la mitad de las películas y a un sinfín de novelas ahora llamadas “series”

Entonces ¿queda duda del potencial daño que le hace una película como estas a la sociedad en la que vivimos?


Situaciones extrañas a la hora del dia.
Esto parece mas un fotograma de Jigsaw o La masacre en Texas
9- EL JEFE: Tuve la oportunidad de estar en una charla de Jaime Escallon, director de “El Jefe”, y en apariencia es un buen tipo, algo lucido también, pero Jaime me tendrá que disculpar por decir que esta película es tremendamente mala, es perversa, es desastrosa, es una cosa autóctona que trata de no serlo.

Es un juego desgastante de un tipo mala leche al que nadie le cae bien, y que se hace tortuoso gracias a situaciones algo forzadas y a veces inexplicables en relación a una empresa cuyo dueño ha muerto y a la amiga de su mujer que lo encuentro atractivo vaya saber dios porque.


Pero creo que lo pesado de esta película es el personaje principal que esta presentado como un odioso al que nada le sale bien y que termina por asfixiarlo y fastidiarlo a uno por lo incomprensible de sus acciones y por una combinación desagradable entre fantasía, alucinación, realidad, comedia y un aura de aleccionamiento, como diciéndonos toda la película “mira que no tienes que ser malo porque te pasa esto”

A mí no me pareció algo que valiera la pena recordar, por el contrario, con el tiempo se me han olvidado cada vez más cosas, tanto en los personajes tan mal efectuados de Katherine Porto, Waldo Urrego y Marcela Benjumea como por todo lo relacionado a su guión amparado en un aire de empresa familiar pueril y de ambiente cansino en un puesto de trabajo. Es que ver “El jefe” es como ir todos los días a ese trabajo monótono que uno odiaba y en el que le pagaban muy mal.



No se que es mas triste, la escenografia, la utileria o
las medias blancas del ñerito de gorra
10- LA GORRA: Desde los más oscuros y recónditos huecos del cinema underground pereirano aparece este pedazo de boñiga que haría los deleites de los coleccionistas de cine negro de baja circulación.
La gorra es una producción de no sé quien, filmada no sé dónde ni cuándo y que protagonizan un montón de hampones que en vez de actuar deben estar haciendo de sí mismos. Es una pieza de una calidad nula de la que para redondear no me acuerdo casi nada, solo las risas que me genero lo mal hecha que estaba. Eso si, hay que reconocer que con unos pesos encima de mas, los responsables de esta película te dirigen una nueva temporada del Capo, y sin cobrar tanto.


Una trama de matones, de barrios, de pandillas, y sobretodo de una gorra (la causante de tanta violencia mal grabada en esta película) son los jocosos ingredientes de esto. Esto a lo que no sé como referirme porque queda en evidencia lo amateur de su fabricación pero también nos deja ver que de lo que estamos acostumbrados a hablar es de los mismos cánones, nos cuesta ver la violencia desde otra perspectiva que no sea la que ya está grabada a fuego en nuestras mentes gracias a horas de noticieros y costalados de periódicos
Como siento que no tengo mucho por decir de esto, dejo el link para el que quiera la vea, eso sí bajo su propio riesgo.


jueves, 3 de octubre de 2013

CUANDO LAS BANDAS SONORAS SE VUELVEN UNA PELICULA APARTE


El otro día reparaba en la fiebre que causo hace poco el lanzamiento del videojuego GTA V para Play Station 3 y Xbox 360, y me encontraba con que el fanatismo despertado por ese universo de bits va mas allá de la jugabilidad, las posibilidades online o el banal hecho de robar carros y matar prostitutas (en el juego por supuesto). Resulta ser que hay una parte de la afición que se engancha profundamente con la música que dispone el juego a través de sus emisoras de carácter ficticio.

Lo comparto. Cuando llegue a jugar el San Andreas, hace ya muchos años, descubrí piezas musicales de gran valor como Young Turks de Rod Stewart o Mother de Glen Danzig. Solo existe una experiencia similar de descubrimiento musical y no puede ser otro que el asistir al cine.

Muchas veces, y esto es algo que celebro, las películas vienen acompañadas de soberbias bandas sonoras, a veces creadas exclusivamente para el film, otras como recopilación de canciones conocidas. De cualquier manera, muchas veces no reparamos poco en el poder de un soundtrack potente, que maximice las emociones y que se instale en nuestro recordatorio por mucho tiempo haciéndose un ancla de alguna escena o de un dialogo.
A fuerza de memoria y selección, he tratado de rescatar algunas de mis recopilaciones sonoras favoritas de las películas que no solo me encantaron por sus canciones, sino por ese paralelismo audiovisual, que consiguieron sus directores al incorporarlos.

1- DRIVE (2011): el film por moda y antonomasia de ese año. Queda claro que aquel verano de 2011 fue todo del Windign Refn y su tropa encabezada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Pero para mí también se anotaron otro punto de supremacía en los círculos cinéfilos gracias a ese potente soundtrack lleno de auras ochenteras y reminiscencias al synthpop. Fue un descubrimiento total que inicio con “Nightcall” de Kavinsky, una balada lenta y con olor a calle y peligro, digna representante de la película. Pero resulta ser que el OST, compuesto en su mayoría por Cliff Martinez, tiene también a su disposición colaboraciones de Electric Youth o de Desire , quienes dominan la escena retro-futurista que se ha instalado en Francia por estos tiempos.



El hallazgo no solo se quedo en una seguidilla de temas que te transportan a las aceras color neón de los años 80, sino a un género que viene en auge y que destaca por el virtuosismo de los teclados y los beats alusivos a los primeros videojuegos de hace 3 décadas, remasterizados con gran ímpetu por la ola electrónica de este nuevo siglo. La revelación de Kavisnky me permitió encontrarme con otros magos del synth de similar genio como Lazerhawk o MN1984




2- PULP FICTION (1994): Cuenta Wensley Clarkson en su biografía sobre Tarantino, que el genio detrás de Reservoir Dogs divagaba por las calles del Soho en Londres antes de la creación de su obra suprema, y en una discotienda, algo clandestina, se encontró con una canción que lo encandilo desde e l primer momento, esa no fue otra que “girl you`ll be a woman soon” de Urge Overkill, versionando al maestro de antaño Neil Young. Una vez sus oídos quedaron prendados con tal pieza, se propuso incluirla en un proyecto en el que trabajaba por esos días y cuyo nombre tentativo era Pulp Fiction. El resto de la concepción de esta obra audiovisual, símbolo de la cultura pop, es historia, pero a tal esfuerzo habrá que añadirle un capítulo especial, dedicado a la banda sonora, ya de por si clásica, de esta hilarante historia coral.


Agarrado de su infancia setentera, Tarantino resucita a Dick Dale y el mas desencarnado surf en la clásica escena de la cafetería, y continua apegado al género en los momentos en que Travolta se dopa y Jules desarma a los asaltantes esa mañana después de al fin obtener el maletín. Pero por si no fuera suficiente, se saca de la manga el enmarcable baile de Umma Thurman y el protagonista de “Grace” con otra rola para el recuerdo y ni hablar de las contribuciones de Kool & Gang y Chuck Berry que también añade a su obra maestra. El OST completo también incluye fragmentos de dialogo como el ya archireconocido Ezequiel 25-17 y otros tantos, lo que demuestra una multitarea del buen Quentin a la hora de componer con retazos de otros, su propia banda sonora, que lleva ese sello digno de el, de su vida, de sus experiencias, de su infancia y por sus puesto de su forma de ver el cine.



3- THIS IS ENGLAND (2006): A veces creo que Anarchy in the U.K fue la única canción que le falto a Shane Meadows en el repertorio musical de esta película, plagada de tonadillas punk que nos transportan a ese Reino Unido inmerso en Tatcher, las Malvinas y le movimiento Skin. En parte es obvio debido a la temática de la cinta, que se mese en dichos acontecimientos, pero por otro lado no es gratuito que a base de canticos setenteros nos impregnen con ese aire revolucionario que caracterizó al movimiento skinhead en la tierra de Lady Di.


U.K subs dice en una escena de magnifico montaje “ Warhead, warhead, warhead,” . No hace falta corear más, esa palabra es la esencia pura de la película, es el estribillo de fondo de la vida de los personajes.
Pero ojo que no se queda acá, él reconoce que el movimiento Mod, al que se hace alusión en la película, tiene ascendencias jamaiquinas, y lo deja ver con piezas de Toots and the Maytals y también es consecuente con la época en la que se desarrolla la historia incluyendo temas clásicos de principios de los ochenta como “Come on Eileen” y “Tainted Love”



4- 500 DAYS OF SUMMER (2009): Si ya decía que Drive había sido la reina de los entornos fílmicos en 2011, unos dos años atrás ese lugar le perteneció a esta película, la comedia romántica por excelencia de la nueva generación. Un relato del desamor y las ilusiones que engendró un soundtrack que por sí solo define al film, y no solo eso sino que el apartado sonoro bien podría ser el abanderado de una subcultura hipster en acenso.


Tiene todo lo que pueda hacer alusión a la atmosfera alternativa. Desde Morrisey y sus eternos Smiths, pasando por los clásicos Hall&Oates, hasta los pianos indie de Regina Spektor y las guitarras rítmicas de Temple Trap
Marc Webb consiguió, consciente o inconscientemente, reinventar el género a base de canciones reclamadas por una audiencia joven, amante de lo retro, pero también urgida de nuevos talentos. La fusión de ambas vertientes desencadeno en que el lanzamiento de este OST estuviera presente en el puesto 42 de los Billboard 200 de Estados Unidos.



5- MATRIX (1999): La declaración de los hermanos Wachowski a la hora de componer su banda sonora es clara, “Esta es la nueva era de la tecnología” y queda claro que con semejante aseveración no cualquiera podía encargarse de hacerla musical. Por eso aparecen los jefes del metal industrial, su santidad Marylin Manson, el rey Rob Zombie y sendos exponentes como son The Prodigy y Rammstein. Las guitarras adornadas de la distorsión electrónica, las voces alteradas por los sintetizadores y toda el aura andrógina se hacen presentes en la meticulosa selección de pistas que acompañaron a Neo en su salvación de la humanidad.



Sabe a peligro, a oscuridad, a final de los tiempos, el OST de la primera entrega de la saga tiene aroma a revolución tecnológica, a microchips, a cables conectados a tu cabeza, a todo lo que el argumento de la película se ha encargado de exponer. Pero incluso va más allá, te pone en estado de alerta, te hace creer que realmente existe una esfera apartada de tanto avance digital y masificación de datos, te hace pensar que somos más que ceros y unos en los sistemas de registro. Debo decir que escuchar todo el copilado de canciones de lleno es vivir la película nuevamente sin la necesidad de estarla viendo
El doble crédito es que han sido unos genios a la hora de poner a sonar en su metraje, composiciones bastante comerciales que podrían insinuar un deseo por vender compact disc por parte de sus directores, pero que realmente nacen para hacer parte de esta obra maestra de la ciencia ficción. La jugada es sencillamente acertada.



6- TRAINSPOTTING (1996): Ante una más de esas obras cargadas de referencias ochenteras no puedo hacer mucho. Debo admitir que la música de la mejor década de la historia es una de mis debilidades. Sin embargo esta se haya justificada, en gran medida gracias a la diversidad de situaciones que le acompañan.
¿Quién no ha soñado con huir de la policía al ritmo de un irreverente como Iggy Pop? o de encontrar a una pareja perfecta para esa fiesta mientras Temptation de New Order suena de fondo, y ¿que tal llevarla a tu departamento mientras Atomic de Sleepers les acompaña en el auto?. Bajo esos códigos puedo desglosar miles de situaciones de la película de Danny Boyle y me extendería en demasía, cosa que no necesito hacer para transmitir todo el potencial tan insolente que significa ver este filme de adictos, situaciones jocosas y brit-pop de antaño.




7- GOODFELLAS (1989): No podía dejar de lado a uno de los realizadores que más esmero siente a la hora de componer sus magnas bandas sonoras que se entremezclan vertiginosamente con la edición. Hablo del maestro Scorsese, que de la mano de su montajista de toda la vida, Thelma Schoonmaker , han conseguido una vasta cantidad de metraje perfecto en el que sonido e imagen hacen una danza esplendorosa al ojo y al oído de quien se preste.


Es bien conocido que Martin tiene una devoción hacia la buena música, sus documentales acerca de Bob Dylan o los Rolling Stones dan fe de ello, pero en 1989 pone en marcha toda la influencia italoamericana para hacerle cortinilla a los buenos muchachos que son personificados por De Niro, Joe Pesci y Ray Liotta en su carrera por el poder de las calles neoyorquinas. En la pandilla de intérpretes también se lleva a otros buenos muchachos; Tony Bennet, The Chantels, The Harptones o Aretha Franklin que con ese Blues, Góspel y clima citadino decoran honrosamente las fechorías de los gangsters del East NY.



8-BATMAN, THE DARK KNIHGT RISES (2012): Solo existe uno, un solo aspecto en que la última entrega de la trilogía le hace sombra a su predecesora. Por supuesto es la banda sonora, que nuevamente, al igual que las dos anteriores películas, corrió por cuenta de Hans Zimmer, uno de los compositores más respetados de Hollywood. Gracias a dichos acordes, la música consigue transmitir toda esa tensión y caos que se avecinan de la mano de Bane hacia Gotham City.
Si bien dichas canciones no distan mucho de lo que hemos escuchado de fondo en Batman Beggins y The Dark Knight, al igual que en películas de soundtrack similares (Piratas del Caribe, Ellysium) siento que en esta se respira un ambiente mas sombrío y tenebroso que las otras dos, que la conjunción de imágenes y esos sonidos sinfónicos se alinean con perfección en esta última entrega del caballero oscuro.



9- AMERICAN PSYCHO (2000): Seguro que a muchos no les va muy de la mano el hecho de escuchar a Huey Lewis & The News en una escena de homicidio, o de que New Order haga de cortinilla a una línea bastante sádica de un asesino en serie. Seguro que no, sin embargo Marry Harron lo imagino así, y creo que le dio resultado para retratar no solo a un hombre sino a una época en el violento thriller American Psycho de comienzos de la década pasada.


La obra está basada en un libro que se ubica a finales de los 80 (lo sé, perdón) en plena ebullición tecnológica y monetaria, con los chicos queriendo ser remedos de Gordon Gekko en Wall Strettet y sintiéndose amos del universo gracias a su habilidad con las cifras y los números. En ese contexto aparece este hombre, capaz de quitar vidas a ritmo de Robert Palmer, De cercenar cabezas con Genesis o de simplemente recrear dibujos grotescos de la mano de Chris de Burgh. Todo ello sin remordimiento alguno, con una frialdad pasmosa que contrasta con estos hits del pop y el disco de dicha época. No contento con ello, las alusiones de sapiencia musical, a las que recurre el protagonista para iluminarnos con su inmersión en la cultura pop son dignas de enmarcar y enlazan ese círculo que hacen los hits de radio, la sangre y la mirada fría de Patrick Bateman.



10- SCARFACE (1983): Cuando pienso en Scarface lo primero que se me viene a la mente es Push it to the Limits de Giorgio Moroder, en primera instancia porque la escuche hasta la
saciedad, en segundo grado porque su letra y su ritmo es el himno de toda la maldita película. Es estar dispuesto a todo por un sueño (aun cuando ese sueño sea volverse el traficante más despiadado de Miami Beach)


Sin embargo este retrato del hampa, remake de la cinta de Howard Hawks, no solo está con su onda italo-disco presente en esa canción. También lo hace con la incursión de Debbie Harry, de Elizabeth Dailly y de la misma María Conchita Alonso en una oda al crimen con vista al mar (nada que ver con la película colombiana) en la que las damitas en patines y los tipos en plan de galanes latinos eran pan de todo el día y la motosierra como método de castigo apenas se ponía de moda



Pacino se pone el papel de desmesurado “drugdealer” en esta adaptación, que poco tiene que ver, tanto sonora como narrativamente con su predecesora, pero a la que se le agradecerá toda esa banda de canciones perfectas para bailar en las discotecas ochenteras repletas de latinos en busca de oportunidades. Aquí, al igual que en otras, las pistas hablan por sí solas, haciendo un hueco en el imaginario colectivo, mas sin embargo consigue, como suele ser habitual en el director, llevar a cabo una práctica que se repetirá con los años en la industria, y que no es otra que dotar de vanguardismo a las más viscerales escenas de violencia.