3 CASOS QUE DEMUESTRAN QUE LA PORNOMISERIA TODAVÍA VENDE

Se podrán rasgar las vestiduras todo lo que quieran, pero la porno miseria sigue vendiendo, y mucho. Sin embargo como decirlo no es suficiente, les traje esta infografía con tres ejemplos que dejan ver como está grabado a fuego en nuestro ADN, el gen de la "estética del hambre". Un jurado, un programa de tv y una campaña publicitaria, demuestran que en varios sectores del campo audiovisual, se regodean con la lastima y la podredumbre todos los días.
Recuerde que si le gustó, no está de acuerdo con lo que vio acá o sencillamente desea insultarme sin mayor argumento, puede hacerlo en @PeliculaPirata

10 PELÍCULAS SOBRE LA MOTIVACIÓN

Oh la motivación. ¿Existirá una palabra mas prostituida en la actualidad?

Así como en nombre de Dios se ha matado, invadido y saqueado tierras; en nombre de la tal motivación se ha engañado incautos, vendido libros mediocres y desfalcado fortunas. ¿Les suena familiar?

Pero no sólo eso, también se han creado miles de listados que involucran al cine. Listados de películas que se supone, suben el animo, la moral y las energías, y que te llevan a luchar por tus sueños. En la web pululan bastante este tipo de rankings, algunos más acertados que otros.

Lo que me llama la atención, es que generalmente son selecciones de películas políticamente correctas, con un aura tan inocente que da la sensación de que en el camino a conseguir las metas propuestas, todo va a ser aroma a rosas y encuentros con hadas mágicas.

Me da la impresión de que se tiene por motivacional, algo intangible, utópico y cero pragmático, casi irreal. Puede que esa sea la razón por la que muchas veces se ha malinterpretado esta palabra y todo lo que encierra.

Por ello, y apalancado en una visión quizá algo más bizarra que la de muchas personas, he decidido dejar mi top ten de películas motivacionales. Notarán que esta selección dista mucho de las que encontrarán en otros sitios de Internet. Si es así, perdónenme por no ser el nuevo Jorge Duque Linares, jamás he tratado de igualarlo.

UN PASEITO POR DOGVILLE Y MANDERLAY

Este poco profesional y académico análisis de la trilogía Estados Unidos: Tierra de oportunidades de Lars Von Trier, se hará en 8 puntos en los que se desarrollan las impresiones de quien escribe, sobre esta llamativa parte de la filmografía de tan controvertido director.

PUNTO 1- EN EL QUE ME RECOMIENDAN POR PRIMERA VEZ VER " DOGVILLE": Fue hace varios años, cuando por sugerencia de un maestro, hoy hablar de la película "Dogville", la cual era una de las mas acérrimas recomendaciones de aquel profesor. De hecho, me atreví a ver los minutos iniciales de dicha cinta con un escepticismo digno de aquella época en la que las propuestas de tinte teatral poco me llamaban la atención. Y claro, si de entrada le presentas a alguien una película grabada en un enorme hangar y que parece una amena y larga obra de teatro, es muy probable que muchos no asistan. Así fue como después de visibilizar unos 15 a 20 minutos (La llegada de Grace a Dogville y algo mas) decidí absurdamente dejarla de lado. Analizando dicha decisión  en retrospectiva, concluyo que esta no es una cinta para cualquier publico, como me sucedió en dichos años. Por lo pronto, la película de Lars Von Trier no seria de mi interés hasta pasado un buen tiempo.

5 GRANDES VERDADES EXISTENCIALES DETRAS DE THE WOLF OF WALL STREET

Provocadora, contestataria, revoltosa, trepidante, magnifica, excesivamente sexista. ¿Que mas se ha dicho de The Wolf of Wall Street? Que es el regreso al mejor cine de Scorsese abogan sus defensores ( entre los que me incluyo). Que es descaradamente ofensiva y larga sueltan algunos de sus detractores. La opinión esta dividida pero será irrefutable aceptar que nos encontramos ante uno de los primeros sucesos cinematográficos del año gracias al Tándem compuesto por el director y su nuevo De Niro, ese gran interprete llamado Leonardo  Di Caprio.

Pero detengamos por favor. Pido un alto para masticar la historia mas allá de lo evidente, que es la vida del verdadero Jordan Belfort. Dicen que las mejores películas están adornadas de trasfondos y subtramas que se enraízan para soportar el peso del relato principal. No tengo duda que este relato es una composición de pequeños detalles que le enriquecen mas y que  creo vale la pena que sean analizados.

UN AÑO EN NÚMEROS. LO MEJOR Y LO PEOR DE MI 2013

Es una practica habitual esta de hacer rankings, tops, listas y demás cada vez que se acaba un año. Lo hacen los medios televisivos, la radio, los periódicos, el Internet, los programas de chisme y hasta las personas del común cada vez que presupuestan lo conseguido en estos 365 días.

Partiendo de que esta es una bitácora con un toque bastante personal y que ranking basados en los estrenos de 2013 existen miles mejor redactados, mas completos y con mayor información, este listado de lo mejor en diversos aspectos esta desligado de fechas y cifras. Simplemente es un compendio de lo que mas me ha gustado en este lustro, independientemente de el año de la película o la canción en cuestión. Fiel a mi filosofía, esto es un top atemporal.

10 PELICULAS COLOMBIANAS QUE VALE LA PENA VER

Hace un tiempo deje plasmado en esta bitácora un escrito acera de las 10 peores películas del cine nacional según mi criterio. Tal vez fue drástico con tremendo titulo a manera de periódico amarillista y a su vez debí ser un poco mas sensato al decir que eran 10 cintas que me parecían desdeñables sin que eso las convirtiera en las mas nauseabundas de la industria nacional.

En aquellos párrafos prometí, no sé si para mi mismo o para los lectores fantasmas de este espacio, destacar 10 filmes colombianos que me parecían bien hechos y que en contraparte demostraban no solo que aquí hay gente capaz de hacer buenos productos audiovisuales sino que además uno puede criticar y proponer en la misma medida.

Esta vez he querido ser un poco mas aterrizado y no catalogar las siguiente selección como las 10 mejores películas del cine colombiano o calificativos similares, simplemente busco rescatar esta decena de ejemplos que me parecen no solo bien logrados sino que vale la pena ver por alguna razón en particular. Quiero dejar claro igualmente que me faltan infinidad de películas de nuestra historia cinéfila por ver. Debo ser sincero al decir que ignoro lo hecho por Luis Ospina, Ricardo Gabrielli o Alejandro Landes por citar algunos y que tengo en deuda producciones como la Playa D.C, la sociedad del semáforo o 180 segundos entre muchas otras. Una vez dicho esto…


1- Satanás (Andi Baiz): Las narraciones de tipo coral se han vuelto una constante en la cinematografía actual. Se popularizaron sobretodo con ejemplos tan contundentes como Magnolia de P.T Anderson o Amores Perros de Gonzales Iñarritu. De esta clase de historias se han visto ejemplos a raudal, desde buenos (21 gramos) hasta flojos (Crash).


Satanás se apropia de dicho estilo para adentrarnos en los trágicos sucesos de restaurante Pozzeto ocurridos en 1986, y creo que logra no solo darle forma al hecho sino redimensionarlo al empaparnos de la vida de tres de sus participes, tres vidas totalmente distintas que se unen en un solo instante por caprichos del destino y que evocan toda una serie de sucesos que están pasando en una ciudad en el día a dia. Tres personas corrientes que se vuelven parte de un hecho trágico en el que queda claro que este tipo de sucesos nos puede alcanzar a cualquiera en algún momento.


Me encanta su ritmo, sus personajes bien construidos, sus tramas internas, su universalidad sin dejar de lado el localismo que necesitamos para identificarnos con ella (cuenta tu aldea y contaras el mundo) Rescato además su buena fotografía, su casting acertadísimo en mi opinión (Blas Jaramillo hace un papelazo en esta peli) y por supuesto su dirección, muy bien lograda, nada efectista ni maniquea, sencillamente un complemento ideal a un guion bien trabajado.

Hace poco la volví a ver y me percate de que hay diálogos en algunas partes que suenan forzados, creo que sería el único apartado a mejorar, pero por lo demás es una de las cintas nacionales que mas me gustan y que siempre estoy dispuesto a repetir.

2- La pena máxima (Jorge Echeverry) Aunque sobre el papel parezca otro burdo intento de la triada Trompetero-Dago Garcia-Caracol lo cierto es que a mi modo de ver esta cinta, escrita por Dago y ambientada en la prostituida y denigrada clase media colombiana, es de los pocos intentos de verdadero humor que se han hecho sobre un espectro que hoy más que nunca está presente en nuestras vidas. El futbol.

La película no tiene pretensiones artísticas ni menos, y de hecho tampoco parece perseguir la formula netamente comercial. Creo que divaga en un bache entre las dos corrientes sin ser parte de ninguna y tal vez ahí está su peculiar encanto, en que como pocas veces ha sucedido en el cine nacional, propone un humor critico, inteligente y de fácil digestión a las masas, porque ¿qué nos es más cercano hoy en día que el deporte número uno del mundo?

La pena máxima no me permite análisis sobrecargados de lógica, no permite una disección profunda. Nada de eso, más bien es un producto que entretiene, y que lo hace muy bien, que está adornado con un humor muy sutil y bien hecho, con unas actuaciones destacables y con un aura de ironía que la hace una comedia inteligente, un tipo de comedia que nos hace enorme falta en la actualidad.
La pena máxima es un agradable proyecto que divierte, nada más, y eso por más básico que parezca es bastante loable.


3- La Sangre y la lluvia (Jorge Navas) Hace poco tuve la oportunidad de ver esta notable cinta de género que rompe con algunos esquemas a los que estamos acostumbrados.
Un taxista y una mujer nocturna hacen de guías en este recorrido sórdido por la Bogotá no plástica, la cara menos bonita, la que no sale en los videos de Colombia es Pasión, y nos presenta así una serie de personajes oscuros y variopintos que son la verdadera fauna de la noche capitalina.

Visualmente está muy bien realizada. Todas esas sensaciones densas del peligro de las calles se perciben en cada plano y en la ambientación, siempre pensada en transmitir el estado de alerta que requiere habitar dichas calles. Pero además, los personajes principales son creaciones más humanas, mas sensatas, mas aterrizadas; son seres con vidas poco satisfactorias, que encuentran en la penumbra su hábitat natural, y que cargan con si distintas penas de lo que ha sido su vida hasta ahora.

Muy importante lo que esta película logra no solo con la desmitificación del héroe y la princesa, siempre pulcros en otro tipo de relatos, sino además con el tiempo, pues se atreve a condensarlo todo en una sola noche lo que le da una dimensión más realista a los sucesos que allí se dan.

Además de ello el personaje de Ángela es una delicia al ojo, en el buen sentido, pues no solo está muy bien actuado sino que es tan rico, tan abundante de matices que genera intriga, ganas por saber más de sus vivencias, de su propósito, de su que hacer en este mundo. Por otro lado, esa serie de secundarios que le rodean hacen más sugestivo ese ambiente que el director y guionista nos presentan.

Aun así, creo que le mayor pecado esta precisamente en su guion, uno que se hace nudos y líos que nadie ha pedido y que complica las cosas innecesariamente arruinando un final que podría ser mejor. Por lo demás es un producto de cine negro muy bien pensado, bien ejecutado y lleno de muchas posibilidades al atreverse a contar esa cara a la que no nos gusta ver de esta ciudad.


4- La Estrategia del Caracol (Sergio Cabrera) que puedo decir acerca de este gran trabajo que ya no haya sido reseñado. Todo ya ha sido dicho, y aun mas, pero es que esta película la considero el verdadero parteaguas de la cinematografía nacional.

Nos solo es una historia vigente que no sucumbe al tiempo y que cae como anillo al dedo a esta actualidad, sino que además se viste de denuncia, lleva consigo una magnifica premisa en sus entrañas, y pone al descubierto una constante que ha tenido nuestra cinematografía a través de los años. La desigualdad social.


Me encanta el lenguaje anárquico con el que está construida, no solo desde su concepción técnica, sino desde sus personajes, la forma en que avanza la historia y el siempre épico “hay tienen su hijueputa casa pintada” que quedara grabado en la memoria de los cinéfilos por mucho tiempo gracias a la fuerza con la que se escupe esa frase a un antagonista, pero más que ello a los verdaderos villanos de la vida real, esos que se enriquecen con nuestro dinero, que nos explotan y que se vanaglorian de sus despreciables métodos para mantenernos a raya.

Esta es una de esas cintas que vale la pena ver cada nada, por la universalidad de su argumento, y por lo fastuosamente hecha y por un elenco que sin tantos faros y alfombras alrededor supo darle vida a semejante grito de protesta. Me quedo corto en halagos hacia esta película.


5- El Paramo( Jaime Osorio) Tuve que esperar bastante para ver esta película de terror que prometía bastante mediante su tráiler, y aunque no puedo decir que sea un eco ni una producción avasalladora si me quedas claro que ante todo emana una profesionalidad y un trabajo muy bien realizado.
Si bien hay aspectos destacables dentro de su todo, creo que son dos puntos en específico los que me generan enorme respeto hacia sus implicados. Uno es referente a la historia, desde el punto que se tomo, es decir, el abordar el conflicto (algo tan latente en nuestra sociedad que ya hastía) desde una perspectiva de suspenso y no desde el clásico canon de lucha contra la guerrilla, es plausible, no solo por lo bien ambientado, lo cercano y creíble que nos resulta sino por lo arriesgado e innovador dentro de nuestra cinematografía al tomar un tema cliché y abordarlo con otro prisma.

Lo segundo es su muy buena realización, su ritmo sofocante, su luminosidad tenue hecha a propósito, todo ese vertiginoso andar que permite sentir lo que los protagonistas expresan, en pocas palabras una dirección estupenda. En fotografía y arte también hay que concederle elogios al llevarle al espectador imágenes rusticas, pesadas, cargadas de un horror y un suspense que hela la sangre con los minutos.

Adicionalmente, el paramo s una excelente muestra de que el buen cine también se puede hacer con pocas locaciones y un milimétrico sentido del incremento de las emociones. Con una historia clara y unos objetivos bien definidos. También hay que resaltar que el final no es el mejor, y que de alguna manera las justificaciones de lo sucedido en la trama no son precisamente las mas verosímiles, pero de todas maneras esta cinta representa un buen equilibrio entre cine de género aterrizado a nuestra realidad, y dentro de todo con interese comerciales sin ser por ello un mal producto.


6- Perro come perro (Carlos Moreno) Es para mí el mejor proyecto de cine negro que se ha hecho en el país. Principalmente porque tiene la virtud de contarnos algo tantas veces dicho pero con una clara firma del autor en cada plano, diálogo y giro dramático que me parece un proyecto sumamente bien logrado y siguiendo la línea de El Paramo, comercial e interesante.
Afortunadamente esta ha sido una de las películas colombianas que he ido a ver a cine y no me he arrepentido pues logro ver en ella un trabajo muy profesional, unas bases claras sobre lo que se pretende con ella y una detallada planeación en cada uno de sus aspectos.

Puntos fuertes siento que tiene varios. Las actuaciones por ejemplo se encuentran dentro de lo más alto, sino basta con ver a Blas Jaramillo en su papel de mafioso, a Marlon Moreno y Oscar Borda como matones y al entrañable, y gran actor Álvaro Rodríguez, una vez más en sus habituales roles jocosos y sádicos en un conjunto de “performance” magnificas, que le permiten a uno sentirse viendo cine y no televisión en pantalla gigante.

Como un plus, y notaran que soy muy repetitivo en esto, el relato es genialmente ambiguo, al mezclar los cánones del genero con la localia de una historia ambientada en una peligrosa ciudad y en un contexto muy rico gracias a esos pincelazos de magia negra, santería y premoniciones, tan nuestros, tan Colombianos.
Y bueno, démosle un par de meritos más al director, que supo ambientar a las mil maravillas esta ficción gracias a su fotografía amarillenta, sobreexpuesta, soleada, que se funde perfectamente con las sensaciones que se quiere transmitir al espectador. Por ello insisto en que la opera prima de este director es de lejos una de las películas más interesantes hechas recientemente y que demuestra que no es necesario romper y maniobrar excesivamente con los códigos de género para dar a luz a una idea bien fabricada.


7- Paraíso Travel (Simon Brand): Aunque al igual que en otros ejemplos, esta película se nutre de un tema cansino, desgastado y de por más molesto para la mayoría de personas que pedimos se haga un cine fuera de las habituales temáticos narco-sexuales. Lo cierto es que Paraíso Travel va en contra de ello, o mejor dicho va a favor de todo lo que conocemos como nuestro cine y nuestra realidad. Entonces sobre el papel no es más que otra historia de colombianos en búsqueda del sueño americano, ese sueño que nos han vendido como el gran cambio a nuestras tristes vidas tercermundistas.

Pero entonces ¿Qué hace a Paraíso Travel una película interesante o siquiera buena? Me atrevería a decir que es el reflejo fidedigno de la situación de cientos de compatriotas, y no solo nuestros sino de miles de personas de este lado del charco que huyen de sus hogares en búsqueda de una tierra que le brinde mejores oportunidades. Entonces me remito a que su fortaleza reside en el grado de veracidad que se imprime en esta ficción de amor que afortunadamente no camina con el color rosa y la meloseria barata sino que por el contrario se hace mas real porque como en la vida misma, las parejas cambian, las relaciones se acaban, las situaciones alteran a las personas.

No se exactamente a que se le puede llamar un cine muy humano pero si existiese dicha categoría creo que haría uso de tal apelativo para referirme a esta filme, porque personalmente me impacto mucho por lo visceral con lo que es contado, por supuesto que dentro de todo esta pensado en que genere esas emociones que a la final se transformen en taquilla, pero entonces me parece un objetivo bien logrado. Es decir, la propuesta esta bien efectuada porque el director es fiel a lo que quiere; una película con una narrativa muy colombiana que pueda ser vista en todo el mundo, e indudablemente cumple con ello. Cabe destacar que no estamos ante una historia que quiebre en dos a la cinematografía ni nada por el estilo, pero es innegable su factura perfecta, su excelente trabajo de guion, de interpretaciones (Margarita Rosa de Francisco, Angélica Blandón, Aldemar Correa) y toda su maquinaria en cierta manera hollywodense, pero no por ello mal realizada, todo lo contrario, emana profesionalismo en cada toma, y como sabemos, eso , en nuestra industria, ya es algo muy destacable.


8- Todos tus muertos ( Carlos Moreno): peliculón, de nuevo de Carlos Moreno, esta vez en un incidente aislado del recurrente conflicto armado, que devela una serie de caracteres muy autóctonos, muy del imaginario colectivo nuestro, y que desarrollan una proeza interesante en cuanto a la situación que nos plantea.
Esta película bien puede jactarse de plantearnos una situación extrema en la que se juega con la incertidumbre ¿Qué pasara? ¿Cómo acabará esto? Esas y más interrogantes que no son nada fáciles de crear y mantener en el séptimo arte están condensadas en este genial film en el que fortuitamente nada es predecible.

Y me reitero a mi mismo al decir que Álvaro Rodríguez es uno de los mejores actores de este país, un tipo que no ha necesitado una cara bonita o un padrino particular para mostrarse y deja r claro el grado de respeto que tiene por las artes escénicas.

Un plus que es necesario agregarle a todo esto, es que al igual que la estrategia del caracol todos tus muertos se pone la túnica de la denuncia, de señalamiento, de indicar con el dedo a una problemática que no podemos esconder mas y que carcome lentamente poblaciones y locaciones rurales de nuestro país , y por supuesto que proviene de la maquinaria corrupta que se ha tomado cada puesto público y cada rincón del estado.


9- Buscando a Miguel (Juan Fischer): Leí una crítica alguna vez en la que decía que esta película era algo así como una versión chibcha del cuento del fantasma de la navidad, y hasta antes de leer semejante “halago” no había reparado en que si, tal vez si, es muy probable que tenga algo d se cuento infantil, y de hecho es probable también que Buscando a Miguel no sea ni cerca la mejor historia del cine nacional.

Peor con esta tara tan grande de entrada sigo pensando que es una película muy honesta y muy sencilla también, quizá volviendo al tema del neto entretenimiento al que hacía referencia con “La pena máxima” aquí la cosa pueda aplicarse desde un `punto de vista menos académico y mas vivencial.

La magia de esta película radica en su simplicidad, en sus aires cotidianos, en llevar a la pantalla una historia mínima que podría pasarle a cualquiera en la calle. Es en un alto grado un cuento de la vida misma, que bien puede pertenecer a nuestro padre, mejor amigo o vecino de al lado.
En cierto grado también carga esa moraleja de vida que si bien no me apetece en la mayoría de los filmes, aquí viene bien dosificado, o tal vez no implícitamente estipulado, como alguien que te enseña a través del ejemplo en vez de sermonearte.


Y aunque queda claro que su intención no es la denuncia, termina haciéndolo, de manera colateral quizá, con las desgarradoras imágenes y turbias situaciones de su accionar. Es otro descenso hacia la Bogotá subterránea, la que hemos querido esconder por mucho tiempo pero que incontrolable mete se hace cada día mas grande, la de los marginados de la sociedad.


10- La gente de la Universal (Felipe Aljure): Película casi que histórica y obligada de la cineteca nacional, que muy seguramente todos hemos visto en algún momento de nuestras vidas. Destacada porque es la radiografía exacta de la idiosincrasia Colombiana.

Por mucho que nos duela, y aunque hoy en día existen cada vez más personas tratando de erradicar estos síntomas de la mal llamada malicia indígena, lo cierto es que La gente de la universal es el diagnostico final de lo que somos convertido en metraje.

Un desfile de personajes tramposos, desleales, ambiciosos, manipuladores, poco éticos pero vestidos con el cómodo traje del “echao pa adelante” es el resultado de esta película que sin ser una oda al arte audiovisual permite de una manera descarnada observar el comportamiento de una sociedad que hasta ahora comienza a ser consciente de sus errores.


Su encanto, para los mas nostálgicos, está también en ese banco de imágenes de lo que era la creciente metrópoli Bogotana a comienzos de la década de los 90, es ese un testimonio de la selva en la que se ha edificado esta nueva sociedad globalizada, que por aquel entonces aun se comportaba de manera parroquial y mezquina (no digo que ahora no).


Yo digo que vale la pena verla por el marco humorístico en el que está construida, que es de señalamiento a esas actitudes que han hecho de este país y sociedad lo que es, es entender los porqués del comportamiento de nuestra gente y visibilizar las conductas de este pueblo errante que por mucho tiempo vivió convencido de la burbuja en la que vivía.

CUANDO LAS BANDAS SONORAS SE VUELVEN UNA PELICULA APARTE

El otro día reparaba en la fiebre que causo hace poco el lanzamiento del videojuego GTA V para Play Station 3 y Xbox 360, y me encontraba con que el fanatismo despertado por ese universo de bits va mas allá de la jugabilidad, las posibilidades online o el banal hecho de robar carros y matar prostitutas (en el juego por supuesto). Resulta ser que hay una parte de la afición que se engancha profundamente con la música que dispone el juego a través de sus emisoras de carácter ficticio.

Lo comparto. Cuando llegue a jugar el San Andreas, hace ya muchos años, descubrí piezas musicales de gran valor como Young Turks de Rod Stewart o Mother de Glen Danzig. Solo existe una experiencia similar de descubrimiento musical y no puede ser otro que el asistir al cine.

Muchas veces, y esto es algo que celebro, las películas vienen acompañadas de soberbias bandas sonoras, a veces creadas exclusivamente para el film, otras como recopilación de canciones conocidas. De cualquier manera, muchas veces no reparamos poco en el poder de un soundtrack potente, que maximice las emociones y que se instale en nuestro recordatorio por mucho tiempo haciéndose un ancla de alguna escena o de un dialogo.
A fuerza de memoria y selección, he tratado de rescatar algunas de mis recopilaciones sonoras favoritas de las películas que no solo me encantaron por sus canciones, sino por ese paralelismo audiovisual, que consiguieron sus directores al incorporarlos.

1- DRIVE (2011): el film por moda y antonomasia de ese año. Queda claro que aquel verano de 2011 fue todo del Windign Refn y su tropa encabezada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Pero para mí también se anotaron otro punto de supremacía en los círculos cinéfilos gracias a ese potente soundtrack lleno de auras ochenteras y reminiscencias al synthpop. Fue un descubrimiento total que inicio con “Nightcall” de Kavinsky, una balada lenta y con olor a calle y peligro, digna representante de la película. Pero resulta ser que el OST, compuesto en su mayoría por Cliff Martinez, tiene también a su disposición colaboraciones de Electric Youth o de Desire , quienes dominan la escena retro-futurista que se ha instalado en Francia por estos tiempos.

El hallazgo no solo se quedo en una seguidilla de temas que te transportan a las aceras color neón de los años 80, sino a un género que viene en auge y que destaca por el virtuosismo de los teclados y los beats alusivos a los primeros videojuegos de hace 3 décadas, remasterizados con gran ímpetu por la ola electrónica de este nuevo siglo. La revelación de Kavisnky me permitió encontrarme con otros magos del synth de similar genio como Lazerhawk o MN1984

2- PULP FICTION (1994): Cuenta Wensley Clarkson en su biografía sobre Tarantino, que el genio detrás de Reservoir Dogs divagaba por las calles del Soho en Londres antes de la creación de su obra suprema, y en una discotienda, algo clandestina, se encontró con una canción que lo encandilo desde e l primer momento, esa no fue otra que “girl you`ll be a woman soon” de Urge Overkill, versionando al maestro de antaño Neil Young. Una vez sus oídos quedaron prendados con tal pieza, se propuso incluirla en un proyecto en el que trabajaba por esos días y cuyo nombre tentativo era Pulp Fiction. El resto de la concepción de esta obra audiovisual, símbolo de la cultura pop, es historia, pero a tal esfuerzo habrá que añadirle un capítulo especial, dedicado a la banda sonora, ya de por si clásica, de esta hilarante historia coral.

Agarrado de su infancia setentera, Tarantino resucita a Dick Dale y el mas desencarnado surf en la clásica escena de la cafetería, y continua apegado al género en los momentos en que Travolta se dopa y Jules desarma a los asaltantes esa mañana después de al fin obtener el maletín. Pero por si no fuera suficiente, se saca de la manga el enmarcable baile de Umma Thurman y el protagonista de “Grace” con otra rola para el recuerdo y ni hablar de las contribuciones de Kool & Gang y Chuck Berry que también añade a su obra maestra. El OST completo también incluye fragmentos de dialogo como el ya archireconocido Ezequiel 25-17 y otros tantos, lo que demuestra una multitarea del buen Quentin a la hora de componer con retazos de otros, su propia banda sonora, que lleva ese sello digno de el, de su vida, de sus experiencias, de su infancia y por sus puesto de su forma de ver el cine.

3- THIS IS ENGLAND (2006): A veces creo que Anarchy in the U.K fue la única canción que le falto a Shane Meadows en el repertorio musical de esta película, plagada de tonadillas punk que nos transportan a ese Reino Unido inmerso en Tatcher, las Malvinas y le movimiento Skin. En parte es obvio debido a la temática de la cinta, que se mese en dichos acontecimientos, pero por otro lado no es gratuito que a base de canticos setenteros nos impregnen con ese aire revolucionario que caracterizó al movimiento skinhead en la tierra de Lady Di.

U.K subs dice en una escena de magnifico montaje “ Warhead, warhead, warhead,” . No hace falta corear más, esa palabra es la esencia pura de la película, es el estribillo de fondo de la vida de los personajes.
Pero ojo que no se queda acá, él reconoce que el movimiento Mod, al que se hace alusión en la película, tiene ascendencias jamaiquinas, y lo deja ver con piezas de Toots and the Maytals y también es consecuente con la época en la que se desarrolla la historia incluyendo temas clásicos de principios de los ochenta como “Come on Eileen” y “Tainted Love”

4- 500 DAYS OF SUMMER (2009): Si ya decía que Drive había sido la reina de los entornos fílmicos en 2011, unos dos años atrás ese lugar le perteneció a esta película, la comedia romántica por excelencia de la nueva generación. Un relato del desamor y las ilusiones que engendró un soundtrack que por sí solo define al film, y no solo eso sino que el apartado sonoro bien podría ser el abanderado de una subcultura hipster en acenso.

Tiene todo lo que pueda hacer alusión a la atmosfera alternativa. Desde Morrisey y sus eternos Smiths, pasando por los clásicos Hall&Oates, hasta los pianos indie de Regina Spektor y las guitarras rítmicas de Temple Trap
Marc Webb consiguió, consciente o inconscientemente, reinventar el género a base de canciones reclamadas por una audiencia joven, amante de lo retro, pero también urgida de nuevos talentos. La fusión de ambas vertientes desencadeno en que el lanzamiento de este OST estuviera presente en el puesto 42 de los Billboard 200 de Estados Unidos.

5- MATRIX (1999): La declaración de los hermanos Wachowski a la hora de componer su banda sonora es clara, “Esta es la nueva era de la tecnología” y queda claro que con semejante aseveración no cualquiera podía encargarse de hacerla musical. Por eso aparecen los jefes del metal industrial, su santidad Marylin Manson, el rey Rob Zombie y sendos exponentes como son The Prodigy y Rammstein. Las guitarras adornadas de la distorsión electrónica, las voces alteradas por los sintetizadores y toda el aura andrógina se hacen presentes en la meticulosa selección de pistas que acompañaron a Neo en su salvación de la humanidad.

Sabe a peligro, a oscuridad, a final de los tiempos, el OST de la primera entrega de la saga tiene aroma a revolución tecnológica, a microchips, a cables conectados a tu cabeza, a todo lo que el argumento de la película se ha encargado de exponer. Pero incluso va más allá, te pone en estado de alerta, te hace creer que realmente existe una esfera apartada de tanto avance digital y masificación de datos, te hace pensar que somos más que ceros y unos en los sistemas de registro. Debo decir que escuchar todo el copilado de canciones de lleno es vivir la película nuevamente sin la necesidad de estarla viendo
El doble crédito es que han sido unos genios a la hora de poner a sonar en su metraje, composiciones bastante comerciales que podrían insinuar un deseo por vender compact disc por parte de sus directores, pero que realmente nacen para hacer parte de esta obra maestra de la ciencia ficción. La jugada es sencillamente acertada.

6- TRAINSPOTTING (1996): Ante una más de esas obras cargadas de referencias ochenteras no puedo hacer mucho. Debo admitir que la música de la mejor década de la historia es una de mis debilidades. Sin embargo esta se haya justificada, en gran medida gracias a la diversidad de situaciones que le acompañan.
¿Quién no ha soñado con huir de la policía al ritmo de un irreverente como Iggy Pop? o de encontrar a una pareja perfecta para esa fiesta mientras Temptation de New Order suena de fondo, y ¿que tal llevarla a tu departamento mientras Atomic de Sleepers les acompaña en el auto?. Bajo esos códigos puedo desglosar miles de situaciones de la película de Danny Boyle y me extendería en demasía, cosa que no necesito hacer para transmitir todo el potencial tan insolente que significa ver este filme de adictos, situaciones jocosas y brit-pop de antaño.

7- GOODFELLAS (1989): No podía dejar de lado a uno de los realizadores que más esmero siente a la hora de componer sus magnas bandas sonoras que se entremezclan vertiginosamente con la edición. Hablo del maestro Scorsese, que de la mano de su montajista de toda la vida, Thelma Schoonmaker , han conseguido una vasta cantidad de metraje perfecto en el que sonido e imagen hacen una danza esplendorosa al ojo y al oído de quien se preste.

Es bien conocido que Martin tiene una devoción hacia la buena música, sus documentales acerca de Bob Dylan o los Rolling Stones dan fe de ello, pero en 1989 pone en marcha toda la influencia italoamericana para hacerle cortinilla a los buenos muchachos que son personificados por De Niro, Joe Pesci y Ray Liotta en su carrera por el poder de las calles neoyorquinas. En la pandilla de intérpretes también se lleva a otros buenos muchachos; Tony Bennet, The Chantels, The Harptones o Aretha Franklin que con ese Blues, Góspel y clima citadino decoran honrosamente las fechorías de los gangsters del East NY.

8-BATMAN, THE DARK KNIHGT RISES (2012): Solo existe uno, un solo aspecto en que la última entrega de la trilogía le hace sombra a su predecesora. Por supuesto es la banda sonora, que nuevamente, al igual que las dos anteriores películas, corrió por cuenta de Hans Zimmer, uno de los compositores más respetados de Hollywood. Gracias a dichos acordes, la música consigue transmitir toda esa tensión y caos que se avecinan de la mano de Bane hacia Gotham City.
Si bien dichas canciones no distan mucho de lo que hemos escuchado de fondo en Batman Beggins y The Dark Knight, al igual que en películas de soundtrack similares (Piratas del Caribe, Ellysium) siento que en esta se respira un ambiente mas sombrío y tenebroso que las otras dos, que la conjunción de imágenes y esos sonidos sinfónicos se alinean con perfección en esta última entrega del caballero oscuro.

9- AMERICAN PSYCHO (2000): Seguro que a muchos no les va muy de la mano el hecho de escuchar a Huey Lewis & The News en una escena de homicidio, o de que New Order haga de cortinilla a una línea bastante sádica de un asesino en serie. Seguro que no, sin embargo Marry Harron lo imagino así, y creo que le dio resultado para retratar no solo a un hombre sino a una época en el violento thriller American Psycho de comienzos de la década pasada.

La obra está basada en un libro que se ubica a finales de los 80 (lo sé, perdón) en plena ebullición tecnológica y monetaria, con los chicos queriendo ser remedos de Gordon Gekko en Wall Strettet y sintiéndose amos del universo gracias a su habilidad con las cifras y los números. En ese contexto aparece este hombre, capaz de quitar vidas a ritmo de Robert Palmer, De cercenar cabezas con Genesis o de simplemente recrear dibujos grotescos de la mano de Chris de Burgh. Todo ello sin remordimiento alguno, con una frialdad pasmosa que contrasta con estos hits del pop y el disco de dicha época. No contento con ello, las alusiones de sapiencia musical, a las que recurre el protagonista para iluminarnos con su inmersión en la cultura pop son dignas de enmarcar y enlazan ese círculo que hacen los hits de radio, la sangre y la mirada fría de Patrick Bateman.

10- SCARFACE (1983): Cuando pienso en Scarface lo primero que se me viene a la mente es Push it to the Limits de Giorgio Moroder, en primera instancia porque la escuche hasta la
saciedad, en segundo grado porque su letra y su ritmo es el himno de toda la maldita película. Es estar dispuesto a todo por un sueño (aun cuando ese sueño sea volverse el traficante más despiadado de Miami Beach)

Sin embargo este retrato del hampa, remake de la cinta de Howard Hawks, no solo está con su onda italo-disco presente en esa canción. También lo hace con la incursión de Debbie Harry, de Elizabeth Dailly y de la misma María Conchita Alonso en una oda al crimen con vista al mar (nada que ver con la película colombiana) en la que las damitas en patines y los tipos en plan de galanes latinos eran pan de todo el día y la motosierra como método de castigo apenas se ponía de moda

Pacino se pone el papel de desmesurado “drugdealer” en esta adaptación, que poco tiene que ver, tanto sonora como narrativamente con su predecesora, pero a la que se le agradecerá toda esa banda de canciones perfectas para bailar en las discotecas ochenteras repletas de latinos en busca de oportunidades. Aquí, al igual que en otras, las pistas hablan por sí solas, haciendo un hueco en el imaginario colectivo, mas sin embargo consigue, como suele ser habitual en el director, llevar a cabo una práctica que se repetirá con los años en la industria, y que no es otra que dotar de vanguardismo a las más viscerales escenas de violencia.

¿PORQUE NOS GUSTA TANTO LA TRILOGIA DE EL PADRINO?

Hay películas que trascienden sus propias expectativas y se instalan en lo profundo del inconsciente general. Abandonan los carretes para adherirse a la cultura general, ya sea por sus potentes historias, entrañables personajes o situaciones memorables.

Creo que de ese selecto grupo, una de las cintas que mejor resiste el paso del tiempo, y que además se ha hecho un hueco en el imaginario colectivo es la saga de “El Padrino” de Francisc Ford Coppola y Mario Puzzo. Obra compuesta por tres entregas y que a través de 60 años, retrata los entrecejos de una familia ítalo-americana en su ascenso al poder.

No voy a ahondar en momentos de carácter argumental, sino más bien a tratar de propiciar una visión más general de porque esta triple entrega genera tanta emoción masiva desde el instante de su estreno, por allá en 1972.

Nos encontramos entonces con una serie de elementos que atrapan a todo tipo de espectador, pues bien se puede ser un total ignorante en materia cinematográfica o todo un experto en el bagaje del séptimo arte, y aun así coincidir y disfrutar de dicha historia, lo cual nos muestra que este relato tiene tintes universales que escapan a la sectorización del público. Dicho sea esto, aquí desgloso las razones por las que creo que nos gusta tanto "El Padrino"

El deseo de Venganza: Está grabado a fuego en el ser humano desde épocas inmemorables el deseo de revancha. Es una sensación que nunca ha sido ajena a ninguna cultura a través de la historia y por la que se ha derramado sangre tanto en la vida real como en la ficción.

Ese inherente y primitivo anhelo de desquitarse o de tomar parte en una ofensa, es algo que el hombre saborea y desprecia en igual proporción, pero sea cual sea la cultura, religión, o circunstancia, todos hemos experimentado alguna vez las incombustibles ganas de equiparar la balanza y devolver con creces lo que consideramos daños que se han hecho contra nosotros.

En el cine muchas películas descansan sobre este visceral deseo como mayor propósito de la trama. Una venganza que puede ser personal (Taken, Gran Torino)  Social (V de Vendetta) o un poco de ambas (El jardinero fiel). De cualquier manera, el camino de la búsqueda de compensación es algo recurrente en la historia de los Corleone, quienes no solo la efectúan para sí mismos sino se prestan como brazo ejecutor a favor de otros que lo solicitan.

En las 3 películas vemos como aquella frase de que “La venganza es un plato que se sirve frío” es aplicada en toda la regla por Michael, quien se muestra inmisericorde y calculador a la hora de llevar a cabo vendettas que quitan del camino a enemigos que le han ofendido, incluso llevándolo a extremos como la aniquilación de su propio hermano.

Justicia propia: Ligado al punto anterior. Si hay algo que el ser humano a buscado hasta la saciedad desde que vive en sociedad, es precisamente la justicia. Primero atribuida a los dioses, y posteriormente ejercida por personas a las que se les ha encargado esta labor, el tiempo nos ha mostrado que dichos designios han dejado de ser incorruptibles y cada vez se siente más difícil el acceso a una justicia verdadera que equilibre el orden del universo.

Vivimos en una sociedad donde los políticos y la gente que se supone nos protege, es quien más crímenes comete, y encima de todo ello, tiene  el descaro de llamarse pulcros cuando roban y asesinan en nuestras narices. Es por ello que el humano moderno ansía contar con los métodos para llevar a cabo una justicia por mano propia, a sabiendas de que los mecanismos institucionales flaquean a la hora de otorgársela.

Allí es donde la figura del Padrino, primero personificada en don Vitto, y posteriormente en Michael, se muestra a  los demás como un proveedor de verdadera equidad. Un ente que ejercerá de verdugo ecuánime si acudes a el.

Las fiestas de la trilogía nos dejan ver despavoridos hombres y mujeres que buscan que se haga cumplir la rectitud en el mundo y que se cobijan en la figura de los Corleone como hombres sabios, que harán justicia por ellos. Hombres que escapan a la corrupción y los oídos sordos de la policía y el gobierno, como lo corroborará Bonasera en la primera entrega.

Y claro, Coppola y Puzzo saben dosificar esa bondad con guante de hierro. Por momentos pareciera que esta familia proveniente de Sicilia no es más que un acto de bestias salvajes, pero luego se reivindican ayudando y protegiendo a la comunidad en la que viven, ya sea en New York, Las Vegas, Los Ángeles o la misma Sicilia. Es difícil que el espectador  no se identifique con unos hombres que tiene  los medios para ejercer la retribución que pides, y que encima de ello te traten de la mejor manera posible.

El ascenso al poder: La maratónica carrera de nuestros días esta principalmente ligada al ascenso al poder en una u otra manera. Ya no vale querer tener una casita, con un jardín afuera y un perro pequeño que juegue con tus hijos. El modo de vida actual nos obliga a seguir subiendo peldaño tras peldaño aún cuando ese no es nuestro deseo. Y en ese orden de ideas lo que muestra la familia Corleone es indudablemente la subida a la cúspide de una manera que muchos envidiamos.

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Proveniente de la nada. Don Vito Corleone aparece en la segunda cinta, como un italiano más en una  época austera, quien debe abandonar su propio país y llegar sin un centavo a una tierra de la que no conoce ni su idioma. Poco a poco el joven trasalpino se hace con un empleo corriente y una vida sencilla, pero la oportunidad, disfrazada  problema después de ser despedido, es lo que lo hace reaccionar y darle otro enfoque a su vida

Ya no hay trabajador de una tienda de frutas sino un hombre dispuesto a ciertas durezas para reclamarle al mundo lo que el cree le pertenece. Y vemos como de a poco se hace un nombre en las calles, a través de prácticas ilegales, evidentemente, pero también a través de un liderazgo e inteligencia natos.

Esos rasgos calaran en su hijo Michael, quien lleva a la familia a un grado mayor  de dominio, y posteriormente a un fallido intento por legalizarles en el mundo de los negocios. Historias como la de Vito las hemos escuchado miles de veces en otros protagonistas (Steve Jobs, Henry Ford, Diego Maradona...) y sus potentes narraciones a las que es muy difícil escapar, sobretodo porque nos identificamos fácilmente con los escollos que los hombres han tenido que pasar en su camino a la gloria

Es la personificación del camino del héroe de Vogel. Una serie de pruebas que le dan un halo de superioridad y una justa recompensa, a quien las sortea.

En la cultura cinematográfica estas historias generan poderosos vínculos, bien puede ser por caminos erróneos (scarface, Blow, Uno de los nuestros) o por lo que se podría llamar la senda del bien (Forrest Gump, El gran pez )

El código de honor: un punto clave, por el que creo inicialmente que esta imagen de Cossa Nostra, resulta más poderosa y atrayente que otras tantas símiles, como lo son la de traficantes de drogas colombianos o mexicanos, que tan de moda están en el panorama audiovisual

El mundo en el que se desenvuelve la trilogía, es de unos criminales con modales, peligrosos si se acercan a ellos, pero con una serie de principios y de valores que consiguen una conexión con quien les ve. Son seres despiadados que ejercen austeros trabajos, pero que a su vez, velan por sus familias, por sus tradiciones espirituales, y por ciertos ritos de apoyo mutuo entre cofrades (como entre italianos por ejemplo)

Esos mimos seres son capaces de alzar un imperio en el juego y la prostitución, pero de igual manera  de rechazar un negocio lucrativo cuando sienten que este atenta contra sus principios (como Vito Corleone en la primera parte)

Obviamente parte del mensaje de Coppola y Puzzo recae en el hecho de que el crimen no paga, y nos lo muestran en las 3 piezas de esta obra, pero a su vez siempre hay una camaradería entre personajes que tienen valores, y que los hacen mas profundos.

En un punto, por citar un ejemplo, Michael será un hombre vacio de alma que solo se mueve por intereses monetarios y de dominio, pero sus más cruentas acciones vienen acompañadas de ofensas muy fuertes a su credo personal ( Fredo traiciona su lealtad y Kay su estructura familiar)

No busco humanizar a criminales, se a cual sea su procedencia, pero la época y el ambiente en el que están ambientadas las películas del Padrino nos dejan ver personajes palpables, poco estereotipados, de carne y hueso, y que aun cuando erran, lo hacen movidos por una filosofía propia y un código grupal que los separa de un burdo delincuente tradicional

En este apartado cabe señalar que tanto el guionista como el director le han dotado a la mayoría de los caracteres de la organización, un aire de elegancia y misterio en iguales proporciones. Dos adjetivos poco aplicables a la imagen de mafioso local que reina en estos días

La Familia: para quienes vivimos en familias numerosas será una fuerza muy atrayente en esta triada fílmica la de la composición familiar de los Corleone, sobretodo en la primera parte.

El mundo diegetico de la cinta nos introduce en  un clan numeroso, y que se apoya mutuamente. Lleno de diferentes personalidades que se compaginan entre sí bajo el básico amor entre conyugues. Es difícil no escapar a la identificación propia y de la familia misma al ver a Sonny en el papel de buscapleitos, a Connie como la protegida por sus hermanos, a Michael llevando la contraria  a la tradición de los Corleone, al torpe y poco hábil de Fredo o al Don ejerciendo su mando desde una de las salas de su casa. Todas son situaciones incrustadas en la memoria propia que nos son más que conocidas porque las hemos vivido de alguna manera

Pero esta es una familia que rescata valores clásicos de la sociedad de principio del siglo pasado, y que se ha vendió perdiendo con el tiempo. Dichos valores como la unidad, el respetó de hijos a padres o los negocios familiares son códigos tradicionalistas que se han modificado y quebrado con la industrialización del mundo y que son difíciles de hallar en nuestros días

Creo que todo se resume en  los momentos en que se congregan a cenar. Esas simples escenas develan todo el entramado de relaciones que hay en esta estirpe siciliana. Una mesa con comida es capaz de reunir a padres, hermanos, nietos, sobrinos, hijos adoptivos e incluso a amigos de la familia. Todos, en el rito de la alimentación olvidan por un momentos sus problemas externos y entre si y se entregan al cálido momento de compartir instantes con los seres con los que también comparten su sangre.

10 PELICULAS QUE DEJE DE VER UNA VEZ INICIADAS

Si bien en muchas ocasiones la experiencia cinematográfica se traduce en ver una peli y luego arrojar juicios de si te gusto o no, en otras ocasiones, no tan frecuentes eso sí, se da un hecho peculiar, el abandono de la proyección. Pues ya sea en un cinema, en la casa, o en el peor de los casos frente a un dispositivo móvil (tipo ipod) en determinados momentos el cuerpo, la mente y el alma te obligan o te suplican salirte de lo ocurrido y sencillamente dejar el film a medias. Muchas veces las razones son claras y contundentes mientras que en otras son asuntos externos a la peli los que provocan la marcha. Pero sea cual sea el motivo, quienes disfrutamos del cine al menos una vez hemos huido del correr del metraje para volver a la rutinaria vida diaria. En mi caso, recuerdo 10 de aquellas experiencias (pueden ser unas más) y se las presento a continuación:


1- Los juegos del destino: Fue en su apogeo como cinta de corte independiente que me decidí una tarde, junto a mi novia, ver esta peli que por aquel entonces ya sonaba con fuerza para arrebatar estatuillas en los Oscar. Debo confesar de que el hecho de ver en el cartel al mediático Bradley Cooper (una nueva versión de Matthew McCounaghey) me presagiaba dudas sobre lo que me podría encontrar en la sala del cinema. Y una vez en ella, me choque con una de las películas mas sobrevaloradas de los últimos años. Ríos de tinta y mares de páginas se habían escrito sobre este experimento según el cual muchos aunaban una grandiosa interpretación de Cooper la cual yo jamás logre ver. Y si bien la historia nunca me atrapo en lo mas mínimo, debo decir que lo peor que pude ver que tenia Silver Linings Playbook es el descaro de destrozar a un ídolo de ídolos como lo es Robert de Niro, como si no hubiese bastado ya con hacerlo pedazos en The Foggers.
Al final, después de una hora y algo más de metraje, y de lo desesperante que se estaba tornando para ambos, decidimos salirnos de la proyección ignorando el final de la misma, cosa que hasta el día de hoy no nos ha hecho falta saber



2- 7 sicópatas: Aquí en Colombia, la cinta apenas duro un fin de semana en cartelera, lo cual seria un indicio sobre su calidad. Pero como yo no me fio del publico nacional (el cual generalmente prefiere la basura que una buena producción) pues seguía con las ganas de verla. Un par de meses después, la película me cacho desprevenido en formato DVD y me decidí a comprarla.
Casi como un ritual, prepare comida, una buena luz en mi hogar y todo lo necesario para disfrutar de ella, pero oh sorpresa que aquello nunca paso. Y ojo que tenia a Colin Farrell, Woody Harrelson y a Christopher Walken en nomina, lo cual presupone un buen producto a la vista.
Sin embargo me toca decir que era una historia forzada, de humor tonto, y con una retahíla de chistes que parecían querer sacarte las risa a la fuerza, casi que apuntándote con un arma. Fueron 35 minutos si no me falla la memoria, y después de ello me decidí por completo a darle stop al reproductor, y a ver otra película, así fuese repetida, no importaba, la idea era básicamente sacarme de la cabeza una historia que me había ilusionado bastante en el tráiler sin concretar algo, como muchas veces suele suceder

3- El honor de los Prizzi: En cierta ocasión, y hambriento de cine negro, de gangster, de matones, humo en las calles y femme fatals, decidí encargarle mi gusto a una amable chica de una biblioteca esperando que ella pudiera recomendarme cintas que yo no hubiese visto sobre el tema. Cuando en un inicio me manifestó no saber a que me refería cuando dije “cine negro” y luego tuve que explicarle, debí haberme detenido. Pero no, le permití que me aconsejara algunas pelis sobre el tema sugiriéndome entonces dos opciones que acepte sin refutar. Una de ellas era el Honor de los Prizzi, con un sonriente Jack Nicholson en la portada y cuya sinopsis hablaba sobre una familia muy similar a la de la Cosa Nostra de “El Padrino”
Pero las sorpresas estaban a la orden del día, primero, al ver que era una comedia negra, cosa que me costo entender pues parecía no esforzarse mucho en demostrarlo. Segundo, con una serie de hechos en la trama que me estaban pareciendo ridículos por decir poco, y por ultimo, una combinación de factores que la hicieron aburrida y sosa en los 40 minutos de atención que le otorgue a esta producción. Así pues, y un tanto desesperado, me avive a detenerla, y a jamás verla nuevamente, pero sobretodo, a no dejarme llevar por las recomendaciones de las bibliotecarias, que aunque con muy buena disposición, poco sirvieron a mi intención por llenarme con el cine que a mí me gusta



4- Munich: Hubo una época en la que estaba ansioso por ver películas de temática nazi, socialista, racial o de temas referentes, y gracias a ello llegue a algunas muy buenas como “Los Falsificadores” o “La Ola”. Dicho afán, me llevo un día a hacerme con los servicios de una pelicula dirigida por el muy respetado Steven Spielberg cuyo título era más que sugerente. Munich.
Sin embargo, el gran Spielberg creyó que era óptimo burlarse de mí, y quien sabe de cuantos otros tantos espectadores, al presentarme una historia en la que un escuadrón de judíos llamado El Mosad, salvan al mundo de los villanos habituales del siglo XXI. Los islamitas.
La película parte de un hecho histórico, e ignoro hasta qué punto es fidedigna a el pero en lo que logre ver (unos 25 mins aproximadamente) asistí a algo así como una emancipación del pueblo judío, una especie de sentimiento patrio que a los estadounidenses tanto les gusta. Un dato más, el guion es hecho por hombres de aparente origen judío (Tony Kushner y Eric Roth) y aunque no quiero sonar antisemita, eso ya habla un poco del tono de la peli
Aun así, hace poco leí que cuando Munich salió a cartelera recibió serias críticas por querer humanizar a los terroristas palestinos y por vender a los judíos como asesinos despiadados, lo cual contradice totalmente mi impresión inicial y me induce a entregarle dos horas y media de mi vida para apréciala completamente y replantear mi juicio


5- Miedo y Asco en Las Vegas: Con el dolor del alma tengo que decir que contrariando a muchos que ven en esta peli un espectáculo grandiosamente bien logrado de virtuosismo visual y revolucionaria estética, a mi no me atrapo en ningún momento. Y ojo que no soy un tradicionalista y que la vanguardia en el cine siempre me ha llamado
la atención, pero quienes me conocen saben que si eso no va acompañado de una buena narrativa no me cautiva en lo mas mínimo
Terry Gilliam es un admirable creativo que merece mi respeto (Monthy Python, Doce Monos, Brazil ...) pero sinceramente Miedo y Asco en Las Vegas no me llega en lo mas mínimo. Me parece una muy bien lograda propuesta experimental pero con una narrativa aburridísima, comenzando por ese papel de documentalista que encarna Johnny Depp, con su manía terrible de narrarlo todo en la más de media hora que logre ver de la película.
Debi visibilizarla hace más de un año, no sé si quizá viéndola nuevamente la pueda captar distinto pero en cualquier caso me pareció tediosa, algo pretenciosa y sofocante con tanta edulcoración visual. Recuerdo que tuve que detenerla y descansar un rato porque me resulto desgastante y probablemente no soy el único que la encontró con esos ojos



6- Diario de un Skin: Al contrario de las anteriores, de esta si puedo decir sin temor a equivocarme, que es una de las peores películas que se han hecho sobre el tema. Fabricada en una entorno de supuesta veracidad, con unas actuaciones terribles, unas situaciones forzadas y una indocumentación absurda sobre la temática skin, no pasaba un segundo en que no me sintiera viendo una telenovela.
Recuerdo que llegue a ella en mi etapa de cine Nazi, y también por recomendación de un amigo, y luego de entregarle 45 minutos de mi vida aun pienso como es que la conservo intacta en mi colección de pelis en vez de a haberla arrojado a la basura de inmediato.
No sé qué tipo de sensación habrá tenido la comunidad skin (española o internacional) pero para mí esta película es una burla total y un genuino abuso del estereotipo desgastado (y ojo que no estoy defendiendo a los calvetes)


7- El señor de las moscas: Cuando la vi en posesión de mi distribuidor de películas (algo así como un movie dealer) sabía que no era la clase de película que estaba buscando en ese momento (sin juzgar si se veía buena o mala) pero aun así la adquirí, en especial por aquel referente que había en un capitulo de Los Simpson (“y al final fueron rescatados por digamos, eh… Moe”) y ello me suscito una ligera curiosidad.
La puse en el dvd aquella noche y por desgracia no tuve la concentración o disposición suficiente para verla completa (una hora y algo mas fue lo que vi) además de que en un momento fuy largamente interrumpido por atender la charla con un amigo que llamaba a la puerta
No tanto por mala, aburrida o predecible (tampoco era la gran película ni mucho menos) pero sin duda si era una cinta interesante a la que no le preste la atención debida. Creo que es quizá la única de las mencionadas que sinceramente me arrepiento de haber dejado a la mitad.


8- Hitchcock: Este episodio lleva consigo una recomendación. No vean películas a altas horas de la noche y mucho menos después e haber tenido una dura jornada laboral y de haber ingerido algunas cervezas previamente. Lo digo porque todo ello influyo en mi decisión de salirme de la sala y dejarla visualizada a medias.
Una vez más, con mi novia nos aventuramos a ingresar a una función tardía de esta película dirigida por Sacha Gervasi, con la firme intención de asistir al biopic de un genio del séptimo arte. No paso mucho entonces para que los factores anteriormente mencionados junto al soso ritmo que establece el metraje en los primeros minutos surtieran efecto y nos entregaran a los brazos de Morfeo.
Aun hoy en día ignoro cuanto dormimos, por lo tanto, ignoro también cuanto vimos o dejamos de ver de la película. En cualquier caso la biografía del maestro del suspense quedo a medias en nuestras cabezas. Entrecortada y transformada por nuestras mentes en una narrativa episódica en vista de que el sueño nos gano en varios pasajes del film hasta que por dignidad y respeto decidimos marcharnos de la proyección


9- Crazy Stupid, Love: Por supuesto que no podía faltar una película 100% mainstream, una de esas comedias románticas hollywoodenses. Aunque yo soy muy reacio a este tipo de films y muy rara vez me atrevo siquiera a ver una de ellas, con esta se conjugaron el aburrimiento y el insomnio para hacerme una mala pasada.
La recuerdo ahi, estática, en el diván de pelis de mi casa, y recuerdo a Ryan Gosling en portada (por aquel entonces había visto Drive y había una ligera reverencia a este actor) entonces dije “¿Por qué no?”
Hoy me pregunto “¿Por qué si?” pues después de 40 minutos sentí una profunda necesidad de apagarlo todo, ir a dormir y tratar de olvidar lo más rápido posible lo visto que no era otra cosa que situaciones previsibles en la comedia, el típico tonto que quiere ligar y una especie de amo de la seducción (tipo Tom Cruise en Magnolia pero menos emotivo) que se apilaron en un apartado de mi cerebro reservado para “Cosas para criticar de las películas”
He tenido buena suerte porque al día de hoy no me acuerdo de casi nada de la trama, y les aseguro que falta no me hace en lo mas minimo


10- Beowulf: Para el año 2007 yo aun andaba en combo de amigos de barrio, y en ocasiones nos reuníamos a ver films en casa cuando el presupuesto no daba para una incursión multitudinaria a la sala de cine. En cierta ocasión nos decidimos por una cinta que tenía buena pinta por esa magna combinación de elementos medievales fantásticos y buenos efectos especiales. Su nombre era Beowulf. Así que acudiendo casi que de una manera iniciática a la casa de un amigo, nos congregamos con comida en mano y el volumen de la tele a reventar
Hasta ahí todo bien porque lo que sigue es una laguna de imágenes que no me alcanzan para justificar las razones por las que abandone la proyección casera de Beowulf. Evoco el tono oscuro de la imagen (que no era culpa del tv), también el típico “Uyyy” cuando Angelina Jollie salía en escena, y por ahí divaga en mi mente una pelea entre el protagonista y una especie de monstruo-bebe. Por lo demás hay abruptos huecos en mi cabeza, pero eso sí, recuerdo muy bien que después de más de media hora fingí sueño y me marche, dejando a mis amigos con su película, que creo tampoco les estaba causando mucha emoción.
Como otras experiencias aquí citadas, nunca supe si la terminaron de ver, o si les había gustado. De hecho jamás supe quien carajos era Beowulf, lo que no deja muy bien parado a mi sentido de la comprensión

EN LOS FAUCES DEL TERCIOPELO AZUL

Esta entrada contiene partes del argumento de la pelicula. Si no la ha visto, le recomiendo que lo haga antes de leer estas notas

El problema con el Hype (sobresaturación de atención a algún producto o artista) es que muchas veces magnifica o glorifica cosas que están apenas bien hechas. Últimamente ese fenómeno es recurrente en canciones, películas, músicos, cineastas y demás. Pero no por ello es nuevo, de hecho es una práctica recurrente en la industria del espectáculo de hace varios años, y que se ha engrosado desde que las redes sociales hicieron su aparición y le dieron voz y voto a personas del común

Debo confesar que del respetado cineasta David Lynch solo había visto una película, la archi reconocida “Eraserhead”  de 1977 , cinta que vi hace ya varios años y que si he de ser sincero no recuerdo al detalle, aunque si mantengo una impresión sombría, surrealista y perturbadora de dicha película. Con dificultad olvidare alguna vez esa inquieta escena del pollo en la mesa que es capaz de producir asco y fascinación en iguales proporciones

En cualquier caso me decidí la semana pasada a ver una de sus  “performance” más comerciales. La producción de 1986 Blue Velvet, o como se le conocería en español “Terciopelo Azul”. Historia que cuenta con actuaciones de Isabella Rosselini, Denis Hopper y Kyle Maclachlan  entre otros tantos y que en su momento había sido aclamada por la crítica y llevada por el “Hype” a estandartes de película de culto. Esos fueron motivos más que suficientes para decidirme a ver dicha historia

Y es acá cuando siento que ese Hype, ese espectro de aficionados, cineastas y otros tantos es capaz de endiosar a cosas que dudosamente puedan merecer tal estatus. Me pasa mucho con esta cinta, una cinta de la que esperaba mucho más, ya sea por su director, por su oscuro tráiler, por los comentarios escuchados y leídos, o simplemente por un titulo desorientador que da pie a varias interpretaciones.

A modo muy personal, Blue Velvet es una película bastante tradicional en su género de cine negro. Con una estructura ya vista muchas veces, un relato básico de crimen, de policías y ladrones, de buenos y malos que no ofrece mayores motivos innovadores. En resumidas cuentas El Terciopelo Azul es la típica película de un misterio por resolver, pero adornada con un par de elementos bizarros

Y digo adornada porque dichos elementos no alteran en gran medida el desarrollo de la historia. Un secuestro bastante extraño (el cual poco se esclarece), una mujer perturbada que tiene una aparente tendencia al sadomasoquismo, un protagonista que insinúa ser un voyeur por instantes, un antagonista con visos de dominación y perversión sexual, un agente de la policía involucrado en una red criminal, un bandido con aparentes dotes de interpretación . Todos son elementos riquísimos que nuca termina por ser completamente explotados y da la apariencia de que solo sirven para decorar de manera freak un resultado final fácilmente comestible.

No voy a meterme en terrenos de análisis del director porque sería un irrespeto tratar de hacerlo cuando solo he visto dos de sus películas, pero si puedo ahondar en mis impresiones hacia este  Terciopelo Azul que arranca bastante escueto  a mi modo de ver, con una serie de cosas que no me cierran y que me resultan forzadas, como el hecho de esa improvisada relación entre Jeffrey (Machlahan) y Sandy (Dern) y su póstumo romance salido casi que de la nada. Tampoco me acaba por cerrar la motivación del protagonista en adentrarse a ese mundo sórdido, cosa que hace casi porque al director le ha dado la gana más no porque el personaje parezca interesado en tal.

Y tras un primer acto flojo y simplista a mi modo de ver, llega esa escena del departamento de Dorothy (Rosselini) en la cual Jeffrey es primero testigo del magnético momento en que Frank, interpretado por Denis Hopper, hace aparición, y llega con fuerza, con tanta fuerza que te dan muchas ganas de saber más sobre ese personaje, y acto seguido, con su inicio de relación con Dorothy, esta cantante de oscuro pasado e intimidantes reacciones. Desde acá el mejor momento de la película, y a su vez el que permite que el resto de la cinta carezca de gracia e  hipnotismo. El clímax no está ni cerca de contener toda la tensión que lleva la escena previamente mencionada

Cabe destacar que conforme avanza la cinta, te quedas esperando mas dosis de esa insinuación inicial de caracteres tórridos y consternados por una sexualidad atípica. Pero creo que nunca llega, se muestra sutil por instantes, pero siempre como complemento a la trama inicial que personalmente me dejo de importar en gran parte de la cinta. Habían momentos en los que me decía “a la mierda, yo no quiero saber nada de la desaparición de esta gente ni mucho menos, lo que quiero es seguir conociendo mas ese mundo malsano que se asoma con el bar, con los matones, con ese delincuente que se toma el micrófono en un momento y arroja uno de los instantes mas fenomenales de las dos horas de metraje”

De ahí para delante es poco lo que hay que decir, se cierra la trama, se resuelven los cabos sueltos (con una rapidez pasmosa como quien quisiera acabar la película) y el epilogo es dulzon a mi modo de ver, como contradiciendo todo lo anteriormente visto

Como conclusión. Blue Velvet es el cuento contado miles de veces, pero chispeado con toques de mundo underground, que aunque funcionan y son trepidantes, no consiguen fortalecer un relato típico y por muchos momentos, predecible. Mi siguiente paso será ver Mullholland Drive, del mismo director, y con estéticas similares. En ese punto ya podre darme una mayor idea de la visión de Lynch sobre el mundo de las calles. Hasta entonces debo decir que no me seduce mucho esta impresión inicial, veremos que sucede.