"No filmes con niños ni con perros" ¿Quién no ha escuchado esta santa premisa en el mundo del cine?
Resulta que hace ya un par de meses, nos embarcamos con un grupo de compañeros en la realización de un corto, a priori bastante sencillo. Y todo pudo salir así, de no ser porque al genial guionista se le ocurrió meter en la trama a un niño y más tarde a un perro. ¿Adivinan quién era el genio detrás de esas ideas? Pues sí, era yo.
Aunque el resultado aún no esta terminado, si deja ver grandes rasgos de un buen trabajo a pesar de habernos saltado aquel consejo de evitar a los infantes y a las mascotas en un mismo set. Pero bueno, como este blog es de todo menos auto promocional, voy al grano; películas que usan niños.
Suele pasar que la figura del niño ( de 0 hasta 13 años diría yo) ha sido malversada y malinterpretada, o en el peor de los casos, usada de manera desdeñable por un sin fin de realizadores que le han dado unos atributos inexistentes o erróneos e incluso que han pervertido su papel en la historia del cine. (Si Chaplin viera lo que han hecho después de "The Kid" se atrevería a dejar el cine mudo solo para llorar)
Gracias a eso, algunos han terminado por pensar que los mas pequeños de la casa son un comodín de risas que no necesita mayor talento y que por el contrario esta ahí para adornar las escenas y darle el toque chistin-ridículo a ciertos momentos. Después preguntan porque uno no quiere tener hijos.
Desde aquel tropel de proporciones magnánimas que se armo por culpa del tal florero de Llorente, los colombiano venimos hablando de independencia, y uno se pone a pensar ¿Independencia? ¿Pero de qué?
Vivimos en una tierra que es de todo, menos autónoma. Basta con salir a la calle y ver que estamos atestados de multinacionales gringas y europeas, de gente que compra de todo menos lo colombiano (entre los que me incluyo) y que políticamente hablando, somos unos lacayos del vecino del norte, de las corporaciones, de las iglesia Brasileras y de quien sabe cuanta cosa más. Entonces, queda en evidencia que el pleito por el puto florero no sirvió para nada.
Sin embargo, como esta tan de moda eso que podríamos llamar "colombianidad" (gracias a los éxitos de nuestra selección de fútbol y a la venta desmesurada de camisetas chiviadas de Adidas) pues he querido aprovechar dicho espíritu y la patriotera celebración del 20 de Julio, para plantearme la pregunta sobre ¿Que tan independiente es la escena del cine nacional?
"We are living in Amerika , Amerika ist wunderbar, We are living in Amerika, Amerika, ¡Amerika!"
Para los que han leído algunas lineas de las tantas que se han escrito acá, no sera difícil dilucidar que ese tradicional "American way of life" es algo a lo que acostumbro cuestionar por miles de razones, sin embargo calificativos como un anti-estadounidense, anti-imperialista, izquierdista o en el peor de los casos mamerto poco honor me hacen pues se reconocer los puntos a favor que tiene en todo nivel una sociedad como la norteamericana (son unos genios para crea industria sobre cualquier medio creativo, son los mejores para contar historias, siempre van un paso adelante en innovación de las comunicaciones e.t.c)
De cualquier manera, si hay algo que no soporto es que el cine, y sobretodo el actual, trate de venderme al vecino del norte como un dechado de virtudes lleno de armonia, paz, deseo de justicia, tierra de oportunidades y un sinfín de adjetivos cuestionables que cientos de personas en el mundo han terminado por creerse.
Sin duda creo que uno de los clichés mas pecaminosos que ha desarrollado Hollywood en su masificación es el pecado banal de crear historias para autoproclamarse como los buenos de la película y estandarizarse como los regentes de la verdad y la equidad en un mundo corroído por musulmanes, comunistas, ateos, mexicanos, latinos, europeos, kosovos, rusos, islamistas, extremistas, paganos, campesinos, bebedores de te, jugadores de ajedrez, italianos engominados y en general todo lo que vaya en contra de su estereotipo ideal.
Provocadora, contestataria, revoltosa, trepidante, magnifica, excesivamente sexista. ¿Que mas se ha dicho de The Wolf of Wall Street? Que es el regreso al mejor cine de Scorsese abogan sus defensores ( entre los que me incluyo). Que es descaradamente ofensiva y larga sueltan algunos de sus detractores. La opinión esta dividida pero será irrefutable aceptar que nos encontramos ante uno de los primeros sucesos cinematográficos del año gracias al Tándem compuesto por el director y su nuevo De Niro, ese gran interprete llamado Leonardo Di Caprio.
Pero detengamos por favor. Pido un alto para masticar la historia mas allá de lo evidente, que es la vida del verdadero Jordan Belfort. Dicen que las mejores películas están adornadas de trasfondos y subtramas que se enraízan para soportar el peso del relato principal. No tengo duda que este relato es una composición de pequeños detalles que le enriquecen mas y que creo vale la pena que sean analizados.
Sin duda alguna, el éxito de este inicio de año en las carteleras de cine es la película mexicana "No se aceptan devoluciones", una comedia con tintes dramáticos que ha generado una considerable cantidad de lágrimas en las salas de cine gracias a esa suspicaz formula de risas y reflexiones.
Decir que es una mala película seria un improperio, en gran medida porque no es así. Es una cinta muy bien dirigida, con buenas actuaciones y que indudablemente entretiene, pero tampoco se le puede localizar al otro extremo, al de gran película, que eso es lo que algun sector de la prensa viene haciendo con ella.
Y digo que no se puede por una simple razón, la película responde a una formula, la de comedia Hollywoodense. Dicha formula es un compendio de estereotipos sutilmente disfrazados que se repiten con enorme constancia en muchas de las producciones hechas actualmente. Estos códigos estan grabados a fuego entre directores, guionistas y productores porque según parece alcanza los niveles de taquilla y recordación deseados por una industria tan potente como la del séptimo arte.
Y allá afuera, miles de noveles cineastas se matan la cabeza para alcanzar ese codiciado favor mediático que producen este tipo de cintas, por dicha razón voy a tratar de simplificar las cosas a tantos aspirantes a realizador con este tratado que lleva la formula exacta a fin de realizar una comedia "mainstream".
Carisma, frialdad, capacidad de engaño, manipulación. Aunque hacen parte de esta radiografía acerca del hombre de negocios en el séptimo arte, realmente dichos atributos no pertenecen a el. La lista, junto a otros rasgos similares, corresponde a un cuadro de análisis sobre la personalidad de un asesino en serie.
La teoría la escuche por primera vez en una charla sobre psicópatas, y allí, uno de los ponentes, no tuvo tapujos en presentar este descarnado símil entre el empresario y el sociopata, aludiendo a que compartían una serie de características éticas y emocionales bastante cercanas. Todo ello amparado en el marco de la sociedad capitalista en la que hemos crecido.
¿Es tan cierto esto? Difícilmente lo sabremos con certeza alguna vez, y digo difícil porque seremos contados los que tengamos contacto directo con uno de estos peces gordos de la industria. Entonces, se deduce que la ventana mas cercana que tenemos hacia ellos es la que nos provee el cine. Y alli nace otra interrogante ¿como nos presenta el séptimo arte al amo y señor de la modernidad?
Y es que el Internet se atreve a bautizar al regente moderno como el villano del nuevo cine, por otro lado en el imaginario colectivo reside aquella idea de que los hombres exitosos en el campo empresarial vienen avalados por ya sea una serie de practicas de dudosa integridad o por un culto desmesurado a lo material, en resumidas cuentas nada bueno. Con todo ello, ¿Como juegan estos aspectos en el cuadro que pintan los cineastas sobre estos personajes? Veamos.
Es una practica habitual esta de hacer rankings, tops, listas y demás cada vez que se acaba un año. Lo hacen los medios televisivos, la radio, los periódicos, el Internet, los programas de chisme y hasta las personas del común cada vez que presupuestan lo conseguido en estos 365 días.
Partiendo de que esta es una bitácora con un toque bastante personal y que ranking basados en los estrenos de 2013 existen miles mejor redactados, mas completos y con mayor información, este listado de lo mejor en diversos aspectos esta desligado de fechas y cifras. Simplemente es un compendio de lo que mas me ha gustado en este lustro, independientemente de el año de la película o la canción en cuestión. Fiel a mi filosofía, esto es un top atemporal.
Eran varias
personas, y se agradece que no fueran las típicas familias que van con cinco
niños a bordo, todo ellos molestos, y que no hacen más que llorar en la sala de
cine. Tampoco estaban por ahí esas parejas adolescentes que se dedican al cotilleo
más que a apreciar la cinta, y por supuesto que ese aire alternativo que se
aprecia en los que uno a uno comienzan a comprar las boletas lo hace sentirse a
uno medianamente bien, por lo menos seguro en la intención de apoyar películas alejadas
del a veces molesto glamour comercial.
Marcaban las
7 de la noche si mal no recuerdo, y las taquillas de una de las salas
independientes más importantes de Bogotá estaban a reventar. Como no, eran los últimos
días del festival de cine francés y muchos no querían desperdiciar la última oportunidad
de ver esa película que les habían recomendado o que les suscitaba interés como
era mi caso.
Y es que a
la cinta francesa “Holy Motors” se le enalteció el año pasado desde diversos
sectores; la prensa especializada, los cineastas, los festivales, y hasta los espectadores
del común no dudaron en calificarla como la mejor película del año pasado en
Europa.
Con semejante
historial de fondo el perdérmela sería casi que sacrílego, hubiese sido un
irrespeto a la cinematografía no convencional; esa que desprecia las
explosiones ruidosas y el tumulto popero del cine mainstream, cosa con la que
no puedo estar más de acuerdo. Entonces queda claro que decidirme a ver la última
cinta del francés Leos Carax era una convicción absoluta a la que le tendría que
tendría que asistir casi que religiosamente.
Dos horas después
de ingresar a la sala y rodearme de yuppies gafa-pasta y encopetados señores de
finas maneras tuve que abandonar el recinto con la cabeza baja, pues desde el
descalabro que me significo ver la abominable “En Coma” no me había sentido tan
defraudado por una proyección en la que tenía muchas esperanzas.
Pero por
favor, no comparemos, que la ya citada película de Juan David Restrepo se cae
por sí sola, en cambio, el experimento de Leos Carax responde a una edulcoración
casi que inexplicable y a un fenómeno muy recurrente a nuestros días que se cobija
bajo una sola palabra: “Snob”.
Con muchos motes
rondando en la cabeza para poder definirla me decidí por el de “pajazo mental”,
en términos más coloquiales, porque sencillamente no encuentro una palabra más
adecuada para calificar al supuesto mejor film de 2012, título que le pesa y dudo
de que le haga justicia.
Pero quien
soy yo en comparación con esos ilustres personajes de la industria europea, que
saben más de arte, de vivencias, de ciencias y obviamente de cine que este
triste mortal que escribe desde una calle del tercer mundo. Queda claro que mi nombre y mi opinión
no tienen ningún valor frente a los amos de la vanguardia que saben perfectamente
que puede ser llamado revolucionario y que no.
Y a la cinta
en cuestión la etiquetaron como “genialmente anárquica”, un adjetivo que suena
bastante bien, suena a antisistema, pero sobretodo sabe a pretencioso, porque
eso es lo que es esta película, un cumulo de ideas abstractas y de sinsentidos
disfrazados de arte contestatario que no cuentan nada, no suscitan nada y no
invitan a pensar en nada.
Carros que
hablan, un personaje sin rumbo fijo, chimpancés que viven con humanos, un
hombre que muere y resucita constantemente o un musical con Kylie Minogue.
Seguro que ninguno de estos elementos suenan atrayentes en una película y menos
si están todos juntos, pero si les decimos que hacen parte de la nueva
consentida de los cinéfilos del viejo continente entonces el panorama cambia y
lo que parecía absurdo se vuelve mágicamente contestatario.
No me puedo
definir como un tradicionalista en cuestiones del séptimo arte, o alguien que
solo aprecia lo clásico, por supuesto que no, pero aun con todas las
posibilidades de experimentación que permite el cine hay un par de cosas que se
deben respetar y creo firmemente que una de esas es el contarnos algo, que sea
bueno o malo, innovador o repetitivo dependerá de muchísimos factores e
impresiones pero siempre debe haber una intención por comunicar algo, eso a mi modo
de ver es indiscutible en cualquier película.
Y es precisamente eso lo que no pasa en Holy
Motors, una producción que debo decirlo, me ofende profundamente por su posición
arribista, su postura de contrariar a los cánones clásicos de una manera absurda,
de una manera tonta, como la de esos niños que le llevan la contraria a sus
padres solo porque sí. Al no haber una posición clara del porqué de esta película
me parece que su valor es nulo, y muy a pesar de lo que digan todos los
intelectuales sobre lo grandilocuente de su quimera y de lo visionario del vacío
que propone los 120 minutos de metraje
me cuesta dejar de verla como un enorme espectáculo sustentado en la nada.
Aun
escribiendo estas líneas pensé que tenía mucho que decir al respecto, y me encuentro
con que no, no tengo tanto que agregar porque el resultado visto no me lo
permite. Es que sencillamente fui cómplice de un orgasmo esnobista que responde
mas a la búsqueda de una nueva corriente a la que aferrarse que al verdadero
gusto que pueda generar un producto de estas características, que no es más que
un lienzo garabateado sin razones de fondo, hecho pura y llanamente porque sí.
Francamente
toda esta verborrea mencionada ya fue dicha por el maestro Woody Allen, experto
en satirizar a la vanguardia neoyorquina, y lo hizo con con mejores palabras
El otro día reparaba en la fiebre que causo hace poco el lanzamiento del videojuego GTA V para Play Station 3 y Xbox 360, y me encontraba con que el fanatismo despertado por ese universo de bits va mas allá de la jugabilidad, las posibilidades online o el banal hecho de robar carros y matar prostitutas (en el juego por supuesto). Resulta ser que hay una parte de la afición que se engancha profundamente con la música que dispone el juego a través de sus emisoras de carácter ficticio.
Lo comparto. Cuando llegue a jugar el San Andreas, hace ya muchos años, descubrí piezas musicales de gran valor como Young Turks de Rod Stewart o Mother de Glen Danzig. Solo existe una experiencia similar de descubrimiento musical y no puede ser otro que el asistir al cine.
Muchas veces, y esto es algo que celebro, las películas vienen acompañadas de soberbias bandas sonoras, a veces creadas exclusivamente para el film, otras como recopilación de canciones conocidas. De cualquier manera, muchas veces no reparamos poco en el poder de un soundtrack potente, que maximice las emociones y que se instale en nuestro recordatorio por mucho tiempo haciéndose un ancla de alguna escena o de un dialogo.
A fuerza de memoria y selección, he tratado de rescatar algunas de mis recopilaciones sonoras favoritas de las películas que no solo me encantaron por sus canciones, sino por ese paralelismo audiovisual, que consiguieron sus directores al incorporarlos.
1- DRIVE (2011): el film por moda y antonomasia de ese año. Queda claro que aquel verano de 2011 fue todo del Windign Refn y su tropa encabezada por Ryan Gosling y Carey Mulligan. Pero para mí también se anotaron otro punto de supremacía en los círculos cinéfilos gracias a ese potente soundtrack lleno de auras ochenteras y reminiscencias al synthpop. Fue un descubrimiento total que inicio con “Nightcall” de Kavinsky, una balada lenta y con olor a calle y peligro, digna representante de la película. Pero resulta ser que el OST, compuesto en su mayoría por Cliff Martinez, tiene también a su disposición colaboraciones de Electric Youth o de Desire , quienes dominan la escena retro-futurista que se ha instalado en Francia por estos tiempos.
El hallazgo no solo se quedo en una seguidilla de temas que te transportan a las aceras color neón de los años 80, sino a un género que viene en auge y que destaca por el virtuosismo de los teclados y los beats alusivos a los primeros videojuegos de hace 3 décadas, remasterizados con gran ímpetu por la ola electrónica de este nuevo siglo. La revelación de Kavisnky me permitió encontrarme con otros magos del synth de similar genio como Lazerhawk o MN1984
2- PULP FICTION (1994): Cuenta Wensley Clarkson en su biografía sobre Tarantino, que el genio detrás de Reservoir Dogs divagaba por las calles del Soho en Londres antes de la creación de su obra suprema, y en una discotienda, algo clandestina, se encontró con una canción que lo encandilo desde e l primer momento, esa no fue otra que “girl you`ll be a woman soon” de Urge Overkill, versionando al maestro de antaño Neil Young. Una vez sus oídos quedaron prendados con tal pieza, se propuso incluirla en un proyecto en el que trabajaba por esos días y cuyo nombre tentativo era Pulp Fiction. El resto de la concepción de esta obra audiovisual, símbolo de la cultura pop, es historia, pero a tal esfuerzo habrá que añadirle un capítulo especial, dedicado a la banda sonora, ya de por si clásica, de esta hilarante historia coral.
Agarrado de su infancia setentera, Tarantino resucita a Dick Dale y el mas desencarnado surf en la clásica escena de la cafetería, y continua apegado al género en los momentos en que Travolta se dopa y Jules desarma a los asaltantes esa mañana después de al fin obtener el maletín. Pero por si no fuera suficiente, se saca de la manga el enmarcable baile de Umma Thurman y el protagonista de “Grace” con otra rola para el recuerdo y ni hablar de las contribuciones de Kool & Gang y Chuck Berry que también añade a su obra maestra. El OST completo también incluye fragmentos de dialogo como el ya archireconocido Ezequiel 25-17 y otros tantos, lo que demuestra una multitarea del buen Quentin a la hora de componer con retazos de otros, su propia banda sonora, que lleva ese sello digno de el, de su vida, de sus experiencias, de su infancia y por sus puesto de su forma de ver el cine.
3- THIS IS ENGLAND (2006): A veces creo que Anarchy in the U.K fue la única canción que le falto a Shane Meadows en el repertorio musical de esta película, plagada de tonadillas punk que nos transportan a ese Reino Unido inmerso en Tatcher, las Malvinas y le movimiento Skin. En parte es obvio debido a la temática de la cinta, que se mese en dichos acontecimientos, pero por otro lado no es gratuito que a base de canticos setenteros nos impregnen con ese aire revolucionario que caracterizó al movimiento skinhead en la tierra de Lady Di.
U.K subs dice en una escena de magnifico montaje “ Warhead, warhead, warhead,” . No hace falta corear más, esa palabra es la esencia pura de la película, es el estribillo de fondo de la vida de los personajes.
Pero ojo que no se queda acá, él reconoce que el movimiento Mod, al que se hace alusión en la película, tiene ascendencias jamaiquinas, y lo deja ver con piezas de Toots and the Maytals y también es consecuente con la época en la que se desarrolla la historia incluyendo temas clásicos de principios de los ochenta como “Come on Eileen” y “Tainted Love”
4- 500 DAYS OF SUMMER (2009):Si ya decía que Drive había sido la reina de los entornos fílmicos en 2011, unos dos años atrás ese lugar le perteneció a esta película, la comedia romántica por excelencia de la nueva generación. Un relato del desamor y las ilusiones que engendró un soundtrack que por sí solo define al film, y no solo eso sino que el apartado sonoro bien podría ser el abanderado de una subcultura hipster en acenso.
Tiene todo lo que pueda hacer alusión a la atmosfera alternativa. Desde Morrisey y sus eternos Smiths, pasando por los clásicos Hall&Oates, hasta los pianos indie de Regina Spektor y las guitarras rítmicas de Temple Trap
Marc Webb consiguió, consciente o inconscientemente, reinventar el género a base de canciones reclamadas por una audiencia joven, amante de lo retro, pero también urgida de nuevos talentos. La fusión de ambas vertientes desencadeno en que el lanzamiento de este OST estuviera presente en el puesto 42 de los Billboard 200 de Estados Unidos.
5- MATRIX (1999): La declaración de los hermanos Wachowski a la hora de componer su banda sonora es clara, “Esta es la nueva era de la tecnología” y queda claro que con semejante aseveración no cualquiera podía encargarse de hacerla musical. Por eso aparecen los jefes del metal industrial, su santidad Marylin Manson, el rey Rob Zombie y sendos exponentes como son The Prodigy y Rammstein. Las guitarras adornadas de la distorsión electrónica, las voces alteradas por los sintetizadores y toda el aura andrógina se hacen presentes en la meticulosa selección de pistas que acompañaron a Neo en su salvación de la humanidad.
Sabe a peligro, a oscuridad, a final de los tiempos, el OST de la primera entrega de la saga tiene aroma a revolución tecnológica, a microchips, a cables conectados a tu cabeza, a todo lo que el argumento de la película se ha encargado de exponer. Pero incluso va más allá, te pone en estado de alerta, te hace creer que realmente existe una esfera apartada de tanto avance digital y masificación de datos, te hace pensar que somos más que ceros y unos en los sistemas de registro. Debo decir que escuchar todo el copilado de canciones de lleno es vivir la película nuevamente sin la necesidad de estarla viendo
El doble crédito es que han sido unos genios a la hora de poner a sonar en su metraje, composiciones bastante comerciales que podrían insinuar un deseo por vender compact disc por parte de sus directores, pero que realmente nacen para hacer parte de esta obra maestra de la ciencia ficción. La jugada es sencillamente acertada.
6- TRAINSPOTTING (1996): Ante una más de esas obras cargadas de referencias ochenteras no puedo hacer mucho. Debo admitir que la música de la mejor década de la historia es una de mis debilidades. Sin embargo esta se haya justificada, en gran medida gracias a la diversidad de situaciones que le acompañan.
¿Quién no ha soñado con huir de la policía al ritmo de un irreverente como Iggy Pop? o de encontrar a una pareja perfecta para esa fiesta mientras Temptation de New Order suena de fondo, y ¿que tal llevarla a tu departamento mientras Atomic de Sleepers les acompaña en el auto?. Bajo esos códigos puedo desglosar miles de situaciones de la película de Danny Boyle y me extendería en demasía, cosa que no necesito hacer para transmitir todo el potencial tan insolente que significa ver este filme de adictos, situaciones jocosas y brit-pop de antaño.
7- GOODFELLAS (1989): No podía dejar de lado a uno de los realizadores que más esmero siente a la hora de componer sus magnas bandas sonoras que se entremezclan vertiginosamente con la edición. Hablo del maestro Scorsese, que de la mano de su montajista de toda la vida, Thelma Schoonmaker , han conseguido una vasta cantidad de metraje perfecto en el que sonido e imagen hacen una danza esplendorosa al ojo y al oído de quien se preste.
Es bien conocido que Martin tiene una devoción hacia la buena música, sus documentales acerca de Bob Dylan o los Rolling Stones dan fe de ello, pero en 1989 pone en marcha toda la influencia italoamericana para hacerle cortinilla a los buenos muchachos que son personificados por De Niro, Joe Pesci y Ray Liotta en su carrera por el poder de las calles neoyorquinas. En la pandilla de intérpretes también se lleva a otros buenos muchachos; Tony Bennet, The Chantels, The Harptones o Aretha Franklin que con ese Blues, Góspel y clima citadino decoran honrosamente las fechorías de los gangsters del East NY.
8-BATMAN, THE DARK KNIHGT RISES (2012): Solo existe uno, un solo aspecto en que la última entrega de la trilogía le hace sombra a su predecesora. Por supuesto es la banda sonora, que nuevamente, al igual que las dos anteriores películas, corrió por cuenta de Hans Zimmer, uno de los compositores más respetados de Hollywood. Gracias a dichos acordes, la música consigue transmitir toda esa tensión y caos que se avecinan de la mano de Bane hacia Gotham City.
Si bien dichas canciones no distan mucho de lo que hemos escuchado de fondo en Batman Beggins y The Dark Knight, al igual que en películas de soundtrack similares (Piratas del Caribe, Ellysium) siento que en esta se respira un ambiente mas sombrío y tenebroso que las otras dos, que la conjunción de imágenes y esos sonidos sinfónicos se alinean con perfección en esta última entrega del caballero oscuro.
9- AMERICAN PSYCHO (2000): Seguro que a muchos no les va muy de la mano el hecho de escuchar a Huey Lewis & The News en una escena de homicidio, o de que New Order haga de cortinilla a una línea bastante sádica de un asesino en serie. Seguro que no, sin embargo Marry Harron lo imagino así, y creo que le dio resultado para retratar no solo a un hombre sino a una época en el violento thriller American Psycho de comienzos de la década pasada.
La obra está basada en un libro que se ubica a finales de los 80 (lo sé, perdón) en plena ebullición tecnológica y monetaria, con los chicos queriendo ser remedos de Gordon Gekko en Wall Strettet y sintiéndose amos del universo gracias a su habilidad con las cifras y los números. En ese contexto aparece este hombre, capaz de quitar vidas a ritmo de Robert Palmer, De cercenar cabezas con Genesis o de simplemente recrear dibujos grotescos de la mano de Chris de Burgh. Todo ello sin remordimiento alguno, con una frialdad pasmosa que contrasta con estos hits del pop y el disco de dicha época. No contento con ello, las alusiones de sapiencia musical, a las que recurre el protagonista para iluminarnos con su inmersión en la cultura pop son dignas de enmarcar y enlazan ese círculo que hacen los hits de radio, la sangre y la mirada fría de Patrick Bateman.
10- SCARFACE (1983): Cuando pienso en Scarface lo primero que se me viene a la mente es Push it to the Limits de Giorgio Moroder, en primera instancia porque la escuche hasta la
saciedad, en segundo grado porque su letra y su ritmo es el himno de toda la maldita película. Es estar dispuesto a todo por un sueño (aun cuando ese sueño sea volverse el traficante más despiadado de Miami Beach)
Sin embargo este retrato del hampa, remake de la cinta de Howard Hawks, no solo está con su onda italo-disco presente en esa canción. También lo hace con la incursión de Debbie Harry, de Elizabeth Dailly y de la misma María Conchita Alonso en una oda al crimen con vista al mar (nada que ver con la película colombiana) en la que las damitas en patines y los tipos en plan de galanes latinos eran pan de todo el día y la motosierra como método de castigo apenas se ponía de moda
Pacino se pone el papel de desmesurado “drugdealer” en esta adaptación, que poco tiene que ver, tanto sonora como narrativamente con su predecesora, pero a la que se le agradecerá toda esa banda de canciones perfectas para bailar en las discotecas ochenteras repletas de latinos en busca de oportunidades. Aquí, al igual que en otras, las pistas hablan por sí solas, haciendo un hueco en el imaginario colectivo, mas sin embargo consigue, como suele ser habitual en el director, llevar a cabo una práctica que se repetirá con los años en la industria, y que no es otra que dotar de vanguardismo a las más viscerales escenas de violencia.
“Abre un correo electrónico, regístrate en Facebook, consigue muchos amigos, sube fotos de tus ultimas vacaciones, metete en twitter, reduce tus pensamientos a 140 letras, compra un móvil, tuitea desde allí, regístrate en Tumblr, comparte memes con desconocidos, abre una cuenta en istagram, aplica filtro a las fotos de todo lo que comes, coloca desde donde lo haces, únete a Linked in, muéstrate profesional en una red social, añade mas amigos, abre una bitácora, opina de lo que quieras, revisa otros blogs, aprende a lograr que los buscadores te encuentren con facilidad, añade mas amigos, sube mas fotos”
Parafraseando ese sublime discurso que abre la cinta Trainspotting de 1998 pareciera que la sociedad actual te dictamina hacer esto y mucho más. No voy a ahondar o a discutir sobre si es bueno o malo, o en qué medida perjudica o beneficia tu existencia, pero sea cual sea la posición hacia esto queda claro que indudablemente estamos ante el nuevo escenario, el del mundo 2.0
Parece que ser geek ya no es una opción, es un requerimiento. Saber que es Tumblr, Pinterest, Mixcloud, Trendin topic, o Post ha pasado a ser casi que una necesidad, todo como consecuencia de la sociedad digital que nos absorbe. Y entre los diversos ámbitos en los que nos ha engullido, el de las comunicaciones, tantoa nivel profesional como interpersonal es el que más se ha visto afectado
Estas conclusiones no son una novedad, pero tuve la oportunidad de reconfirmarlas el pasado viernes en una charla sobre desafíos de las nuevas tecnologías que se llevo a cabo en el marco del Social Media Week en Bogotá
El evento brindó infinidad de conferencias sobre diversos temas que por desgracia me perdí, sin embargo este, en el que si tuve la chance de asistir, fue clave para reafirmar algunas ideas que tengo en la cabeza respecto a la transformación del panorama comunicativo y audiovisual que es el que más mutaciones ha presentado desde que las tecnologías informativas se democratizaron
De la de más de una hora de exposición he sacado los puntos que creo que son mas relevantes para entender que es lo que nos propone este nuevo desafío tanto en el periodismo como también aplicable a nivel cinematográfico
Personalización de la información: en el periodismo la corriente informática ha sufrido cambios sustanciales. Quienes la controlan ya no son los ejecutivos empoderados y bien vestidos que juguetean desde una sala de juntas en un rascacielos de 140 pisos en una importante calle de la metrópoli. Dichos personajes son solo una parte del vasto espectro informativo cuyo más grande activo se encuentra en los usuarios comunes, que provistos de estas herramientas tecnológicas son quienes generan la documentación de hechos y la consumen en misma proporción.
Pero ojo que si bien el copy-paste es muy de nuestra época la cosa esta cambiando significativamente porque el citar a alguien ya no es garantía de estar informando, por ende el paso a seguir es personalizar los hechos, añadir perspectivas, apropiarse de las noticias y dotarles de identidad, desgeneralizarlas si se puede llamar.
Cosa muy similar sucede en el cine de nuestros días en cuanto a los medios de producción que han permitido que las películas no solo emanen de los estudios oficiales y las grandes casas productoras sino que realizadores con menos recursos pero apenas con los elementos necesarios ya están en capacidades de contar historias y al igual que en el periodismo de aterrizarlas a experiencias mas propias
Sencillamente todos tenemos algo que decir, y ahora es cuando podemos expresarlo
Nuevo curriculum: Un punto importante tocado ese día hacia referencia a quienes se consideran preparados para el desempeño de los nuevos cargos del periodismo digital (comunnity managger, social media, editor de redes, etc.) En vista de que dichos “empleos” apenas se están dando a conocer en nuestro país, evidentemente el perfil necesario dista de un simple comunicador o de un publicista a secas. La evolución solicita personas con aptitudes más amplias, “Apasionado 360 por las redes” según quien dictaba la charla, pero básicamente son multitasker (termino anglosajón que hace referencia a ese que mira tv mientras escucha música mientras lee algo en el ipod mientras chatea en el laptop) que tengan un excelente desenvolvimiento en la red, apoyados en la velocidad de respuesta y en la posibilidad de arrojar resultados
Aquí también se hizo un eco importante sobre esa ilusoria necesidad que tenemos aun de que solo los profesionales están capacitados para desempeñar ciertos cargos. En el caso de la evolución del social media la cosa es en parte más laxa, y a su vez mas exigente, pues las posibilidades a los autodidactas, emprendedores y pioneros están mas que abiertas. Es notorio que hoy en día cargos como el de un comunty marketing pueden ser mas acordes a un entusiasta empírico que tiene ganas de hacerse un hueco en la industria que a un profesional graduado y acreditado (con máster bajo el hombro) que apenas y conoce que está pasando en la web 2.0
Cinéfilamente hablando, se puede hallar un paralelo, no nuevo eso sí, pero que tiende a repetirse con más frecuencia en los tiempos que nos tocan. Ya no necesitas tener un título en cinematografia, dirección, producción o audiovisuales para poder llevar a cabo la realización de una cinta. Está claro que el no tenerlo tampoco garantiza buenos resultados pero ya vemos como por ejemplo Christopher Nolan (graduado en literatura inglesa) o Paul Thomas Anderson (que abandono la carrea de cine recién iniciaba) hacen buenas migas en la industria sin un cartón que diga director de cine colgado en su casa
La academia es importante, pero no todos los perfiles, tanto en las comunicaciones como en el cine se sienten en las mejores condiciones de tomarla ni se dan por limitados si no han pasado por ella
Nuevos consumidores: el nuevo perfil de consumidor informático se define así: “Jóvenes emprendedores de no más de 30 años, adictos a la web, que no buscan informarse pero que
en la red les atrapan algunos hechos”. Decía también la forista que la búsqueda no está en mantenerse al tanto de las noticias sino en ser participes de historias inspiradoras, que les llega a todos en diferentes maneras y de las cuales puedan aplicar algo en sus vidas
Suena bonito, suena hasta ideológico en cierta manera, pero también suena desconcertante, algo frio en misma proporción. De cualquier manera lo claro acá es que la información dejo de ser un “toma, lee, esto es lo que está pasando, quédate callado y asiente con la cabeza”. La dinámica ha dado un vuelco total, y por obviedad el consumidor también. En algunos lugares se refieren a el como el “prosumer” (consumidores que también son productores de contenidos) y es que la posición pasiva se ha acabado para darle participación y poder a las masas en cuanto a lo que nos pasa día a día. Si la información es el cuarto poder, las redes ya reciben el mote del quinto poder. El contenido se genera a partir de lo que los usuarios comentan haciéndolo un negocio de “toma y dame”
El parangón inevitable en cuanto al séptimo arte me viene por los lados de las nuevas modalidades de producción, sobretodo con un sistema tan de moda como lo es el “crowfounding” el cual le da voto a los posibles espectadores frente a una historia aún en etapa embrionaria pero flexible a amoldarse a lo que la audiencia reclame (al igual que con la información) Entonces quien consume tu producto adquiere cierto poder al invertir en el. Es tal el grado de participación bajo esta modalidad de reunir fondos que existen proyectos audiovisuales en los que se hacen sondeos globales para saber qué final le parece más idóneo al público, cual es el casting más acertado, en que locación grabar y demás. Incluso, y esto mas monetariamente hablando, el saber que cuando haces un aporte económico a la causa puedes acceder a material inédito o a que tu nombre a aparezca dentro de la lista de productores en los créditos de la cinta es un plus fuerte que funciona como rciprocidad de creadores hacia el publico.
Básicamente el comprador ya está en potestad de alterar el producto que adquiere
Diseño de contenido: Como bien decía, la personalización de la información es un paso vital en la supervivencia en esta jungla computarizada, pero también va de la mano con un concepto más dado a la publicidad, pues no basta lo que digas, sino como lo digas.
El diseño de contenidos no solo compete a las palabras usadas o a los enlaces adjuntos, también va de la mano a la forma en que están se presentan al ojo de quien les ve. Como diría el dramaturgo Bertold Bretch “contenido y forma, estética e ideales”
Los diseños vistosos, llamativos, pero sobretodo funcionales son uno de los pros mas apetecidos en los sitios web. A eso se añade el uso de las palabras adecuadas, de la seducción de los compradores a través de slogans, frases motivadoras, apartes inspiradores, publicidad en su estado puro
Una imagen acompañada de las palabras correctas puede tener mayor poder de influencia que un documento muy bien redactado y bastante sólido pero que carece de ese “algo” vital que permita atrapar a los habitantes del ciberespacio
Seguro muchos han visto una infinidad e películas en la que la temática les llama la atención, les atrapa, pero que carece de otros elementos para hacerla memorable, llámese un actor
creíble en el papel estelar, una edición vertiginosa, unas buenas locaciones dignas de postal fotográfica o sencillamente un logrado cartel publicitario. Pues bien, todo radica en la capacidad de vender interior y exteriormente un contenido que satisfaga diversos tipos de audiencia.
Este aspecto es muy entendible para aquellos que se han enfrentado a un pitch y manejan la dualidad de conceptos acerca de las historias que ahora no solo necesitan ser buenas desde el guion, desde los diálogos o puntos de giro, sino que además necesitan poder sintetizarse en una frase, tan poderosa que permita captar inversores para pasar a ser un proyecto palpable. En el mundo hay miles de magnificas historias que se quedaron en el papel sencillamente porque no supieron venderse ante un posible comprador
La tarea no termina allí, al igual que en los medios, el producto final debe llegar de la forma más deseable posible. Un buen tráiler puede hacer la diferencia en una cinta que recaude 100 o 100.000 espectadores. Por supuesto que ya en la sala el producto debe cumplir esas expectativas igual que en los miles de sitios web donde se cuelgan noticias, análisis e informes, pero los dos lados de la moneda van de la mano a fin de generar una experiencia satisfactoria y total tanto para quien genera como para quien consume
Conclusiones se pueden sacar muchas. Algunos diran que el mundo laboral es cada vez más duro, que las oportunidades escasean, que ahora hay que saber de todo, que quien no maneje la informática esta perdido, en fin.. Vivimos en una era digitalizada donde hay que permitirse la multifuncionalidad, donde no vale moverse en una sola dirección y donde la apertura de puertas a la interacción debe ser la gran columna de la generación de contenidos de calidad. Hoy más que nunca la sociedad reclama que le gusta y que no, y todo puede comenzar desde un like o un retweet hasta el apoyo económico de uno o miles de dólares
Hoy, como muchos sabrán, se dio inicio al festival de cine francés en Bogotá. Ya va por su edición numero 12, y este año se han traído en la maleta una buena cantidad de películas que valen la pena ver. Yo ya le he echado un ojo a Holy Motors de Leos Carax o a Tomboy de Celine Sciamma por citar algunas, pero sin duda estas cuatro semanas estarán plagadas de proyecciones más que decentes y apetecibles para un mercado atestado de ataques a la Casa Blanca y a Adam Sandler haciendo papel de idiota una vez más.
El evento me ha hecho recapacitar sobre el consumo de cine francés que he tenido. No es mucho, como podrán vislumbrar, y salvo las cintas de la Nouvelle Vague (las cuales quiero guardar para otro escrito) estas han sido las ocho películas que mas me han gustado de la cinematografía trasalpina. Más que claro que deje muchas por fuera, algunas de ellas buenas pero no consideradas francesas por mi (Paris te Amo, EL Profesional...) otras por desconocimiento, unas cuantas las abre olvidado en el desván de mi memoria... En fin, Le France Cinema está de moda, así que aquí van:
1- PERSEPOLIS: Hipnótica cinta animada de Vincent Parronnaud que recomiendo con alta vehemencia. Asistimos entonces a toda una vida con el conflicto bélico como telón de fondo, y como este transforma a las sociedades desde sus más arraigadas costumbres y libertades. Pero no solo se queda allí, el argumento también deja ver como los estereotipos que nos venden acerca de otros países (árabe suicida, ruso ebrio, francés amoroso…) encasillan a las personas y muchas veces dificultan sus relaciones con otras culturas. Son muchos los logros de esta maravillosa película, entre los que destacaría una animación entretenida y adulta (sin caer en el sello Disney, Pixar y c&a) y sus diálogos, tan humanos, simples, pero a su vez cargados de mucha potencia ideológica. Hace poco me entere que está basada en un libro por lo que la tarea a seguir es leerlo (si es que existe en español) para poder contrastar ambas historias
2- EN LA CASA: Con un tráiler que en un inicio no me llamaba mucho la atención, debo decir que ver “Dans La Maison” de Francois Ozon, fue una de las decisiones más acertadas que he hecho en una sala de cine. Una trama que te atrapa casi que desde el primer minuto, una excelente combinación de trhiller, misterio, comedia negra y un sinfín de elementos que te agarran como espectador y te hacen cómplice de todo lo que allí sucede. En muchos pasajes de la película sentí esa sensación voyerista que experimenta uno de los personajes principales (el maestro Germain) por saber en qué continua el relato. Esta tan bien lograda que sentado allí quieres saber mas y mas acerca de lo que ocurre en esa particular escuela en la que se desenvuelve el rollo argumental. Como dato decirles que el final es sublime, aunque por desgracia no me cogió por sorpresa puesto que se sugiere inocentemente en el tráiler (como error supongo), algo bastante mal teniendo en cuenta que es un punto de giro más que inesperado
3- EL ODIO: Ganadora del premio a mejor director en Cannes por allá en el 95, la obra de Kassovitz es una bofetada de realidad en blanco y negro que suscita una tensión leve pero constante al espectador que se preste a verla. Demencial historia de los
suburbios parisinos, alejada de todo ese glamour que nos han vendido acerca de la capital Francesa, a cuyos símbolos apenas y se recurre, haciéndola no solo una historia atípica en el cine trasalpino sino universal a la hora de adaptarla a otros países. Vincent Cassel es el puto amo con su carácter violento pero indeciso, mostrándose como una perfecta representación de la juventud que quiere tomar partido por la fuerza pero que no se atreve por ese miedo que les cuesta reconocer. Además de ese recorrido underground de la ciudad, y su ambientación musical que le da una estética videoclip por instantes, he de rescatar el final de esta peli que es como el impacto de una bala directo a la cabeza. Fuerte, concisa, sin tiempo para reaccionar, todo muy fiel al discurso de la misma
4- EL HOMBRE QUE AMABA A LAS MUJERES: Una de Truffaut, de su época setentera. Ambientada de nuevo en una Francia con tintes estéticos y revolucionarios dentro de la cotidianidad social. Desde allí emerge un conquistador innato, pero a su vez diferente. Poco tienen que ver esos machos alfa y Hitch Hollywodenses que nos dicen imitemos con este amante de palabras suaves y voz tibia que navega entre la timidez y el atrevimiento como si fuera parte de ambos mundos. La historia dista mucho del tradicional cuento de Casanova bien parecido que vive la vida en plan rockstar, para mutar a una historia más real, más humana, mas asemejada a las relaciones entre géneros y a como un hombre con escaso atractivo físico deja toda su afición femenina a cargo de su voraz lengua capaz de engatusar bajo distintas maneras. Quienes la han visto acordaran que la trama es lenta, aquí no hay cortes constantes ni acciones magnánimas, pero todo existe en concordancia a la vida de su protagonista. Su nombre es Bertrand, y es un aficionado al sexo opuesto que a se empecía tanto en el cortejo como en la escritura de su diario con la misma paciencia y cuidado, con el mismo amor también, dejándonos ver más que a un desacerbado conquistador, un hombre que admira profundamente a las mujeres
5- AMIGOS: Las comedias deberían tomar apunte de esta grandiosa cinta que entremezcla el humor con la simpleza de la vida de una manera magnifica. Aquí la enseñanza es verdadera, no hay un final maquillado e impuesto por el estudio o por complacencia al público. Por el contrario, se retrata un desenlace fiel al todo el metraje anterior que la sensación es satisfactoria, debe ser en gran medida por estar basada en hechos reales. Partiendo de la vida de Phillipe Pozzo, tetrapléjico que acoge en sus huestes a Abdel Yasmin, el relato deja ver como las etiquetas que nos dividen como clase social, color de piel o condición física se derrumban cuando una relación se construye en torno a la ayuda mutua, es allí, en ese apartado donde su directores, Oliver Nakache y Eric Toledano son lo más fieles posible. No hay lugar para la lastima hacia una persona casi inmóvil o hacia un hombre que no puede mantener a su familia. Esos lugares comunes sucumben a la palabra que lleva por título, la de amigos que aprenden el uno del otro. Seguramente por el poster promocional muchos la dejaron ir pensando que se trataba de un drama europeo intimista o cosas que a nuestra audiencia no le agradan, yo de hecho, estuve cerca de cometer ese error, pero después de verla, solo se me ocurre clasificarla bajo una palabra que, muy, pero muy difícilmente uso. Hermosa
6- IRREVERSIBE: de Irreversible es poco lo que puedo decir, ya se ha dicho todo acerca de la nada fácil obra de Gaspar Noe. Aun hoy en día levanta revuelo y debate sobre su intención, argumento y modo de realización. Personalmente no puedo entrar a defender a su creador al escudarse en los supuestos motivos que acuña a su producto. Tampoco puedo justificar ciertas de sus formas, pero en cualquier caso me parece que es un experimento más que digno de ver y en el que yo hallo ( no sé si intencionalmente o mas como conclusión propia) una crítica a esta sociedad hambrienta de violencia, que está al tanto de cazar imágenes cada vez más sangrientas, pero que se ofende por una violación actuada mientras ni siquiera se inmuta por las miles de reales que se llevan a cabo en todas la calles del mundo. Con esta película tengo un especial fetiche por lo sórdida que puede llegar a ser, es incendiaria y violenta en gran proporción, verídica tambien. Es un testimonio urbano de la vida en estos tiempos que no deja de ser desgarrador, atemorizante, crudo, muy tensionante … en fin, se me ocurren miles más de adjetivos para decir que aunque su manera de ser contada no le hace un favor, sus planos y encuadres son en cierta manera sensacionalistas y su violencia muchas veces se precia de gratuita, todo el conjunto forma una historia diferente (dejándonos de lado si es o no políticamente correcta) yque vale la pena ver para saca sus propias conclusiones
7- PLAYTIME: Hay películas que envejecen mal, otras que como los vinos lo hacen bien. Siento que esta hace parte del segundo grupo. La primera vez que la vi no me pareció nada del otro mundo y por pasajes me aburrí bastante, pero últimamente la recuerdo cada vez de maneras más gratas. Su simplicidad y a su vez magnitud la hacen muy atrayente. Es como estar en un enorme lienzo o maqueta y ser libre de hacer lo que quiera. Tati me transmite un sentido de libertad envidiable, de exploración voraz en el paisaje citadino y de contemplación arquitectónica capaz de relajarme y emocionarme en igual grado. Para quienes están enganchados con la onda de videojuegos de infinitas posibilidades (tipo GTA ) creo que encontraran aquí al perfecto predecesor. El director no crea un mundo, sino un universo total de situaciones comunes que se entrelazan en un todo que hace sentir al espectador por momentos como un Dios. Decir que su creador acarreo gran parte de los costos de querer plasmar un panorama tan amplio en cine, y que con la pobre taquilla que generó, termino mermando sus propias arcas, lo que posteriormente le llevo a la bancarrota.
8- AMELIE: Por excelencia, el estandarte del nuevo cine francés. En esos términos se puede referir uno a “El fabuloso destino de Amelie Poulain”, la cual se ha convertido no solo en la abanderada de una nueva manera de hacer cine sino de una subcultura que encuentran en el relato de Jean Pierre Jeunet una insignia acerca de la importancia de las mínimas cosas en la vida. Su estética es absolutamente limpia y bien cuidada, su edición es igual o más potente; no, no se le puede encarar algo mal a Amelie, el cual es un mundo completo dentro del mismo mundo, con una capacidad innata para absorbernos y hacernos cómplices de unas vivencias aparentemente sencillas. Algunos la tildaran de excesivamente edulcorada, pero a mi modo de ver no solo su pomposidad está justificada sino su argumento, su aire de candidez, sus infantiles formas, todo, absolutamente todo encaja muy bien en esta obra maestra. No puedo decir mucho, no más de los ríos de tinta que se han derramado para referirse a esta película. Solo hay que verla, para entender la majestuosidad a la que me refiero al
Hay películas que trascienden sus propias expectativas y se
instalan en lo profundo del inconsciente general. Abandonan los carretes para adherirse
a la cultura general, ya sea por sus potentes historias, entrañables personajes
o situaciones memorables.
Creo que de ese selecto grupo, una de las cintas que mejor
resiste el paso del tiempo, y que además se ha hecho un hueco en el imaginario
colectivo es la saga de “El Padrino” de Francisc Ford Coppola y Mario Puzzo.
Obra compuesta por tres entregas y que a través de 60 años, retrata los entrecejos
de una familia ítalo-americana en su ascenso al poder.
No voy a ahondar en momentos de carácter argumental, sino
más bien a tratar de propiciar una visión más general de porque esta triple
entrega genera tanta emoción masiva desde el instante de su estreno, por allá
en 1972.
Nos encontramos entonces con una serie de elementos que
atrapan a todo tipo de espectador, pues bien se puede ser un total
ignorante en materia cinematográfica o todo un experto en el bagaje del séptimo
arte, y aun así coincidir y disfrutar de dicha historia, lo cual nos muestra que
este relato tiene tintes universales que escapan a la sectorización del público.
Dicho sea esto, aquí desgloso las razones por las que creo que nos gusta tanto "El Padrino"
El deseo de Venganza: Está grabado a fuego en el ser humano desde épocas inmemorables el deseo de
revancha. Es una sensación que nunca ha sido ajena a ninguna cultura a través
de la historia y por la que se ha derramado sangre tanto en la vida real como
en la ficción.
Ese inherente y primitivo anhelo de desquitarse o de tomar
parte en una ofensa, es algo que el hombre saborea y desprecia en igual proporción,
pero sea cual sea la cultura, religión, o circunstancia, todos hemos experimentado
alguna vez las incombustibles ganas de equiparar la balanza y devolver con
creces lo que consideramos daños que se han hecho contra nosotros.
En el cine muchas películas descansan sobre este visceral
deseo como mayor propósito de la trama. Una venganza que puede ser personal (Taken, Gran Torino) Social (V de Vendetta) o un poco de ambas (El jardinero fiel). De cualquier manera, el camino de la búsqueda de
compensación es algo recurrente en la historia de los Corleone, quienes no solo
la efectúan para sí mismos sino se prestan como brazo ejecutor a favor de otros
que lo solicitan.
En las 3 películas vemos como aquella frase de que “La
venganza es un plato que se sirve frío” es aplicada en toda la regla por Michael,
quien se muestra inmisericorde y calculador a la hora de llevar a cabo vendettas
que quitan del camino a enemigos que le han ofendido, incluso llevándolo a
extremos como la aniquilación de su propio hermano.
Justicia propia: Ligado al punto anterior. Si hay algo que el ser humano a buscado hasta la
saciedad desde que vive en sociedad, es precisamente la justicia. Primero
atribuida a los dioses, y posteriormente ejercida por personas a las que se les
ha encargado esta labor, el tiempo nos ha mostrado que dichos designios han
dejado de ser incorruptibles y cada vez se siente más difícil el acceso a una
justicia verdadera que equilibre el orden del universo.
Vivimos en una sociedad donde los políticos y la gente que se
supone nos protege, es quien más crímenes comete, y encima de todo ello,
tieneel descaro de llamarse pulcros cuando
roban y asesinan en nuestras narices. Es por ello que el humano moderno ansía
contar con los métodos para llevar a cabo una justicia por mano propia, a sabiendas
de que los mecanismos institucionales flaquean a la hora de otorgársela.
Allí es donde la figura del Padrino, primero personificada
en don Vitto, y posteriormente en Michael, se muestra alos demás como un proveedor de verdadera
equidad. Un ente que ejercerá de verdugo ecuánime si acudes a el.
Las fiestas de la trilogía nos dejan ver despavoridos
hombres y mujeres que buscan que se haga cumplir la rectitud en el mundo y que
se cobijan en la figura de los Corleone como hombres sabios, que harán justicia
por ellos. Hombres que escapan a la corrupción y los oídos sordos de la policía
y el gobierno, como lo corroborará Bonasera en la primera entrega.
Y claro, Coppola y Puzzo saben dosificar esa bondad con
guante de hierro. Por momentos pareciera que esta familia proveniente de
Sicilia no es más que un acto de bestias salvajes, pero luego se reivindican
ayudando y protegiendo a la comunidad en la que viven, ya sea en New York, Las
Vegas, Los Ángeles o la misma Sicilia. Es difícil que el espectador no se identifique con unos hombres que
tienelos medios para ejercer la retribución
que pides, y que encima de ello te traten de la mejor manera posible.
El ascenso al poder: La maratónica carrera de nuestros días esta principalmente ligada al ascenso al
poder en una u otra manera. Ya no vale querer tener una casita, con un jardín
afuera y un perro pequeño que juegue con tus hijos. El modo de vida actual nos
obliga a seguir subiendo peldaño tras peldaño aún cuando ese no es nuestro
deseo. Y en ese orden de ideas lo que muestra la familia Corleone es
indudablemente la subida a la cúspide de una manera que muchos envidiamos.
.
Proveniente de la nada. Don Vito Corleone aparece en la
segunda cinta, como un italiano más en unaépoca austera, quien debe abandonar su propio país y llegar sin un
centavo a una tierra de la que no conoce ni su idioma. Poco a poco el joven
trasalpino se hace con un empleo corriente y una vida sencilla, pero la
oportunidad, disfrazadaproblema después
de ser despedido, es lo que lo hace reaccionar y darle otro enfoque a su vida
Ya no hay trabajador de una tienda de frutas sino un hombre
dispuesto a ciertas durezas para reclamarle al mundo lo que el cree le pertenece.
Y vemos como de a poco se hace un nombre en las calles, a través de prácticas
ilegales, evidentemente, pero también a través de un liderazgo e inteligencia
natos.
Esos rasgos calaran en su hijo Michael, quien lleva a la familia
a un grado mayorde dominio, y
posteriormente a un fallido intento por legalizarles en el mundo de los
negocios. Historias como la de Vito las hemos escuchado miles de veces en otros
protagonistas (Steve Jobs, Henry Ford, Diego Maradona...) y sus potentes
narraciones a las que es muy difícil escapar, sobretodo porque nos
identificamos fácilmente con los escollos que los hombres han tenido que pasar
en su camino a la gloria
Es la personificación del camino del héroe de Vogel. Una serie
de pruebas que le dan un halo de superioridad y una justa recompensa, a quien
las sortea.
En la cultura cinematográfica estas historias generan poderosos
vínculos, bien puede ser por caminos erróneos (scarface, Blow, Uno de los
nuestros) o por lo que se podría llamar la senda del bien (Forrest Gump, El
gran pez )
El código de honor:
un punto clave, por el que creo inicialmente que esta imagen de Cossa Nostra, resulta
más poderosa y atrayente que otras tantas símiles, como lo son la de traficantes
de drogas colombianos o mexicanos, que tan de moda están en el panorama audiovisual
El mundo en el que se desenvuelve la trilogía, es de unos
criminales con modales, peligrosos si se acercan a ellos, pero con una serie de
principios y de valores que consiguen una conexión con quien les ve. Son seres
despiadados que ejercen austeros trabajos, pero que a su vez, velan por sus familias,
por sus tradiciones espirituales, y por ciertos ritos de apoyo mutuo entre
cofrades (como entre italianos por ejemplo)
Esos mimos seres son capaces de alzar un imperio en el juego
y la prostitución, pero de igual manera de rechazar un negocio lucrativo cuando
sienten que este atenta contra sus principios (como Vito Corleone en la primera
parte)
Obviamente parte del mensaje de Coppola y Puzzo recae en el
hecho de que el crimen no paga, y nos lo muestran en las 3 piezas de esta obra,
pero a su vez siempre hay una camaradería entre personajes que tienen valores,
y que los hacen mas profundos.
En un punto, por citar un ejemplo, Michael será un hombre
vacio de alma que solo se mueve por intereses monetarios y de dominio, pero sus
más cruentas acciones vienen acompañadas de ofensas muy fuertes a su credo
personal ( Fredo traiciona su lealtad y Kay su estructura familiar)
No busco humanizar a criminales, se a cual sea su
procedencia, pero la época y el ambiente en el que están ambientadas las películas
del Padrino nos dejan ver personajes palpables, poco estereotipados, de carne y
hueso, y que aun cuando erran, lo hacen movidos por una filosofía propia y un código
grupal que los separa de un burdo delincuente tradicional
En este apartado cabe señalar que tanto el guionista como el
director le han dotado a la mayoría de los caracteres de la organización, un
aire de elegancia y misterio en iguales proporciones. Dos adjetivos poco aplicables
a la imagen de mafioso local que reina en estos días
La Familia: para
quienes vivimos en familias numerosas será una fuerza muy atrayente en esta
triada fílmica la de la composición familiar de los Corleone, sobretodo en la
primera parte.
El mundo diegetico de la cinta nos introduce enun clan numeroso, y que se apoya mutuamente. Lleno
de diferentes personalidades que se compaginan entre sí bajo el básico amor
entre conyugues. Es difícil no escapar a la identificación propia y de la
familia misma al ver a Sonny en el papel de buscapleitos, a Connie como la
protegida por sus hermanos, a Michael llevando la contrariaa la tradición de los Corleone, al torpe y
poco hábil de Fredo o al Don ejerciendo su mando desde una de las salas de su
casa. Todas son situaciones incrustadas en la memoria propia que nos son más
que conocidas porque las hemos vivido de alguna manera
Pero esta es una familia que rescata valores clásicos de la
sociedad de principio del siglo pasado, y que se ha vendió perdiendo con el
tiempo. Dichos valores como la unidad, el respetó de hijos a padres o los
negocios familiares son códigos tradicionalistas que se han modificado y
quebrado con la industrialización del mundo y que son difíciles de hallar en
nuestros días
Creo que todo se resume en los momentos en que se congregan a cenar. Esas
simples escenas develan todo el entramado de relaciones que hay en esta estirpe
siciliana. Una mesa con comida es capaz de reunir a padres, hermanos, nietos,
sobrinos, hijos adoptivos e incluso a amigos de la familia. Todos, en el rito
de la alimentación olvidan por un momentos sus problemas externos y entre si y
se entregan al cálido momento de compartir instantes con los seres con los que también
comparten su sangre.
Si bien en muchas ocasiones la experiencia cinematográfica se traduce en ver una peli y luego arrojar juicios de si te gusto o no, en otras ocasiones, no tan frecuentes eso sí, se da un hecho peculiar, el abandono de la proyección. Pues ya sea en un cinema, en la casa, o en el peor de los casos frente a un dispositivo móvil (tipo ipod) en determinados momentos el cuerpo, la mente y el alma te obligan o te suplican salirte de lo ocurrido y sencillamente dejar el film a medias. Muchas veces las razones son claras y contundentes mientras que en otras son asuntos externos a la peli los que provocan la marcha. Pero sea cual sea el motivo, quienes disfrutamos del cine al menos una vez hemos huido del correr del metraje para volver a la rutinaria vida diaria. En mi caso, recuerdo 10 de aquellas experiencias (pueden ser unas más) y se las presento a continuación:
1- Los juegos del destino: Fue en su apogeo como cinta de corte independiente que me decidí una tarde, junto a mi novia, ver esta peli que por aquel entonces ya sonaba con fuerza para arrebatar estatuillas en los Oscar. Debo confesar de que el hecho de ver en el cartel al mediático Bradley Cooper (una nueva versión de Matthew McCounaghey) me presagiaba dudas sobre lo que me podría encontrar en la sala del cinema. Y una vez en ella, me choque con una de las películas mas sobrevaloradas de los últimos años. Ríos de tinta y mares de páginas se habían escrito sobre este experimento según el cual muchos aunaban una grandiosa interpretación de Cooper la cual yo jamás logre ver. Y si bien la historia nunca me atrapo en lo mas mínimo, debo decir que lo peor que pude ver que tenia Silver Linings Playbook es el descaro de destrozar a un ídolo de ídolos como lo es Robert de Niro, como si no hubiese bastado ya con hacerlo pedazos en The Foggers.
Al final, después de una hora y algo más de metraje, y de lo desesperante que se estaba tornando para ambos, decidimos salirnos de la proyección ignorando el final de la misma, cosa que hasta el día de hoy no nos ha hecho falta saber
2- 7 sicópatas: Aquí en Colombia, la cinta apenas duro un fin de semana en cartelera, lo cual seria un indicio sobre su calidad. Pero como yo no me fio del publico nacional (el cual generalmente prefiere la basura que una buena producción) pues seguía con las ganas de verla. Un par de meses después, la película me cacho desprevenido en formato DVD y me decidí a comprarla.
Casi como un ritual, prepare comida, una buena luz en mi hogar y todo lo necesario para disfrutar de ella, pero oh sorpresa que aquello nunca paso. Y ojo que tenia a Colin Farrell, Woody Harrelson y a Christopher Walken en nomina, lo cual presupone un buen producto a la vista.
Sin embargo me toca decir que era una historia forzada, de humor tonto, y con una retahíla de chistes que parecían querer sacarte las risa a la fuerza, casi que apuntándote con un arma. Fueron 35 minutos si no me falla la memoria, y después de ello me decidí por completo a darle stop al reproductor, y a ver otra película, así fuese repetida, no importaba, la idea era básicamente sacarme de la cabeza una historia que me había ilusionado bastante en el tráiler sin concretar algo, como muchas veces suele suceder 3- El honor de los Prizzi: En cierta ocasión, y hambriento de cine negro, de gangster, de matones, humo en las calles y femme fatals, decidí encargarle mi gusto a una amable chica de una biblioteca esperando que ella pudiera recomendarme cintas que yo no hubiese visto sobre el tema. Cuando en un inicio me manifestó no saber a que me refería cuando dije “cine negro” y luego tuve que explicarle, debí haberme detenido. Pero no, le permití que me aconsejara algunas pelis sobre el tema sugiriéndome entonces dos opciones que acepte sin refutar. Una de ellas era el Honor de los Prizzi, con un sonriente Jack Nicholson en la portada y cuya sinopsis hablaba sobre una familia muy similar a la de la Cosa Nostra de “El Padrino”
Pero las sorpresas estaban a la orden del día, primero, al ver que era una comedia negra, cosa que me costo entender pues parecía no esforzarse mucho en demostrarlo. Segundo, con una serie de hechos en la trama que me estaban pareciendo ridículos por decir poco, y por ultimo, una combinación de factores que la hicieron aburrida y sosa en los 40 minutos de atención que le otorgue a esta producción. Así pues, y un tanto desesperado, me avive a detenerla, y a jamás verla nuevamente, pero sobretodo, a no dejarme llevar por las recomendaciones de las bibliotecarias, que aunque con muy buena disposición, poco sirvieron a mi intención por llenarme con el cine que a mí me gusta
4- Munich: Hubo una época en la que estaba ansioso por ver películas de temática nazi, socialista, racial o de temas referentes, y gracias a ello llegue a algunas muy buenas como “Los Falsificadores” o “La Ola”. Dicho afán, me llevo un día a hacerme con los servicios de una pelicula dirigida por el muy respetado Steven Spielberg cuyo título era más que sugerente. Munich.
Sin embargo, el gran Spielberg creyó que era óptimo burlarse de mí, y quien sabe de cuantos otros tantos espectadores, al presentarme una historia en la que un escuadrón de judíos llamado El Mosad, salvan al mundo de los villanos habituales del siglo XXI. Los islamitas.
La película parte de un hecho histórico, e ignoro hasta qué punto es fidedigna a el pero en lo que logre ver (unos 25 mins aproximadamente) asistí a algo así como una emancipación del pueblo judío, una especie de sentimiento patrio que a los estadounidenses tanto les gusta. Un dato más, el guion es hecho por hombres de aparente origen judío (Tony Kushner y Eric Roth) y aunque no quiero sonar antisemita, eso ya habla un poco del tono de la peli
Aun así, hace poco leí que cuando Munich salió a cartelera recibió serias críticas por querer humanizar a los terroristas palestinos y por vender a los judíos como asesinos despiadados, lo cual contradice totalmente mi impresión inicial y me induce a entregarle dos horas y media de mi vida para apréciala completamente y replantear mi juicio
5- Miedo y Asco en Las Vegas: Con el dolor del alma tengo que decir que contrariando a muchos que ven en esta peli un espectáculo grandiosamente bien logrado de virtuosismo visual y revolucionaria estética, a mi no me atrapo en ningún momento. Y ojo que no soy un tradicionalista y que la vanguardia en el cine siempre me ha llamado
la atención, pero quienes me conocen saben que si eso no va acompañado de una buena narrativa no me cautiva en lo mas mínimo
Terry Gilliam es un admirable creativo que merece mi respeto (Monthy Python, Doce Monos, Brazil ...) pero sinceramente Miedo y Asco en Las Vegas no me llega en lo mas mínimo. Me parece una muy bien lograda propuesta experimental pero con una narrativa aburridísima, comenzando por ese papel de documentalista que encarna Johnny Depp, con su manía terrible de narrarlo todo en la más de media hora que logre ver de la película.
Debi visibilizarla hace más de un año, no sé si quizá viéndola nuevamente la pueda captar distinto pero en cualquier caso me pareció tediosa, algo pretenciosa y sofocante con tanta edulcoración visual. Recuerdo que tuve que detenerla y descansar un rato porque me resulto desgastante y probablemente no soy el único que la encontró con esos ojos
6- Diario de un Skin: Al contrario de las anteriores, de esta si puedo decir sin temor a equivocarme, que es una de las peores películas que se han hecho sobre el tema. Fabricada en una entorno de supuesta veracidad, con unas actuaciones terribles, unas situaciones forzadas y una indocumentación absurda sobre la temática skin, no pasaba un segundo en que no me sintiera viendo una telenovela.
Recuerdo que llegue a ella en mi etapa de cine Nazi, y también por recomendación de un amigo, y luego de entregarle 45 minutos de mi vida aun pienso como es que la conservo intacta en mi colección de pelis en vez de a haberla arrojado a la basura de inmediato.
No sé qué tipo de sensación habrá tenido la comunidad skin (española o internacional) pero para mí esta película es una burla total y un genuino abuso del estereotipo desgastado (y ojo que no estoy defendiendo a los calvetes)
7- El señor de las moscas: Cuando la vi en posesión de mi distribuidor de películas (algo así como un movie dealer) sabía que no era la clase de película que estaba buscando en ese momento (sin juzgar si se veía buena o mala) pero aun así la adquirí, en especial por aquel referente que había en un capitulo de Los Simpson (“y al final fueron rescatados por digamos, eh… Moe”) y ello me suscito una ligera curiosidad.
La puse en el dvd aquella noche y por desgracia no tuve la concentración o disposición suficiente para verla completa (una hora y algo mas fue lo que vi) además de que en un momento fuy largamente interrumpido por atender la charla con un amigo que llamaba a la puerta
No tanto por mala, aburrida o predecible (tampoco era la gran película ni mucho menos) pero sin duda si era una cinta interesante a la que no le preste la atención debida. Creo que es quizá la única de las mencionadas que sinceramente me arrepiento de haber dejado a la mitad.
8- Hitchcock: Este episodio lleva consigo una recomendación. No vean películas a altas horas de la noche y mucho menos después e haber tenido una dura jornada laboral y de haber ingerido algunas cervezas previamente. Lo digo porque todo ello influyo en mi decisión de salirme de la sala y dejarla visualizada a medias.
Una vez más, con mi novia nos aventuramos a ingresar a una función tardía de esta película dirigida por Sacha Gervasi, con la firme intención de asistir al biopic de un genio del séptimo arte. No paso mucho entonces para que los factores anteriormente mencionados junto al soso ritmo que establece el metraje en los primeros minutos surtieran efecto y nos entregaran a los brazos de Morfeo.
Aun hoy en día ignoro cuanto dormimos, por lo tanto, ignoro también cuanto vimos o dejamos de ver de la película. En cualquier caso la biografía del maestro del suspense quedo a medias en nuestras cabezas. Entrecortada y transformada por nuestras mentes en una narrativa episódica en vista de que el sueño nos gano en varios pasajes del film hasta que por dignidad y respeto decidimos marcharnos de la proyección
9- Crazy Stupid, Love: Por supuesto que no podía faltar una película 100% mainstream, una de esas comedias románticas hollywoodenses. Aunque yo soy muy reacio a este tipo de films y muy rara vez me atrevo siquiera a ver una de ellas, con esta se conjugaron el aburrimiento y el insomnio para hacerme una mala pasada.
La recuerdo ahi, estática, en el diván de pelis de mi casa, y recuerdo a Ryan Gosling en portada (por aquel entonces había visto Drive y había una ligera reverencia a este actor) entonces dije “¿Por qué no?”
Hoy me pregunto “¿Por qué si?” pues después de 40 minutos sentí una profunda necesidad de apagarlo todo, ir a dormir y tratar de olvidar lo más rápido posible lo visto que no era otra cosa que situaciones previsibles en la comedia, el típico tonto que quiere ligar y una especie de amo de la seducción (tipo Tom Cruise en Magnolia pero menos emotivo) que se apilaron en un apartado de mi cerebro reservado para “Cosas para criticar de las películas”
He tenido buena suerte porque al día de hoy no me acuerdo de casi nada de la trama, y les aseguro que falta no me hace en lo mas minimo
10- Beowulf: Para el año 2007 yo aun andaba en combo de amigos de barrio, y en ocasiones nos reuníamos a ver films en casa cuando el presupuesto no daba para una incursión multitudinaria a la sala de cine. En cierta ocasión nos decidimos por una cinta que tenía buena pinta por esa magna combinación de elementos medievales fantásticos y buenos efectos especiales. Su nombre era Beowulf. Así que acudiendo casi que de una manera iniciática a la casa de un amigo, nos congregamos con comida en mano y el volumen de la tele a reventar
Hasta ahí todo bien porque lo que sigue es una laguna de imágenes que no me alcanzan para justificar las razones por las que abandone la proyección casera de Beowulf. Evoco el tono oscuro de la imagen (que no era culpa del tv), también el típico “Uyyy” cuando Angelina Jollie salía en escena, y por ahí divaga en mi mente una pelea entre el protagonista y una especie de monstruo-bebe. Por lo demás hay abruptos huecos en mi cabeza, pero eso sí, recuerdo muy bien que después de más de media hora fingí sueño y me marche, dejando a mis amigos con su película, que creo tampoco les estaba causando mucha emoción.
Como otras experiencias aquí citadas, nunca supe si la terminaron de ver, o si les había gustado. De hecho jamás supe quien carajos era Beowulf, lo que no deja muy bien parado a mi sentido de la comprensión
